Se dice del que nace así, que lleva el coraje en la sangre, la vanidad y la imagen no són nada para él, es un tigre, y cuando su furia se desata nada, ni nadie, puede parar. Todo proviene, algunos dicen, de su profunda mala naturaleza.

De esa manera se nos presenta Kunisada, el protagonista de Violent Fire. De una forma muy espectacular asistimos al asesinato del jefe del clan Sanada, padre de Kunisada, que posee las cualidades antes descritas, igual que su hijo. A partir de aquí, asistimos al desarrolllo de la amenazante venganza de Kunisada, acompañado de su fiel lugarteniente. Takashi Miike no escatima esfuerzos en elevar el personaje al rango de mito, y se deleita en algunas ocasiones con su habitual megalomanía, razonablemente videoclipera, acceptable en fin. Lo mejor de Miike en ese caso, y en ese tipo de películas es la crudeza y el realismo con que retrata las escenas domésticas y las situaciones límite, algo tarantinianas, de esos famosos gàngsteres japoneses. Y si bien no cae en la parida ni en ridículo, sí nos transmite el delirio y el desvarío que transmiten todos los personajes de la película. Estética, cruda, fantástica, misógina y muy violenta: empiezo a sospechar que Miike tiene un poco de todo eso.

Para los que no hayan visto nada de Miike es una buena película para empezar, aunque queda mucho por descubrir. Para los que ya sabeis de que va, ésa es de las duras, en un dualismo parecido al de Kitano, el del cine humano y el cine hiperviolento.

Con todo, una buena película, muy entretenida y original. Buena.

He tenido la suerte de vivir en esa preciosa zona del sur de Francia. La verdad es que me llena de alegría poder sentir ese cine que tenemos en Europa, humano, detallista, creíble, y sin pretenciones. Un personaje, Dupinceau(Delpinzel), parisino, artista, un hombre de ciudad, que se rencuentra con un antiguo compañero de clase, Dujardin(Deljardin), que siguió en el pueblo, va una vez al año a Nice, va de vacaciones con sus cuñados, y quiere y disfruta lo que ve: sus verduras, su mujer, la única, y su pueblo. La cuestión es que no es un tipo corto, es una simple cuestión de haber hecho con lo que había a mano. Sin estudios, con una vida de empleado de los ferrocarriles franceses, ahora se dedica a su huerto y desde que Dupinceu lo contrata para ello, a cuidar el jardín del artista. Entonces empieza una relación que, de manera completamente espontanea, se va volviendo complementaria. El artista aprende a relativizar sus problemas, y al mismo tiempo va cogiendo el gusto por las cosas más palpables. Paralelamente, el jardinero descubre que se puede mirar una arboleda y ver otra cosa que árboles. Pero no hay moral, en absoluto. Nadie cambia, ni tiene que hacerlo, porque no hay buenos y malos, sólo dos personas que se conocen y que comparten, entre lienzos y calabazas, su existencia. Ni grandilocuente ni queriendo ser memorable. Solo bonita.

Bien, vamos por partes. sin querer hacer competitividad con otros usuarios que aqui dejan sus impresiones, pues las emociones y las impresinoes són, si cabe, lo más subjetivo, y por tanto individual, que encontramos en el cine, no estoy de acuerdo con la idea que mucha gente tiene de esta película.
Objetivamente, Syndromes and a Century es una película sin guión. Es así. Lo más recomendable es, pues, no esperar nada de ella, sino simplemente disfrutar de la intimidad y el humanismo que se transmite de sus personajes. Tiene una fotografía preciosa, clara, luminosa, con planos fijos y en movimiento que sin embargo no enseñan nunca más que un punto, aunque visto desde una optica en movimiento.
Entre escenas de diálogo, se intercalan, con un ruido relajante, monótono y casi imperceptible, imágenes de budas sentados y monumentos a héros de la guerra tailandesa. Esa escenas consiguen su cometido: transmiten un sentimiento de sosiego y de misterio grandiloquente que combinan bastante bien con la tónica intimista de la película.
Se hacen cortos los 104 minutos de calma, sin moral, sin reprimendas, sin emociones fuertes. Nadie dicta si eso es cine moderno o no. Quien lo hace se equivoca en todo menos en que es cine moderno efectivamente por la técnica y la manera de grabar. Las impresiones, que los monjes budistas, como los del largometraje, consideran una de las fuentes de energia del ser humano, són retocadas aqui con un sol, una vegetación, y un viento de verano que hacen que el espectador envidie durante un rato la tranquilidad que desprende Syndromes and a Century. Felicidad.

Ned Ravine( ajustadísimo Armand Assante) es un hábil policía: va a buscar a los atracadores de licorerías en las ferias porque cree que es el único sitio donde no podrán usar targeta de crédito. En este ultimo caso el malo aún lleva la media en la cabeza e intenta comerse un helado sin éxito. Empieza la película.
Avispado y caricaturesco agente, que, en sus mañanas ejerce como abogado de oficio. Él detiene a los quinquis y él los defiende y los pone otra vez en circulación. Con una cara de concentración y determinación esculpida en piedra, escuchando su pausada voz "off the record", revivimos con Ned clásicos del cine negro. Varias tramas se ponen en movimiento al mismo tiempo, y si bien mal trabajadas y entrecruzadas, aligeran peso por las carcajadas que provocan la larga lista de tópicos situacionales que uno tras otro vemos: el mecánico (habilmente agilipollado Sean Young) que se folla a la mujer de Ned, el plan que ésta última urde para cobrar el seguro de vida de su marido, un ventilador de techo en el coche de nuestro héroe, la femme fatale cigarrillo en boca y papel de wáter enganchado en el tacón, etc, etc...
Con una filmación de planos fijos a media distancia, para intensificar acciones cómicas y una, eso sí, trabajada fotografía, clásica del cine negro, se lleva un aprovado alto. Reiner se ha desengrasado y desmelenado.
Distracción fatal no es una película excelente. Tampoco es una película que se emmarque en un género demasiado reconocido, el de la comedia absurda (o paridera, como se prefiera), pero es, sin ninguna duda, una buena manera de pasar un rato divertido.
Disfrutádla.

Increíble. Una joya de la evolución de Takeshi Kitano. Ya cuenta con todos los recursos de producción necesarios para dejar aflorar la parte más inocente y creativa del director. Deja a un lado sus personajes despiadados y megalómanos para convertirse en un yakuza retirado, pero con una clara faceta cómica. Masao, un niño de 11 años, se va en busca de su madre, a quien todavía no ha visto nunca, y se encuentra de camino con Kitano, que, como suele pasar en sus películas, le acompaña sin otro motivo que el de acompañarlo. Si es cierto que tendemos a valorar esas cosas "curiosas" de las películas orientales, darles un valor añadido por la mera curiosidad que nos despertan. Eso no quita que sean deliciosos de ver. El viaje de Kikujiro es el viaje de un niño y un adulto, una road movie japonesa, sin impaciencia. Que al final el viaje no resulta ser todo lo productivo que debería no importa, ese es un juicio que no podemos evitar tener por nuestro concepto del tiempo y de la felicidad. Disfrazarse, reír, llorar, pintarse la cara, acampar delante de la playa(azul Kitano): es el camino a la felicidad.