Cuesta encontrar una película que sea brillante en cada uno de sus aspectos. Vayamos por partes:
- El guión es desgarrador, muestra de una maestría dramática insuperable que nos lleva más allá de la propia película, nos lleva al espacio, a los límites de la tierra, a nuestros propios límites. En definitiva, Interstellar presenta al ser humano como un pequeño punto en el universo, condicionado por las leyes de la física y por unos sentimientos que superan la finitud del hombre. Esta dualidad finito/infinito está continuamente presente en la película.
- ¿Qué decir de la banda sonora? Parece que Hans Zimmer ha nacido para trabajar en Interstellar, como un martillo que nace para clavar clavos. La banda sonora, plagada de instrumentos que se entremezclan para crear armonías sublimes, es la guinda del pastel.
- Elenco de actores que trabaja a la perfección (Acentuando, cómo no, al Matthew renacido tras Dallas Buyers Club).
- La historia que está detrás de la película: las teorías de Kip Thorne aportan credibilidad a la película (Sin embargo, hay algunas libertades que se ha tomado Nolan que son bastante discutibles desde el punto de vista de la ciencia), nos hacen ver la película sabiendo que no estamos hablando sólo de ciencia ficción.

En definitiva, Interstellar nos acerca a lo bello y a lo sublime, a lo que nos fascina y a lo que nos atemoriza, pero ante todo nos deja perdidos en la inconmensurabilidad del espacio-tiempo. Lo único achacable al filme es que cuando terminamos de verlo tenemos que esperar un rato hasta darnos cuenta de que estamos en nuestra casa viendo una película.

Para empezar he de decir que a la nota que he puesto, aunque puede aproximarse (dentro de una escala del 1 al 10) a mi opinión general sobre la película, le doy el valor exclusivo de un mero registro (como todas las que puntúo). Es importante decir que yo llegué a la sala del cine con altas expectativas, teniendo en cuenta que el canadiense es un director que me fascina, sobre todo por su obra titulada “La Llegada” (otra que se suele englobar en el rótulo “ciencia ficción” no teniendo en cuenta su poderoso apego a la realidad más desesperante). Sin embargo, todo se empezó a embarullar al inicio del filme: un sin fin de nombres de personajes, de lugares, de clanes, de poderes mágicos y demás cosas de este calibre comenzaron a nublar mi percepción de la historia. Esto me distancia bastante. Pero, al fin y al cabo, es un comienzo y el que cuenta la historia tiene que presentar todos los artilugios con los que nos va a acribillar a lo largo de lo que parece que va a ser una soporífera saga.

Una fotografía interesante, unos efectos sonoros y visuales deslumbrantes. En definitiva, en el aspecto técnico se lleva el primer premio. Pero yo busco algo más. O por lo menos espero encontrar en una película del canadiense algo que vaya más allá de la simple cháchara friki de una superproducción alienígena. Muy a pesar de mis expectativas “Dune” no deja de ser la típica historia de ciencia ficción que puedes encontrarte si eliges al azar en la sección de “películas de ciencia ficción” de tu videoclub de confianza. Entiendo que es una historia que puede ser atractiva para un determinado grupo de personas (que quizás cuando salga la octava película de la saga lleguen a la sala de cine vestidos de su personaje favorito) pero a mi no me interesa en absoluto. Es más, bostecé alrededor de seis veces durante la película. He notado que me he quedado con ganas de bastante más (no me conformo con la cara guapa de Zendaya). Además creo que la película está plagada de fantasmadas y de situaciones poco creíbles (sin pasar por alto alguna que otra pequeña trampa que no tengo ganas de comentar).

Los actores tampoco se han lucido. La película tampoco daba para ello. Se nota que el canadiense puso todo el empeño del mundo en construir una historia “épica” y se olvidó de todo lo demás, o lo que es más triste: probablemente ni siquiera le ha importado.

Lo único que tengo claro es que no voy a volver a ver la película ni ninguna otra que la suceda. Parece que Villeneuve ha escogido el camino equivocado.

Extraordinaria. La conversación final resulta ser extremadamente sutil, llevada con elegancia a la perfección y a la vez se nos muestra como un acontecimiento salvaje, desesperante, como un navajazo al mediodía.
No en vano el protagonista hablaría al final de la película sobre la angustia. Qué va a ser este extraño concepto sino la sombra (haciendo aquí un pequeño homenaje al inigualable Eugenio Trías) de la libertad. Esa oscuridad de lo que cotidianamente nos parece agradable, y en este caso hablamos de la prototípica vida burguesa del protagonista, se nos presente como su reverso en la figura de Chloé. En ese momento comienza la incertidumbre, Bernard Verley duda. El amor después del mediodía es un cuento sobre la libertad en general y sobre la angustia en particular. Sin duda, le resultaría a Sartre de su agrado.
Espero ansiosamente ese monólogo interior del protagonista, esa genialidad literaria. Rohmer no ha escrito nunca nada igual. Tampoco ha habido otro guionista que haya sido capaz de hablar con esa naturalidad, elegancia y profundidad del matrimonio y de las relaciones humanas y de la vida en general.
Es un auténtico regalo. Es de estas películas a las que aplaudes incluso estando sólo en tu casa y con las cuáles revitalizas tu pasión por seguir casado con el cine.

Desde el principio hasta el fin el montaje musical es magistral. Logra resaltar la belleza de la película, que podemos encontrar en las increíbles interpretaciones de Tom Hulce y F. Murray Abraham (resalto la de este último) y en la inmensidad y la profundidad del guión adaptado de la obra teatral de Peter Shaffer. Uno de los mayores logros de la película es la representación fiel de la unión de lo cómico y lo trágico, presente en la vida y, cómo no, en la obra de Mozart.

Una película es buena cuando te olvidas de que es una. La fuerza de la música, de la representación..., todo esto hace que el contenido de la película se universalice y se adelante a su forma de presentarse. La sensación de estar dentro de ella es la que te produce dicha inversión. Otro efecto que crea Amadeus es el de seguir escuchando la música tras acabar de verla. Esto es un punto a favor de la película. La importancia que le da a la música es fundamental a la hora de tratarse del biopic de uno de los grandes compositores de la historia. Da la impresión de que es ésta la que narra la historia, la fuerza que sostiene y da el ritmo trepidante a la película.

Una de las cosas que también quería resaltar es la actuación de Murray Abraham. La complejidad del personaje está trabajada brillantemente por este genio de la interpretación. Desde los momentos de rabia y envidia a los de admiración por la música de Mozart. A lo largo de la película se ha demostrado en qué Dios cree Salieri (Murray Abraham), qué figura humana representa para él esa palabra. Sin duda estamos hablando de Mozart. Envidia la capacidad de su persona para hacerle creer que Dios existe, siente rabia hacia la exaltación en su persona de esa sensación divina, que produce su música y la excentricidad de su personaje. Hablando de esto último, se puede decir que la personalidad de Mozart choca contra el ambiente de la corte del rey, claramente influido por el clero. Sus óperas, como por ejemplo Las bodas de Figaro, son contrarias a la moralidad que existía en esos grandes palacios. Todo esto consiguió que se le declarase como inmoral para la época.

Amadeus tiene la personalidad de una ópera de Mozart y la grandeza de su música. Los actores se dejan la vida en la representación y el vestuario es digno de algo más que de la época. Milos Forman consigue hipnotizarnos con la historia de una vida plagada de notas.

Últimamente me he interesado por los cineastas precursores e influyentes en la Nueva Ola francesa. Véanse Howard Hawks, Nicholas Ray o en este caso (un cineasta más directamente relacionado con el movimiento) Jean-Pierre Melville. Recuerdo la famosa frase de Jean-Luc Godard en relación con el segundo de estos cineastas: "Nicholas Ray es el cine". Sin pensármelo mucho, todo este aluvión de buenas críticas (procedentes de grandes directores de cine para más inri) no hicieron más que chocar contra mi visión sobre las supuestas grandes películas de estos tres directores. Voy a intentar hablar en concreto de la película que me atañe pero subrayando el gran parecido que encuentro entre los fallos de esta película y el cine de estos tres cineastas.

El aspecto fundamental del que estas películas cojean es el guión. El silencio de un hombre contiene fallos morrocotudos que cualquier persona puede observar. Quieras o no estos errores te acaban por dejar mal sabor de boca a lo largo de la película (algunos de los fallos están especificados en la zona spoiler). Partimos de una idea buena que acaba por ser mal contada, de una forma poco creíble. ¿Será problema de la época? ¿Se pasaba por alto ese tipo de fallos con el fin de que la idea pudiera ser realizada? Entiendo la admiración por esta visión realista del cine que posteriormente sería fundamental en la Nouvelle Vague, pero no se puede ignorar este tipo de errores. Acaban con toda introducción del espectador en el filme.

De las tres películas que me han decepcionado de estos directores (tienen algunas buenas como Río Bravo de Howard Hawks) esta es de las tres la que más me ha gustado. A parte de la gran actuación de Alain Delon, que supo caracterizar a la perfección la frialdad y altivez del asesino, cabe destacar el ritmo de algunas escenas, que en determinados momentos me han dejado pegado a la pantalla.

Melville, te tenías que haber dado cuenta.