Siempre me gustó más el personaje de Rob Roy que el de William Wallace, era mucho más humano y veraz, no necesitaba que dijeran de él que echaba rayos por el culo, ni que mataba hombres a cientos, ni siquiera se daba el pego de saber latín, ou français si vous préférez, ejem... Además, Mel Gibson no es Liam Neeson, claro. Un armario empotrado de 1,93 con su espada claymore e intachable protector de su clan era más que suficiente para respetarlo e incluso admirarlo.
Cuando Liam Neeson se puso la falda del clan McGregor era su época dorada: Un Oskar Schindler por aquí, un Michael Collins por allá, ahora me ficha Woody Allen... estaba en su plenitud. A los que nos encanta, nos tenemos que conformar ahora con papeles de medio pelo en Los próximos tres días, El Reino de los cielos...migajas.
Robert Roy McGregor no acaudilló grandes ejércitos, tan sólo era el jefe de un clan. Debía dinero al imperturbable Duque de Montrose. Como no podía afrontar la deuda le echó encima a un excepcional Tim Roth, un lascivo caballero de nombre Archibald Cunnigham que convierte a Rob Roy en un fuera de la ley, ensañándose con su familia como castigo. De esta manera, nos queda una estupenda película de aventuras con un héroe nada excepcional, con un honor ultrajado y una venganza que cumplir, un malo malísimo, un amor (cómo olvidar a Jessica Lange, más bella que nunca y tan buena actriz como siempre) al que proteger y un duelo final entre Neeson y Roth de traca, una violenta lucha en la que se conjugan la brutalidad de un pastor escocés y los ágiles movimientos de un consumado espadachín de salón. Como se puede comprobar, un clásico ajustado a los cánones del género. No podía (ni debía) ser de otra manera, al tratarse de la adaptación de la novela de Walter Scott, que por cierto, no he leído.
Aun así, Rob Roy no es una película típica, posee aspectos que la diferencian y, a día de hoy, creo que la harían inviable, y es que no es una película dirigida a todos los públicos. Michael Caton Jones no buscó hacer un producto masivo, tampoco elitista, no deja de ser una película de aventuras, sino que sacrificó llegar a un publico mayoritario en beneficio de cierta calidad. Y es que si hoy día se estrenara una película similar, lo mismo no estaría protagonizada por un cuarentón semidesconocido, quizás veríamos a Orlando Bloom o a Robert Pattinson. Tampoco sería Jessica Lange la protagonista, claro, sino Megan Fox o Jessica Alba. Y lo más importante, creo, la película no se anda por las ramas, y tiene ciertas dosis de violencia que los productores no dejarían pasar más allá de la sala de montaje siendo una película dirigida a todos los públicos.
Por todo esto, sus actores, aroma clásico al cine de aventuras y cierto toque distintivo, creo que hacen de Rob Roy una película interesante, digna de ver y comparar con el cine de aventuras actual, más centrado en lo épico y espectacular, que estaría fenomenal si no pusieran tanto empeño en ofrecer productos vacíos de contenidos.

Good Morning Vietnam es una película ligera, de fácil digestión, hecha para lucimiento de Robin Williams, que logra uno de los mejores papeles de su vida, interpretando a Adrian Cronauer, un locutor charlatán con pilas duracell al que el ejército adora, pero sus superiores no. Es una película convencional que, siendo el marco la guerra de Vietnam, pasa de puntillas sobre el tema centrándose en la confrontación que mantiene Cronauer con sus superiores, debido a su carácter rebelde, arrollador y simpático, muy lejos del anquilosado conservadurismo de las élites militares.
Los secundarios nada que ver con Robin Williams, rayando la trivialidad.

Podría haber sido una comedia ácida y crítica contra la catastrófica guerra del Vietnam, pero se queda en una comedia baladí con algún vano intento de crítica, como el diálogo que mantienen al final el niño vietnamita amigo de Cronauer y este, pero es muy secundario, lejos del tema principal, Adrian Cronauer.

Para ver un Domingo por la tarde, si no hay Liga, claro.

Todas las películas son hijas de su tiempo y, Pelham uno, dos, tres, no lo es menos. Cualquier aspecto del film que observemos resulta ser un claro ejemplo del cine que se realizaba en la década de los setenta: la fotografía, la música, la estética… todo muy bien ligado y aderezado por una correcta dirección, buenas interpretaciones (qué grande Robert Shaw, un actor inolvidable) y un sentido del ritmo perfecto para una entretenida película de acción.

Además, está bien acompañada por algunos toques de humor, unos más acertados que otros, que ayudan a no dejar de prestar atención a la pantalla.
Por último, fue una grata sorpresa descubrir de dónde sacó Quentin Tarantino la genial idea de llamar a sus personajes de “Reservoir Dogs” por colores: Señor Azul, Verde, Marrón… y es aquí, en esta película. Me encantó.

La temática abordada por Fresas Salvajes es claramente existencialista. Es la mirada hacia el pasado de un hombre que ve como su vida llega a su fin, preguntándose si su vida ha merecido la pena, si ha obrado bien o mal y si sus más allegados le recordarán como un buen hombre. Este panorama es retratado mediante un viaje, cuyo motivo es la celebración de un homenaje para el protagonista, Isak Borg(Víctor Sjöström), por su larga y próspera carrera como médico, lo que hace que Fresas salvajes se considere una "road movie". Como hiciera Charles Dickens en "Cuento de Navidad" con el señor Scrooge, Isak Borg presencia situaciones en las que en realidad él no está y no puede intervenir, con la diferencia de que en Fresas Salvajes son situaciones vividas representadas mediante sueños. En estos sueños Isak Borg revive los momentos más relevantes de su juventud, son los que le invitan a reflexionar y por los que la película tiene una marcada huella existencialista.
Además, a lo largo del film se pueden percibir continuas referencias al surrealismo. Estas no ayudan en prácticamente nada a comprender la película y entorpecen el ritmo.
De los actores decir que están correctos. Únicamente destacar lo tremenda que está Ingrid Thulin, no es sólo una sueca guapa, es una Valkiria.
En líneas generales, esta es una película profunda y didáctica, pero a su vez es lenta, monótona y en algunos momentos peca de remilgada y ñoña, culpa del guión, como la escena del desayuno en la casa de los Borg.

Rodada en los últimos años de la etapa dorada del cine negro, Más dura será la caída (1956) supone el último coletazo vital del icono por excelencia de un género que, como el western, vislumbraba su cénit en el horizonte y, precipitándolo con su fallecimiento un año después del estreno, dejó a La Meca del cine huérfana de su gran mito.

A pesar de lo que en un principio pudiera parecer, no resulta novedoso encontrarnos una película "negra" con una trama ambientada en el mundo del boxeo pues, el mismo director, Mark Robson, se introdujo en el género sumando la misma temática pugilística con la historia de otro juguete manipulado por las mafias, esta vez interpretado por Kirk Douglas en El ídolo de barro (1949).

Sin embargo, más que falta de originalidad, podríamos decir que se trata de una vuelta de tuerca cuyo resultado es una denuncia abierta que, si la ubicamos en el subgénero de "películas de boxeo", podríamos decir que rechaza ser una película de acción sin más, o una película de boxeo en la que se vanagloria de los mitos de un deporte en el que abundan más, si cabe, las miserias humanas. Esta denuncia, ataca directamente a la raíz del problema, las mafias que controlan el deporte y lo tienen convertido en un circo (excelente la alegoría de la caravana de Toro Moreno, el triste púgil manipulado, acompañada por una música de lo más circense), asegurando que el boxeo, la eterna lucha interpares ha perdido su esencia, sus valores, pasando a ser un mero negocio, fábrica de Hércules de plastilina de usar y tirar que no interesan a nadie, en la que los managers, entrenadores u ojeadores, a través de la farsa y el amaño, elevan al olimpo o empujan al infierno al boxeador en función de lo abultado que quede su bolsillo.

Además, se agradece la presencia en la película de héroes de este deporte como Max Baer o J.J. Walcott, lo cual dice mucho de la veracidad de la historia y, encima, ambos están fenomenal. Desde luego, Bogart no pudo decir adiós de mejor manera.