Magnífica película, plena de emoción y sufrimiento. Una historia de amor difîcil, sugerida mediante el juego de las miradas, los gestos y la atmósfera ambiental que envuelve a lor protagonistas: unos elementos básicamente cinematográficos que no siempre se tienen en cuenta, sepultados por el torrente de diálogos que habitualmente los sustituyen. Para ello, naturalmente, hay que ser un buen director y Zurlini demuestra serlo, pese a tratarse de una obra de juventud. Aunque consigue una pelîcula sincera y hermosa, no llega a los logros alcanzados en Crónica familiar o La primera noche de la quietud, las mejores obras de este boloñés de corta pero intensa filmografía.

Son dignas de recordar toda la secuencia del baile, precedida del juego con los asientos en el circo; la noche de amor en la playa y la secuencia final en la estación de tren, muy bien rodada, cuando el protagonista se da cuenta de que lo que hace imposible su amor no es tanto el tiempo de la diferencia de edad, sino el tiempo histórico, cruel y trágico, que les ha tocado vivir.

Segura como las obras clásicas, El Dorado es una reflexión sobre el universo del western. Los héroes de Hawks, cansados de cabalgar, se encierran en una prisión y se aprestan a librar su última batalla. Profesionales hasta el fin de sus días, sólo reaccionarán, con violencia ante aquellas alteraciones, burla o traición, de lo que forma parte sustancial de su ética del oficio. Asisten a la formación de nuevos héroes que no recogen fielmente sus enseñanzas: Mississipi no sabe manejar el revóver, pero basa en la inteligencia: su forma de manejar el cuchillo o de arrojarse ante los caballos, su método para subsistir en un entorno tan agresivo.

El estilo de hawks, contemplativo y fundado en la aceptación de la realidad completa, lo que le sitúa en los antípodas de Hitchcock, encuentra en la serenidad de la madurez la razón de su existencia.

Esta sublime película es la última obra maestra de Hawks y, aunque se asomó de nuevo al género en la también interesante "Río Lobo", más distendida y trivial, supone su despedida, alegre y triste a la vez, a una época brillante del cine que, desgraciadamente, nadie ha sabido recuperar.

En esta breve película de 71 minutos ocurren nada menos que estos sucesos, entre otros:

Cobardía y heroísmo. Drogadicción. Despido libre. Desintoxicación. Altruismo. Dos historias de amor, una de ellas soterrada. Un inventor genial, furibundo comunista, que se transforma en capitalista de pro. Una represión policial que acaba con la vida de la mujer y la injusta condena del protagonista. La depresión económica que acaba con el trabajo pero no con las conductas solidarias.

Todos estos asuntos están tratado con el uso ejemplar de las elipsis y algunos planos de detalle que eliminan explicaciones tediosas; por ejemplo:

El plano de la mano que aprieta la condecoración injusta.
La historia de amor contada en cuatro planos, entre ellos el de la pareja que se abraza frente a la ventana y el de la amiga que los contempla
La desintoxicación, contada exclusivamente en las anotaciones de la ficha
La injusticia del capital, resumida en el puro que se fuma el poderoso mientras plantea el despido colectivo.
La empresa poblada de trabajadores se sustituye por una nave prácticamente vacía tras la implantación de la maquinaria

En resumen, un modelo de concreción y síntesis, ciertamente elemental, pero que dan el resultado de una película sumamente amena y emotiva que deberían contemplar todos los presuntos genios del ampuloso cine de hoy, capaces de torturarnos durante más de dos horas sin el menor recato.

A caballo entre el western y la denuncia social, se trata de un dignísimo film, breve y sustancioso, no demasiado original, pero que pone en escena el eterno conflicto entre la justicia y el poder. Las imágenes son contundentes, especialmente la secuencia inicial, antes de los títulos, que narra en tres minutos, sin palabras, la clave del conflicto. El director, más conocido en el género de ciencia-ficción, se luce en el uso del cinemascope. Aparece el genio Orson Welles en un papel muy a su estilo, mezcla de capitalista y villano con poder para disponer a su antojo de todas las voluntades. Lástima del condescendiente final, probablemente impuesto, que estropea la función. En fin, una buena muestra del cine de serie B, hoy tristemente desaparecido, que nos depara ochenta minutos de emoción.

Esta conmovedora película constituye un auténtico recital de la puesta en situación, demostrativa de que su autor poseía una sabiduría impresionante de su oficio. Todos los cineastas posteriores que merecen tal nombre han bebido en las fuentes inagotables del maestro letón: en eso constituye precisamente ser un clásico.

Alexander Nevski es la mejor conjunción entre música e imagen que se ha alcanzado en el arte cinematográfico. El dominio del montaje es apabullante. Cada plano es un ejemplo de arquitectura en el que los personajes y las situaciones se definen por sus líneas geométricas: un estilo de sumo virtuosismo que alcanza la cumbre en la secuencia de la batalla, inmortal y mil veces imitada.

En resumen, para quienes aún mantengan dudas sobre el hecho de que el cine fue el arte más importante del siglo veinte, culmen y superación de las demás, esta es la obra fundamental para eliminarlas. No es la mejor película de su autor, siempre genial e imperecedero, pero sí la más emocionante.