Atilio Flores
Diario El Mundo El Salvador
Calificación: 3.5 / 5

Definitivamente esto no parece Marvel. Hay que partir de está premisa. Lo que vimos en esas dos horas fue algo extraño, pero a la vez cierta fuerza sinérgica te mantienen en la butaca. Decir que si cumple o no cumple con las expectativas es mentir o sesgar algo que definitivamente necesita la opinión personal de cada quien. Sin embargo, definitivamente espere un poco más.

Marvel se aleja rotundamente de su fórmula convencional para crear héroes, igualmente se aleja de la historia original de los cómics sobre los personajes con los que juega en la cinta. Si bien desarrolla un arco argumental que involucra a todo un universo que ha entretejido en estos últimos 10 años con la veintena de películas que ha fabricado, ésta se siente forzada dentro de su línea cronológica y más aún en cómo encaja en su universo.

El film nos arroja a un descubrimiento que implica un viaje en el que Carol Danvers debe de reencontrarse como la heroína que es y la humanidad que la hace en esencia. Este devenir le hace dudar de sus capacidades y memorias, lo que impulsa a crear una empatía inmediata al recordarnos lo vulnerables que somos en la vida y como somos segados por nuestros sentimientos.

Capitana Marvel esconde un parámetro que desentona dentro del subgénero de las películas de superhéroes, tal como lo fue en su momento Guardianes de la Galaxia, Dr. Strange y la oscarizada Black Panther. Este filme ahonda más en una tragedia, al espionaje y la lentitud narrativa que vimos en películas noventeras, apostándole incluso más al misterio y alejándose de la acción a la que nos tienen acostumbrados este tipo de cintas.

Lamentablemente, no hay desarrollo en la personalidad de la protagonista, nos embarcamos en un mundo donde pasamos a un punto de “A” a “A” y no de un punto “A” a “B”. Carol posee todas las capacidades que la hacen poderosa de principio a fin, más no vemos ese crecimiento que necesitamos para hacer una empatía con su personaje; no es el hecho de que sea mujer y que tenga que mostrar sus sentimientos, sino que no refleja un crecimiento en la construcción de su personaje.

Si bien muestra pequeños flashbacks de un pasado, no logramos conectar al identificarnos con la trascendencia de los hechos que exponen o porque son importantes para ella, más que la ruptura de los canones femeninos de los 80's y la perseverancia y constancia que ha tenido. Similarmente, esa búsqueda constante que tiene por recobrar las memorias solo lo demuestran más en un hecho de ella por saber respuestas, mas no por vivir esas cosas que la marcaron a ella y la relación con su entorno, haciendo que el filme pierda fuerza drámatica.

Por otra parte, se agradece el hecho de que en este film hayan extirpado el cliché del interés amoroso que por lo general siempre nos tratan de imponer en los filmes de los héroes para hacerlos vulnerables, o como siempre dicen “el amor vende”, algo en lo que cayó incluso Wonder Woman. Del mismo modo, no abusa de chistes mal empleados que arruinan momentos dramáticos o épicos; es de agradecer también en ello la presencia de Samuel L. Jackson, al dar un personaje más jovial que aquel que teníamos ya encasillado. Siendo uno de los mejores personajes que congenia perfectamente con el de Larson.

Pese a ello, estos elementos no la hacen una mala película, sin embargo, se siente floja y más aunado a su tercer acto, en el que nos dan un clímax que parece forzado y muy arrebatado cuando nos debería de dar una lógica de secuencia para unirla a todo el universo que se han propuesto a tejer, ya que cuentan con un gran elenco encabezado por Brie Larson, Samuel L. Jackson y Jude Law, pero que necesitan apostarle más a un guión que abone a quedar petrificados como lo hicieron con Infinity War, o al menos deseosos de verla de nuevo en una película en solitario que continue con sus aventuras.

Asimismo, los efectos especiales por momentos rayan en la falsedad, incluso parece un maquillaje primitivo del cine, es mejor incluso el maquillaje de la película española de “Piel Fría'. Similarmente, su diseño de producción no abona a nada nuevo, pues ya lo han explotado antes y mucho mejor en Guardianes de la Galaxia, así como también en Black Panther.

En conclusión, Capitana Marvel aterriza tambaleante, como una heroína que como todos, se le debe dar el beneficio de la duda, y ver el tratamiento que le darán en su siguiente película junto a los Vengadores en “End Game”, más de ser una cara bonita que enamora con su simpática sonrisa, sus comentarios sarcásticos y su cabello dorado.

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Por: Atilio Flores
Calificación: 4/5

¿Alguna vez te has sentido único en el universo y que sólo tú eres el centro de su realidad? Pues si es así, ¿qué hay si te dijera que existen más como tú en dimensiones alternas que coexisten en diferentes espacios y tiempos?

“Spider-Man: Un nuevo universo”, es la nueva apuesta cinematográfica que trae Sony Pictures junto a Marvel Entertainment de narrar cómo la vida de Miles Morales, un chico de 16 años y de origen medio puertorriqueño y medio afroamericano, se transforma al ser picado por una araña radioactiva similar a la que originó al Hombre Araña, otorgándole súper poderes arácnidos.

Bajo esta premisa y con un tono cómico e hilarante vemos cómo nace el “nuevo hombre araña” con un manto de tendencia hispano-americano, que se verá en la necesidad de aprender a cómo utilizar sus habilidades para derrotar a su enemigo “Kingpin”, para que éste no logre abrir un agujero de tiempo y espacio que destruya la realidad que se conoce hoy en día.

Ante este panorama, las realidades convergen de manera catastrófica al traer a la dimensión actual a múltiples hombres arañas que existen a lo largo del tiempo, tal como Spiderman Noir, una versión alternativa oscura y monocromática de Peter Parker de un universo de los años 30; Spiderwoman, en la que Gwen Stacy tiene poderes arácnidos; Spider Ham, una versión caricaturesca en la que un cerdo tiene poderes de araña; y Kimi Parker, una joven japonesa de un universo similar al anime que copilota un traje biomecánico con una araña radioactiva con la que comparte un enlace telepático.

A estos cuatro personajes se le suman dos Spiderman contemporáneos, uno que nos muestra el vigor de luchar contra el mal y las vicisitudes que debe de afrontar para poder llenar las mallas del traje; mientras que la otra nos enfoca un hombre araña desgastado y destruido por la vida, que si bien su intención es buena aún, se cuestiona si su vida fuera diferente si no llevase la carga de “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”.

Estas historias colapsan en una poco amigable película para niños, ya que las personalidades, habilidades e historias de cada personaje, pese a que se parecen en ciertos rasgos, no logran conectar de forma inmediata. Si bien es explicado someramente sus orígenes en el filme, demanda a buscar cual es la motivación de la existencia de cada uno de ellos, para su tiempo y espacio, a favor de legitimarlos en su realidad.

Sin embargo, la constante que levantan estos múltiples personajes, es la determinación que cada uno asume para vivir la realidad que le fue asignada y cómo el personaje de Miles Morales nos representa a cada uno de nosotros en el descubrimiento de esas habilidades y retos que se nos presentan en la vida, ante la sórdida penumbra de las inseguridades que nos golpean.

El filme deja una introspección bastante profunda que permite levantar el imaginario de los “yo” en el tiempo. Aquellos “yo” que coexisten y construyen nuestra personalidad y que permiten redimir las dudas existenciales que nos forjamos en nuestro crecimiento personal. Así como aquellas dudas que quisiéramos aclarar para poder determinar un camino “acertado” en busca de lo que deseamos de nosotros a través del tiempo, sirviendo como una “autopalmadita” de que todo estará bien.

Por otra parte, en sus aspectos técnicos, la animación utilizada en esta película recuerda bastante a la de 2001 en “la nueva serie animada de Spiderman” que tenía la cadena de Music Television (MTV). No obstante, su trazo nos hace transportarnos a las páginas de los cómics, a la de las caricaturas de los 60´s, y al anime, dentro de las realidades que presenta mostrando una forma peculiar de retratar lo interesante del universo de donde precede.

A ello se le suma su banda sonora que apunta más una recreación de las etnias afrodescendientes americanas que propiamente a las de origen latino, con ritmos del hip hop y el rap, un estilo más urbano de Estados Unidos, aunque no le llega a los pies a la utilizada en Black Panther; en su aceptación de superhéroes que reivindiquen a la raza de color.

“Spiderman into the Spiderverse” sirve como un buen anzuelo a ver más allá del clásico Spiderman que nos han introducido en los últimos 20 años con la misma historia repetitiva, arriesgándose a presentarnos diversos orígenes que atrapan y que muchos ignorábamos. Su historia, pretenciosa en esencia, la vuelve en una de las mejores que se han hecho del Hombre Araña, desde la segunda parte que nos dio Sam Raimi, en 2004, teniendo a Tobey Maguire como protagonista.

La complejidad manejada a nivel estructural es bastante admirable y logra su cometido, en escenas que permiten reflexionar e incluso burlarse de sí misma, pero con un propósito más realista, tal como intentó la película de “Teen Titans” de Warner Bros y DC Comics en julio de 2018. No obstante, los jóvenes titanes no logran hacer ese clic que permite llevarla al siguiente nivel, más allá de las situaciones cómicas que la atestan, a diferencia de como esta película de Spiderman lo ha conseguido y que le ha valido ser la mejor película animada del año en los premios Golden Globe, es de esperar que dice el Oscar.

La Crítica y la Reseña
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Calificación: 3/5

Seguramente al leer este titular el lector podrá tener por claro el ahorrarse la película. Sin embargo, se equivoca, y es que la película es en sí todo, menos Jumanji, y no con ello deja de ser una comedia que sirve para esbozar risas y carcajadas durante sus 120 minutos…

Lejos de ser como la película icónica de los 90's, donde vimos a Alan Parrish interpretado por Robin Williams y a Bonnie Hunt como Sarah Whitte, dos personajes que deben de concluir con la partida del salvaje y poco convencional del juego de mesa: Jumanji, quienes entrelazan una historia de eventos inexplicables que el juego provoca y que deben de ir superando para salvar sus vidas antes de que el juego acabe con las de ellos.

La aventura de “Jumanji en la Selva” parte exactamente como concluye la entrega de 1995, encontrando el juego en la playa. No obstante, el juego se ve frente al reto de que los adolescentes en esta época son más prestos a los juegos de vídeo que propiamente a los de mesa, por lo que se ve en la necesidad de “evolucionar” a una consola de videojuegos. Partiendo de este hecho, existe un quiebre total con la concepción que teníamos de Jumanji, principalmente de aquellos que crecimos con los tambores espeluznantes de la versión del director Joe Johnston al adaptar el cuento de Chris Van Allburg.

Desde los avances en los cines pudimos advertir que esta versión sería totalmente diferente. Sus personajes, sus actores, su trama, y algo que rayaba: su comedia; sumado a ello, la decepción de que sinceramente habían despedazado la riqueza y la frescura que representó Jumanji para los 90's, y es precisamente que, para aceptar esta nueva versión, es necesario quitarse el prejuicio de la primera.

Tener a Dwayne “La Roca” Johnson y a Jack Black como los protagonistas de esta historia era asegurar la taquilla, ya que este par de comediantes tienen ese efecto de realizar los disparates más locos en comedias aceptables y familiares —o por lo menos que no decepcionen— categorizando como tal la expresión del género de comedia hollywoodense.

A ellos se suman Karen Gillan y Kevin Hart para completar el equipo más dispar, quienes irónicamente, caracterizan las personalidades de los verdaderos jugadores: un grupo de estudiantes inadaptados que encarnan el estereotipo de las clases sociales de las escuelas estadounidenses, la chica popular, la chica y el chico nerd y el matón atlético —malo para la materia gris— quienes caracterizan en apenas 10 minutos todos los problemas que friccionarán en el mundo de Jumanji, siendo ésta la fórmula que hace que funcione la película a la perfección.

La historia que nos presenta el director, Jake Kasdan, si bien es el desarrollo de un vídeo juego en el que deben de ir superando obstáculos, unos más complejos que otros, no coincide con las dificultades y retos que marcaban los acertijos que presentaba la primera adaptación, siendo en muchos casos el derroche de acción y de efectos especiales la excusa para hacer que la película avance hasta su final.

El mundo que nos presentan junto a su villano es de lo más patético, y lo triste es saber que tratan de forzarlo como una continuación de lo que planteó el primer film; por lo que permite inferir que, simplemente se utilizó el nombre de “Jumanji” para atraer la nostalgia y el fanservice de una posible saga que arruinaron.

Por su parte, Nick Jonas en este filme, aparte de ser un gancho para las chicas, trata de semejar en cierta forma a la del personaje de Robin Williams, quien se queda varado en Jumanji por muchos años hasta que los siguientes jugadores lo liberan. Aunque la experiencia que demostró Alan Parrish en el primera película reflejó lo épico que era realmente vivir en la jungla del temido juego.

Sin embargo, dejando a un lado las comparaciones, lo que resalta más en su trama es el valor de la amistad y el trabajo en equipo que, pese a sus diferencias, deben de aprender a usar en el momento oportuno las habilidades que cada quien tiene, siendo la única manera en que podrán salvarse del juego, algo muy similar a como deben de enfrentar la vida real.

Jack Black encarnando al profesor Shelly Oberon es uno de los personajes que se roba completamente la película en cada toma, al presentarnos una contradicción de géneros, ya que como “avatar” en Jumanji es un hombre; no obstante, el personaje en la vida real es Bethany White, la típica chica popular adicta a su teléfono celular, personaje que es interpretada por Madison Iseman.

Sin embargo, cabe denunciar la sexualización que sufre Karen Gillan en el filme, hecho que ella misma reconoce al criticar su “atuendo” dentro del juego, marcando lo típico de mostrar las piernas y el abdomen al vestir ropa demasiado pequeña y ajustada.

Si bien no llega a su predecesora, “Jumanji en la Selva” llega para regalar las más estruendosas carcajadas y alimentar la taquilla de Sony, acabando con ello, una saga que pudo representar lo épico del juego, tal como intentó en 2005 John Favreau con “Zathura”, una idea muy similar a la de Jumanji, solamente que en el espacio, salvo que no la bautizó como Jumanji, salvando así a la franquicia en su momento.

Por: Atilio Flores
Calificación: 4/5

Difícilmente, en lo que va del año, se han estrenado buenos filmes que merecen un aplauso en el género de thriller, que engloba a películas policíacas, de espionaje o de terror dentro del suspenso, a tal punto de volverla una radiografía social, tal como el drama de Moonlight lo estableció en 2017.

“Widows” o “Viudas” del director Steve McQueen, quien en 2012 dirigió la premiada y oscarizada “Doce años de esclavitud”, en está ocasión regresa con la historia de cuatro mujeres que acaban de enviudar como consecuencia de un “fallo accidental” en los planes de sus criminales esposos, lo que las obliga a unirse para terminar lo que ellos iniciaron, enmarcado dentro del contexto que engloba las elecciones a alcalde de un distrito de Chicago.

La actuación de Viola Davis como Veronica Rawling, sucesora de su esposo Harry (Liam Neeson), demuestra la ambivalencia del temor y la templanza, junto a la determinación de finalizar lo que que ha emprendido. En este cometido se suman al reparto, Michelle Rodríguez como Linda, Cinthya Erivo como Belle y Elizabeth Debicki como Alice. Estas actrices dotan al filme con las historias alternas que llevan a la introspección de la roída y cruda sociedad que se vive.

McQueen introduce el rompimiento del paradigma femenino de la delicadeza, siendo el robo sólo la excusa para presentar las historias que están detrás de estas cuatro mujeres y cómo se entrelazan llevando a una compleja telaraña de situaciones que están más íntimamente relacionadas de lo que ellas creen, pese a que nunca antes supieron de su existencia.

Linda nos muestra el contraste de la migración y de la estigmatización racial del latino que se busca superar en la diáspora. Belle nos da el enfoque de los sacrificios que se hacen por mantener a los hijos conllevando no sólo un trabajo, sino hasta dos, mezclados con la “supervivencia” de los barrios bajos; mientras Alice refleja la injerencia del machismo y el abuso hacia la mujer, no sólo en su relación inicial con su esposo, sino en el trasfondo de la explotación sexual que ha recibido en su niñez y en su vida como adulta para “ganarse” la vida.

Asimismo Debicki, como Alice, quiebra el estereotipo de “belleza” de las rubias “tontas”. Su astucia le permite desenvolverse incluso mejor que las otras coprotagonistas del filme, las cuales entretejen, gracias a una solemne narrativa, las historias que marcan la esencia de las mujeres como las víctimas del sistema, pero que más allá de victimizarlas, se les da la oportunidad de redimirse, no sólo a nivel de género, sino ante la sociedad misma.

Similarmente, el contexto en el que se desenvuelve la historia en torno a los candidatos ediles del distrito, sirve para que la cinta logre develar la corrupción y los detrimentos de la política contemporánea, la cual está atestada de la compra y venta de voluntades, y de lo poco que importa la situación de los ciudadanos.

Esta paradoja tapizada de buenas intenciones es representada por Collin Farrell encarnando a Tom Mulligan, uno de los aspirantes a la silla edilicia, quien asume que, por de facto, debe de ser el sucesor de su familia que ha gobernado dicho condado por más de 30 años; mientras que su contraparte Jamal Manning interpretado por Brian Tyree Henry, es el nuevo contrincante que lucha a favor del pueblo olvidado por los Mulligan.

Sin embargo, este contraste de Manning, utópico en esencia, revela la verdadera malicia tras la forma de llegar al poder y obtener el status, desenmarañando lo alucinante de los trasfondos que se mueven dentro de la política: las promesas falsas, las dolencias del pueblo, la manipulación ideológica y religiosa.

McQueen como guionista de su propia película junto a la escritora Guillian Fynn, impone un estilo fuera de lo común en la narración de las historias mediante diálogos sobrios, sinceros a punta y espada, los cuales invitan a una verdadera reflexión del sentido común sobre quienes son los aspirantes a gobernar, acompañado de una frugal banda sonora de Hans Zimmer.

Es plausible, a su vez la forma en que los colores se matizan desde la primera toma del filme, la cual nos plantea el matrimonio interracial, entre Veronica y Harry Rawlins, vistas desde un ángulo cenital y que pierden en la blancura de sus sabanas. Como este ejemplo hay otros elementos que maneja el filme como el contraste de los urbes de clase alta con los marginales mediante la visualización del movimiento de los autos y los diálogos, hasta la cámara subjetiva que circunvala a los raperos en una cruda escena encabezada por Daniel Kaluuya como Jatemme, el matón tras la campaña de Jamal Manning.

Viudas, logra de forma realista lo que “Ocean 8” intentó hacer a mediados de este año, y que no lo consiguió pese a que contó con un elenco de grandes actrices. En cambio este filme de Steve McQueen podría figurar como una de las películas mejor manejadas en este año, que merecen estar en la lista de nominaciones para la temporada de premios del próximo año.

atilioflores.blogspot.com

Por: Atilio Flores
La Crítica y la Reseña
Calificación 5/5

Muchas veces disfrutar del cine extranjero más allá del estadounidense parece ser un lujo que raras veces permite el circuito de Hollywood. Sin embargo, en esos intentos hemos visto como el año pasado la película mexicana de Alfonso Cuarón, "Roma", logró acaparar la atención de muchos amantes del cine. Ahora es el turno de Corea del Sur con “Parásitos” del director Bong Joon-ho.

La premisa es sencilla, la cual nos muestra la diferencia de clases en tiempos modernos, al exponer a una familia desempleada que se encuentra viviendo en la extrema pobreza y que prioriza lo material como tener teléfonos de última generación con redes sociales y aplicaciones que le simplifiquen la vida, antes que un plato digno de comida.

Estas injusticias son transformadas radicalmente a medida los protagonistas de esta familia —encabezados por el hijo menor— quien logra conseguir trabajo como tutor de inglés en una familia acomodada de Corea del Sur, hecho que da pie a iniciar un complot familiar que termina posicionando a los cuatro miembros de la familia al servicio de la casa de los Park, sin que estos sepan su nexo familiar.

La médula de esta combinación de elementos y hechos es ver el grado de hasta qué punto la mentira puede llegar a volverse una verdad, aunque ésta no encaje socialmente en algo o que no atañe a la verdadera naturaleza de los individuos, enfatizada mediante golpes de realidad que nos marcan para poder superarnos o hundirnos en la miseria.

“Parásitos” es una oda a la astucia y al cinismo que las personas pueden desarrollar para poder vivir. ¡Bong Joon-ho juega con una semiótica increíble! Con un humor negro bofetea a la sociedad de estratos económicos altos criticando la candidez, la arrogancia, el poder y, asimismo, adoctrinar un discurso de moral que justifique las acciones desmedidas del capitalistalismo, sin victimizar a la pobreza y a la simbiosis eterna del parasitismo social.

Bong Joon-ho materializa un estupendo guión con emociones hilarantes, concretas, eróticas y sádicas, casi de forma poética en cómo se puede sacar el mejor partido a una mala jugada dentro de los reveces de la vida. Joon-ho logra pasar de una comedia a un drama trágico de forma espontánea, tan natural que convierte esta sátira en una vorágine impredecible, algo al estilo shakesperiano pero con toques de Chaplin y de Hitchcock.

Aquí es importante establecer que los actores juegan un papel fundamental, ya que, más allá de que nos hacen afrontar la barrera idiomática, nos muestran actuaciones muy bien logradas que hacen compenetrarnos en cada personaje, dándole una identificación propia y de cariño, que va permitiendo darle la razón a cada uno, aunque sus hechos sean inusuales y extraños.

Asimismo, algo que juega un factor muy bien utilizado en la cinta es su fotografía que permite adentrarnos a una sensación especial a través de juegos de cámara en que nos vuelven participes de las emociones que, junto a su banda sonora, nos transforma verdaderamente en un personaje más, que debe de descubrir quién es más impostor que quién mediante diálogos cargados de metáforas y simbolismos que critican radicalmente al sistema y que divide a las clases sociales.

Para aquel que no está familiarizado con películas provenientes de los países asiáticos, “Parásitos”, es un gran acercamiento que permite valorar y abrir los ojos a nuevas experiencias que encierra la magia del cine, más allá del claustro que nos genera el sistema parasitario de rebots, secuelas y películas de héroes de Hollywood.

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