"Tres anuncios en las afueras" es el reflejo, por una parte, del gran poder que la publicidad puede llegar a ejercer en los espectadores y, por otro, una brillante historia de empoderamiento de la mujer.

Las palabras sobran. Los planos hablan por sí solos. El subtexto es el que otorga la esencia necesaria y el que marca el ritmo de la película. La cinta de McDonagh no solo se alza como uno de los mejores dramas de los últimos años: la guinda del pastel la confieren los acertados y ácidos comentarios de la excelente Frances McDormand, quien realiza una importante y necesaria crítica del cuerpo policial estadounidense.

Los diálogos, más bien escasos, son certeros, punzantes, lacerantes; un producto resultante de la inteligencia de un director de cine que, además, sabe cómo escribir una historia en condiciones. Estos, desde mi punto de vista, se asemejan al funcionamiento de una máquina lanza-piedras, directa y precisa, que no deja escapar una sola oportunidad de crítica hacia el sistema de justicia estadounidense.

La actriz principal, Frances McDormand (Mildred Hayes) consigue transmitir magistralmente los sentimientos, rabia, tristeza e impotencia que debe sufrir una madre ante tal trágico suceso. Los códigos no verbales y el excelente manejo que hace de la paralingüística la erigen como indiscutible estrella del filme, hecho que más tarde ratificaron los galardones que recibió en los Globos de Oro y Premios BAFTA como Mejor Actriz.

La película funciona, ya que no es la típica cuya historia es bien conocida por todos, sino que parte de unos fundamentos verdaderamente originales que aportan un aire de frescura e innovación que son más que bienvenidos en plena crisis de originalidad del sector cinematográfico.

En suma, "Tres anuncios en las afueras" es un halo de aire fresco para la industria cinematográfica, un dardo envenenado para la justicia estadounidense y una lección del amor incondicional de una madre por su hija.

Hace unos días se estrenó en Netflix "Miss Americana", un documental de poco más de una hora que narra la vida de la cantante estadounidense Taylor Swift desde sus primeros pasos en la industria musical cuando aún era una niña de instituto, hasta la mujer de 30 años internacionalmente conocida y que se ha convertido en una de las grandes cantantes del siglo XXI.

Un documental de este calibre se encuentra con muchos retos, como el que supone condensar tantos años de carrera y de vida en tan poco tiempo. También la gran variedad de enfoques y perspectivas desde las que se podría haber abordado esta tarea. Y en este sentido el trabajo de la directora, Lana Wilson, es más que notable y demuestra su gran experiencia como directora de documentales.

En cuanto a la narración, el relato gira en torno a la idea de que ella está donde está única y exclusivamente que por sus propios méritos. El documental se apoya en trozos de actuaciones, entrevistas, discursos de la cantante y declaraciones que ha hecho en prensa, que, sin duda, aportan agilidad e interés al documental. Esta gran tarea de recopilación de material se utiliza también para respaldar sus pensamientos, ideas y momentos de su vida, para que la gente vea su vida con sus propios ojos.

Por lo general, el documental es el resultado de un gran trabajo que toca prácticamente todos los puntos neurálgicos de su vida (los buenos y los malos). Swift lucha por mostrar su lado más humano y sincero y consigue que el público empatice con los momentos más complicados de su vida, como el hundimiento de su reputación mediática a raíz del embrollo con Kanye West y Kim Kardashian; el caso de abuso sexual que sufrió en 2014, o su implicación en la política.

También toca momentos muy íntimos y familiares, como el cáncer que padece desde hace años su madre, o cuando su asesora le comunica que no ha sido nominada en los GRAMMYs. Es ahí, en esos momentos tan privados y personales en los que el director y la cantante aprovechan la emoción y el sentimentalismo de la situación y en los que gana el documental y lo hace interesante.

Que el documental sea bueno, elaborado e interesante no quita que deba verse la otra cara de la moneda. Es obvio que la naturalidad que se pretende en este tipo de documentales es más bien utópica, puesto que suelen ser una construcción artificial que legitima al artista de turno. Resulta difícil, por tanto, empatizar con alguien cuando se tienen en cuenta este tipo de aspectos que, todo sea dicho, la directora y la cantante camuflan inteligentemente.

En definitiva, "Miss Americana" supone un gran trabajo periodístico y audiovisual que ayuda a comprender mejor los problemas y dilemas a los que se enfrentan todos los grandes artistas de la música; lo enrevesada y calculada que resulta la industria cultural, musical y mediática; y lo difícil que es ser alguien de la talla de Taylor Swift.

Estar atrapado en un bucle espacio-temporal no es una idea nueva ni original. Se han hecho innumerables películas en torno a este tema, la mayoría de ellas bastante similares las unas de las otras. Sin embargo, Netflix lo ha vuelto a hacer, tocando un tema tan delicado a la par que necesario como lo es la muerte.

La nueva serie original de Netflix, "Muñeca Rusa", podría parecer a priori más de lo mismo. Una chica de 36 años que muere y resucita en el baño la noche en que celebra su cumpleaños. Sin embargo, la serie utiliza este argumento trillado como excusa para presentarnos cómo es el verdadero Nueva York del siglo XXI y los problemas e inquietudes por los que pasa la gente en un breve thriller de ocho episodios que se hacen un suspiro para nosotros y una eternidad para los protagonistas.

Y es que todo está milimétricamente calculado para que nada falle. Un aura de misterio y de terror envuelve a Nadia, interpretada por la genial Natasha Lyonne a quien muchos conocerán por su papel en "American Pie". La serie es como un espejo roto en innumerables pedazos, en los que incluso el más pequeño de los cachitos termina encajando. El primer episodio es posible que te deje tan desconcertado como roto el espejo, pero en el último verás que no queda ni un cabo suelto.

Esto solo es posible gracias a un equipo de mujeres guionistas que han elaborado la que con casi toda seguridad es la apuesta más inteligente hasta el momento en el tema que nos concierne, renegando de los clichés del formato y ahondando en historias, sentimientos y objetivos que la desmarcan por completo. De nuevo, Lyonne no solo se muestra como la gran y polifacética actriz que es, sino también como una excepcional guionista.

Sin duda, son muchos los factores que diferencian esta apuesta de cualquier otra, aunque podríamos resaltar la dirección de fotografía, el montaje, el reparto de personajes y la música. Todos los episodios empiezan y terminan de la misma forma, pero, al mismo tiempo, nada de lo que ha ocurrido es exactamente igual, en parte por el montaje, en parte porque el personaje evoluciona y aprende constantemente cada vez que vuelve a empezar.

Son muchas las sub-tramas que articulan la historia y sobre su resolución es cierto que algunas han sido resueltas torpemente. Sin embargo, la sensación final que provoca la serie es de satisfacción y reflexión, porque, como ya he dicho, todos los trocitos encajan con mayor o menor agilidad.

"Muñeca Rusa" es mucho más que una historia que parece no tener fin. Es un drama familiar, un descubrimiento y una introspección hacia lo más profundo de nosotros mismos que no dejará indiferente a nadie. Porque en este mundo, somos las decisiones que tomamos y somos nosotros los que marcamos la hoja de ruta de nuestra vida.

Hay algo que tienen todas las películas de Pixar y es que nunca te sientes igual cuando empiezas a verla y cuando terminas. Es lo que yo llamo la "magia de Pixar": saber qué botones pulsar, cuándo pulsarlos, cómo hacerlo y con cuánta intensidad, como si nosotros, los espectadores, fuésemos las teclas de un piano cuyo pianista toca con virtuosismo.

Pixar sabe hacerlo demasiado bien y esta vez no ha sido menos, con la que posiblemente sea la cinta más adulta y con mayor nivel de profundidad emocional que hayan hecho hasta la fecha. De los creadores de "UP" e "Inside Out" llega "Soul", una de las películas más esperadas de este año. Una historia envolvente y trascendental sobre los sueños, las metas, los miedos, las pasiones y las esperanzas que articulan nuestras vidas.

Esta lucha constante hacia la realización personal se cuenta a través de la vida de Joe Gardner, un profesor de música que aspira a convertirse en un gran intérprete de jazz, su auténtica pasión. Y ya está. No tenemos amigos, ni parejas, ni otros personajes protagonistas. Solo a 22, pero no entraría en esa categoría. La que sí está presente es la música, como viene siendo habitual en Disney, quizás no tanto como en otras películas, pero lo suficiente como para constituir un homenaje para los amantes de este género musical.

Uno de los aspectos que más llaman la atención de la película es, precisamente, lo trascendental y complejo del argumento. Un niño de cinco, ocho o diez años difícilmente comprenderá cómo se siente realmente una persona que lleva luchando por cumplir su sueño toda su vida sin haber conseguido sentirse realizado profesionalmente. No lo comprenderá y tampoco empatizará con esos problemas y sentimientos, por lo que difícilmente entenderá el significado real de la película, aunque no por ello no la disfrutará. Pixar vuelve a jugar con una doble lectura, de modo que divertirá y entretendrá a los más pequeños mientras que a los más mayores conseguirá arrancarles alguna que otra lágrima.

No obstante, uno de los puntos que lleva "Soul" a su favor es que consigue emocionar y transmitir sin llegar al clásico empalagamiento de las historias de Disney, mostrando una madurez inusual y sin complejos en la compañía que trasciende la más pura animación. La muerte, eje argumental de "Coco", vuelve a estar presente. También encontramos reminiscencias de "Inside Out" en las almas, unos seres que representan conjuntos de emociones.

Por lo demás, el estudio vuelve a destacar, como ya es habitual, en la animación, tan impecable como siempre, con una combinación de distintos estilos y una mezcla de formas y personajes bidimensionales y tridimensionales, tiernos y adorables, que encandilarán y gustarán al público más joven pese al argumento de la historia.

En definitiva, "Soul" es una historia con una profundidad mucho mayor de la que aparenta, un viaje que nos llevará a la introspección de nuestras vidas hasta llevarnos, literalmente, a nuestro alma. Posiblemente sea una de las mejores películas y sin duda de las más memorables de 2020, hecha desde y para el alma, con la que Pixar vuelve a recuperar la magia que perdió con "Onward". Una historia divertida, reflexiva, inteligente, repleta de emoción, de moralejas y de preguntas que resonarán en tu cabeza más allá de los títulos de crédito. Una lástima que no vayamos a poder disfrutarla en la gran pantalla.

Así es como me he sentido a lo largo de las tres temporadas de Merlí, la serie catalana escrita y dirigida por Héctor Lozano. (Muy) lejos de ser la típica serie adolescente, esta tragicomedia catalana se corona como una de las más notorias producciones televisivas que se han llevado a cabo en España en los últimos años.

El abanico de personajes que componen la serie dota cada uno de los episodios de enseñanzas y matices que los hace únicos, entrelazando tramas y personajes en un bucle que parece no tener fin nunca. Precisamente, son ellos, los peripatéticos, quienes se encargan de transgredir la filosofía a sus vidas y sus problemas, lo que hace que el espectador se percate de que la filosofía es algo que está mucho más presente y viva de lo que pensamos en nuestras vidas y nuestro día a día.

Francamente, me resulta complicado pensar en otra serie de la que haya aprendido y con la que haya sentido tantas cosas como lo he hecho con Merlí: los problemas de la educación pública en España, el acoso escolar, la muerte, la homosexualidad, la pobreza, las enfermedades o el feminismo son solo algunos de los muchos y variopintos valores que se tratan a lo largo de la serie.

Una tragicomedia que no solo cobra sentido por su magistral trama, cuyos guiones tenemos que agradecer a Lozano, Sàrrias y Aguilar, sino también gracias al amplio reparto de noveles actores que hacen posible la serie, muchos de ellos debutando en la pequeña pantalla por primera vez. Mención aparte merecen el catalán Francesc Orellas por su magnífica interpretación de Merlí, profesor de filosofía que da nombre a la serie, además de los jóvenes David Solans y Carlos Cuevas, en los papeles de Bruno y Pol, respectivamente.

Precisamente, es la combinación de un buen equipo de guionistas, director, productor y reparto de actores lo que hace que Merlí funcione y esa esencia auténtica se sienta en cada minuto y segundo de cada episodio.

En definitiva, he reído, he llorado, he sufrido, me he emocionado, he disfrutado y sobre todo he aprendido mucho de esta serie, no solo sobre filosofía, sino sobre todo de la vida. Merlí es como un manual, un libro de instrucciones de la vida que todo el mundo debería ver alguna vez en su vida, independientemente de su edad.

Merlí es un regalo que nos ha hecho Héctor Lozano, por el que le estaré eternamente agradecido. Gracias por haberme brindado la oportunidad de conocer y vivir, casi de forma literal, los propios problemas y sentimientos de los peripatéticos.

¡Empálmense con la filosofía!