Melancolía es la palabra que describe el sentimiento más impreciso que un ser humano puede experimentar, pero a la vez de los más profundos. Melancolía es llorar sin saber bien por qué. Es sentir añoranza por algo que no precisamos si hemos vivido o soñado. El recuerdo de algo que no alcanzamos a rememorar con exactitud, pero que nos deja la extraña sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Melancolía es la nostalgia por lo que no fue, pero pudo ser, la nostalgia por el saber qué hubiese sido de nuestras vidas si hubiésemos hecho una cosa en vez de la otra.
Olvídate de mi es la metáfora visual del sentimiento llamado Melancolía. Una cinta tan imprecisa –en el sentido positivo del término- y profunda como el propio significado de la palabra. Es una historia imposible pero realista. Es un cuento infantil muy maduro con una moraleja final que Kaufman deja que cada espectador interprete. Simplemente genial.
Si había un guión que engrandeciese las cualidades -indudables- como director de Michel Grondy, ese era el que había preparado Charlie Kaufman. Por desgracia para él, el guión es tan sublime, que la realización no puede más que quedar en un segundo plano.
Con un reparto sobresaliente, con Jim Carrey en el mejor papel de su carrera, Olvídate de mi (ridícula traducción de The eternal sunshine of the spotless mind), se alzó con el Oscar al mejor guión original en 2005.
Un consejo: cierren los ojos y disfruten de la película.

Retrato surrealista del controvertido Jarmusch que se erige, probablemente, como la mejor obra de su primera etapa. Retrato de nada en realidad, puesto que los personajes que en Down by Law se dibujan son tan surrealistas como la propia historia que protagonizan. Eso si, la tripleta protagonizada por Waits, Benigni y Luire -con la participación final de Nicoletta Braschi- es tan genial como perturbadora; ya que consigue representar en tan poco espacio de tiempo todos los estados de ánimo inherentes al ser humano, impregnando, en cierta medida, al espectador de esas sensaciones.
Jarmusch persigue un sueño muy ambicioso y anhela que ninguna de sus obras sea considerada como una obra maetra, puesto que si en alguna ocasión así ocurriese, habrá perdido su batalla: ser un genio incomprendido

Pete Travis se consagra en el mundo del cine con esta gran obra que representa el siguiente paso dentro de la nueva etapa del hiperrealismo británico -si me permiten introducir a Irlanda en este saco- iniciada un par de años atrás por Paul Greengrass con Bloody Sunday. Presentada para TV, Omagh abusa con motivos de la cámara al hombro para presentar uno de los atentados más cruentos del IRA, atentado en el que murieron 29 personas (dos de los cuales eran españoles).
Con un guión del propio Greengrass, Omagh es un alegato en favor de unas víctimas olvidadas por el Gobierno. Se erige como una voz que emana de entre las sombras y el ostracismo ante una de las páginas más negras de la historia de Irlanda del Norte y de cómo las autoridades prefirieron olvidar y así poder firmar la paz antes que hacer pagar a los culpables el precio de tan atroz atentado.
Con una actuación muy sentida de Gerard McSorley (natural del propio Omagh), la cinta se nutre de un elenco semidesconocido de actores que encarnan de una forma muy visceral todo el dolor y pesar de las familias de las víctimas del atentado.
Guión y ritmo, planos angustiosos y secuencias escalofriantes; Omagh podría caer en el melodrama de tintes trágicos, pero por el contrario, se trata de una una fotografía movida pero clara del atentado del IRA Auténtico y de cómo las familias de las vícitmas se ven inmersas en un proceso agónico para evitar olvidar lo único que les queda: el recuerdo.

¡Pues no! Jackson vivía en Nueva Zelanda, haciendo pelis de serie z -como Braindead- y atiborrándose a Risketos (o sucedáneo comercializado en el país austral) para perfilar su estilizada figura.

Primero; atención a la traducción al castellano: Tu madre se ha comido a mi perro, ¡Genial! Si Jackson se entera a tiempo, paraliza el estreno y le pone el mismo nombre a la versión original. Como si lo viera: My dog has been eaten by your mother; magistral... Lo único que ensombrece tan creativo nombre es que jode uno de los mejores puntos de la pelí (sí, puede que esto sea un spoiler, pero en el fondo el propio nombre de la película lo es). Por lo menos es mejor que la versión sudamericana: Muertos de miedo.

Después; si, Jackson logra desconcertar al mas pintado. La primera reacción del no prevenido: What the f***ng shit is this? Acto seguido, la cinta va tomando un ritmo deliciosamente surrealista. Por desgracia, la trama va enrevesándose cada vez más y, quizá, de una forma absolutamente innecesaria. A pesar de ello, Jackson hace de Brainhead, sin el más mínimo alarde técnico, no se confundan, una cinta correcta.

En el reparto cuenta con actores completamente desconocidos -por lo menos fuera de Nueva Zelanda- y con la actriz española Diana Peñalver.

Casi diez años después de su segunda gran obra maestra -Ed Wood, la primera fue Eduardo manos tijeras-, Burton se redime de sus últimos tropiezos como realizador y muy especialmente del horroroso remake de El Planeta de los Simios. Y se redime no con un filme notable, quizá Sleepy Hollow pueda ocupar ese lugar, sino con su tercera, y hasta ahora última, obra maestra.
Big Fish presenta, a priori, un reparto espectacular con Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Cudrup, Jessica Lange, Steve Buscemi -¡que gran actor!-, Marion Cotillard, Danny DeVito o la mismísima señora de Burton, entre otros. Pero lo que podía convertirse en un arma muy peligrosa, ya que serviría como argmunento de "mucho actor y poca chicha", ejerce, paradójiamente, de efecto contrario. El reparto queda un poco en un segundo plano ante una historia tan apasionantemente conmovedora, un lenguaje narrativo tan sublime y una fotografía con tintes nostálgicos, que logra la difícil tarea de trasladarnos a otra época y otro lugar sin incidir en el "repipismo" horteril. Sí, es cierto que Finney está soberbio -quizá McGregor no está tan a la altura- y que Buscemi es, simplemente Buscemi. Pero son sólo platos secundarios ante una de las mejores historias que se han contado en el cine contemporáneo.
Big Fish logra trasladarnos a un mundo de fantasía típicamente burtoniano, pero a su vez, se convierte en el más sobrio y realista de todos los cuentos del director californiano. Quizá se trate, quién sabe, de la obra más madura y a la vez más personal -en lo cinematográfico- de Burton.