Curiosa cinta que trata un tema muy de los setenta pero que parecería demodé en su año de realización, 1988.

Lumet vuelve a mostrar su valía como artesano y su capacidad para narrar competentemente y con cierta emoción casi cualquier guión que llega a sus manos.

Y en este caso el guión es bastante interesante (nominado al Oscar),a pesar de algunos diálogos molestamente informativos y por tanto poco naturales.

El reparto es poco comercial pero adecuado ya que los padres son intepretados por dos buenos actores que, sin embargo, nunca llegaron a ser estrellas, quizá por no ser especialmente atractivos. A Hirsch se le recuerda como el psicólogo de Gente Corriente y a Lathi como la chica de Richard Dreyfuss en Mi vida es mía. La estrella era, por tanto, el emergente Phoenix, un gran actor (nominado al Oscar aquí) que se llevó la maldita droga.

Por último señalar el magnífico uso nostálgico de la maravillosa canción de James Taylor, Fire and rain, aunque el título original hace referencia a otra maravilla de Jackson Browne, Running on empty. Quizá no se la dejaron usar y optaron por la de Taylor.

“Cabalga con el diablo” tiene numerosas virtudes: una sólida base literaria que invita a la épica, medios de producción holgados, un competente equipo técnico y artístico...Pero fallan ritmo y tempo. Los cinéfilos nos quejamos de que a la mayoría de películas les sobran bastantes minutos. Sin embargo, aquí se ha querido hacer una película tipo cuando se requería una duración mucho mayor. Se sabe que la copia que ha llegado a Europa contiene quince minutos menos, pero nos atreveríamos ha afirmar que los productores redujeron el material filmado por Lee y que éste, a su vez, ya eliminó algunos fragmentos de la novela. Es la única manera de explicar un resultado tan deslavazado, inconexo y, en ocasiones, incomprensible que constituye un boceto, un resumen constituido por una sucesión de secuencias medianamente conseguidas pero que unidas dan lugar a un conjunto deshilvanado.
Esta historia de una decepción vital de unos personajes arrojados a un conflicto bélico por lealtad a sus amigos y situados en el bando opuesto al que, por lógica, pertenecerían y por encima de todo un fresco del momento histórico en el que el germen de la americanización actual surgió- motivo por el cual interesó tanto a un Lee, a priori tan ajeno- fracasa en el uso del “tempo” cinematográfico porque es incapaz de hacernos sentir y creer algo tan sencillo cuando se consigue: el paso del tiempo sobre la pantalla. Entre secuencia y secuencia puede haber pasado mucho tiempo pero los momentos de transición literalmente no existen, con lo que además el espectador no se impregna de la evolución de los personajes. Personajes con los que, además, uno no se implica porque no llega a conocerlos. Esto, para colmo, crea una primera sensación de que la película no acaba de arrancar, de centrarse; sensación que se trasforma en deseo de finalización cuando, tras una hora de película, se constata que ese nudo no se va alcanzar nunca. También fracasa en el ritmo narrativo. Encontramos momentos que necesitarían bastante más tiempo del que se les otorga y otros (como el de la decisión de amputarle o no el brazo a uno de los protagonistas) que requerían de menos espacio.

La confirmación de que estamos ante uno de los más importantes autores del cine norteamericano actual. Tim Robbins, tras una heterogénea carrera como actor, debutó tras la cámara con la excelente opera prima Ciudadano Bob Roberts y confirmó su talento con la concienciada, aunque algo plúmbea, Pena de muerte. Con estos dos títulos dejo clara su ideología progresista, sin duda influenciado por su compañera sentimental y excelente actriz Susan Sarandon.

Como todo gran artista que se precie, su siguiente reto tenía que ser todavía más atrevido. Sin duda alguna, poner en pie este gran fresco histórico situado en la Norteamérica de la Gran Depresión no era tarea fácil. Unir en una misma cinta (sin caer en la confusión o en la pretenciosidad más absoluta) a Nelson Rockefeller convenciendo a Diego Rivera para que le pinte un mural en el vestíbulo del Rockefeller Center bajo la atenta mirada de Frida Kahlo, a Orson Welles y John Houseman montando para el incipiente y sin futuro teatro nacional norteamericano el primer musical defensor de la lucha sindical, a fascistas italianas vendiendo obras renacentistas a magnates como Hearst y un sinfín de historias entrelazadas más, era un tour de force del que Robbins sale airoso.

Y lo hace gracias a varios motivos: un punto de unión de todas las historias que es el montaje de la obra Cradle Will Rock – no es casualidad que el film tenga el mismo título, ya que tampoco es un proyecto que la América que votó a Bush vea con buenos ojos –. La sensación de realidad que produce la convivencia de personajes reales y famosos con otros inventados y anónimos , la brillante definición de personajes que a la vez sirven como lazos que conectan cada una de las historias, la identificación que el espectador puede tener con temas universales como la prostitución vital, la lucha por la libertad, un entonado guión que salva milagrosamente lo farragoso de la historia con un casi invisible pero efectivo hilo argumental y por supuesto unas excelentes interpretaciones de un reparto de campanillas.

Pero por encima de todo la calidad de la cinta proviene de la dirección de Robbins ( al que se le puede acusar – no sin razón - de didactista, parcial y obsesionado con declarar a los cuatro vientos Hollywoodienses su condición de izquierdista) que alcanza su cima en la épica representación final de la obra montada paralelamente a la solución final de Rockefeller para el problemático mural de Rivera y –como siempre en sus películas- en el terrible último plano de ambivalente interpretación. No se la pierdan.

Extraña, peculiar y finalmente maravillosa. Si todo el cine indie fuera como esta pequeña joya inasible, poco nos importaría que hicieran 33 partes de los piratas del caribe, el capitán Chiquito Sparrow de la Calzada y los corsarios calamar.


Preludio de todo el cine cuya moraleja es no tener moraleja, al menos, clara.

Turturro, maravilloso

Estamos ante un claro ejemplo de cine de consumo de los 70, que para mi gusto es bastante mejor que el actual.

Siegel intenta imprimir algo de su gancho a una trama tópica, propia de la Guerra Fría tardía, en la que ya se constataba que el juego del contraespionaje iba a volver a todo el mundo paranoico.

La primera parte resulta más interesante y conforme avanza el film decae. La pareja Bronson-Remick desprende más química de la esperada y acaban por resultar simpáticos en un mundo tan áspero como el del espionaje.

Para pasar el rato sin demasiadas exigencias.