*La genética influye

Crimen y perdón: La historia de Cyntoia Brown es un documental rodado por Daniel H. Birman en 2004. Está construido con metraje perteneciente a su anterior documental llamado ‘Me Facing Life: Cyntoia’s Story’ (2011), que provocó un cambio en el caso. Desde ese momento dos abogados (J.Houston Gordon y Charles Bone) decidieron presentar una apelación, alegando que sufría ‘’síndrome de alcoholismo fetal’’. El caso generó más revuelo cuando, durante el movimiento #MeToo Rihanna escribió un tweet con el hashtag #FreeCyntoiaBrown. Ocasionó que la encarcelada solicitara un indulto al gobernador.

La película investiga los antecedentes familiares, demostrando que desde que nació no tuvo muchas posibilidades de cambiar su futuro. La historia de Cyntoia se ciñe a una larga cola de antecedentes familiares, su bisabuela era alcohólica, su abuela era alcohólica y fue violada, de donde nació la madre de Cyntoia. Su madre sufrió numerosas violaciones desde que tenía seis años y se quedó embarazada a los 16 años, dando en adopción a Cyntoia, que desgraciadamente repetiría el mismo patrón.

Crimen y perdón: La historia de Cyntoia Brown es un documental que habla sobre la violación a lo largo de generaciones en todo el planeta, aunque también enseña sin ningún filtro, como gracias a la última ola feminista la sociedad ha madurado. Sin embargo, este es un tema que subyace en el documental, el director no lo señala públicamente, se queda simplemente en la capa más externa del problema.

*Un personaje aislado

Crimen y perdón: La historia de Cyntoia Brown desarrolla la historia de una adolescente de 16 años que se prostituye para buscarse la vida. Daniel H. Birman se equivoca al centrarse única y exclusivamente en los juicios de Cyntoia, comprendo la voluntad objetiva del documentalista, pero el espectador no acaba de entender quién es y cuáles son sus gustos. Las pinceladas sobre su personalidad se dan con entrevistas muy cortas en las que no comprendemos sus motivaciones, en ningún momento aparece más allá de un juzgado.

La estructura que establece desde el principio es bastante monótona, se limita a plasmar de forma cronológica lo que sucedió en los juzgados. Hasta el minuto 50 vemos grabaciones del documental original, con imágenes actuales de los espacios en los que suceden los acontecimientos. Daniel H. Birman ejecuta erróneamente determinados momentos cruciales para el documental, al establecer gran distancia entre individuo y cámara. Algunas de estas situaciones se dan a la hora de comunicar algo, como cuando Cyntoia llama a su madre adoptiva y le cuenta el resultado de su condena. Otro momento mal ejecutado es cuando comunican a Cyntoia que va a poder salir de la cárcel, en este caso la implicada ni siquiera aparece en pantalla.

Crimen y perdón: La historia de Cyntoia Brown no aporta nada nuevo al universo documental, ni siquiera interés por lo que sucede. El ritmo lento de las entrevistas, la poca variedad de imágenes y la falta de testimonios de Cyntoia, provocan que el espectador asista a un proceso judicial sin pretensiones de llegar a ser algo más. La objetividad no implica una falta de acercamiento con el sujeto de análisis, al final conocemos su forma de ser por las personas de su entorno.

*Conclusión

Daniel H. Birman ha creado Crimen y perdón: La historia de Cyntoia Brown, buscando no tirar a la basura la vida de muchos adolescentes que cometen errores en su vida. La ausencia de determinados recursos estilísticos generará un desapego emocional del espectador con Cyntoia. La misma distancia que establece su director con planos alejados y al situarse únicamente en espacios judiciales.

Este true crime cerrará una etapa para documentalista y protagonista, pero no para el espectador. Es inevitable pensar en qué medida cambiaría el documental si el director hubiera tenido más paciencia. Las entrevistas realizadas a Cyntoia Brown son mucho más importantes que algunos de los juicios que aparecen en pantalla, ver a qué se dedica, y cuales son sus aspiraciones son de vital importancia. Daniel H. Birman se equivoca al plantar la cámara al otro lado de los barrotes, cuando debería estar viviendo la experiencia. Este documental no destacará por su forma, pero reabre heridas de las que se hablará, solo si alguien famoso lo vuelve a sacar a la luz, igual que hizo Rihanna en 2016.

Escrito Santiago Varela Antúnez

*Jugando con las expectativas

Tras ver la película Culpa (Blame), no puedo más que aplaudir la valentía y arrojo de una chica que con tan solo 20 años se atreviera a escribirla, dirigirla, editarla y protagonizarla. Todo un reto que inició a los 15 años cuando empezó a desarrollar el guion. Y no solo eso, es un debut sorprendentemente maduro.

Con una estructura inicial y unos personajes que son claros deudores de las high-school movies, Culpa (Blame) dinamita tus expectativas y hasta el final no sabes hacia donde quiere dirigirte. Incorpora elementos de thriller psicológico que parecen querer derivar hacia la trama criminal. Otros momentos parece buscar explotar el morbo y la sexualidad prohibida. También hay un trasfondo de carácter social donde parece querer denunciar el acoso escolar. Y sí, la película es todo lo que parece, pero no es únicamente eso. Quinn Shephard maneja todas las piezas del tablero sin perder nunca un pulso narrativo firme y coherente.

*El paralelismo entre la literatura y la película

Culpa (Blame) no es otra película sobre adolescentes estúpidos. Y eso que la mayoría de sus protagonistas lo son. El guion saca partido a los estereotipos más sobados de ese tipo de películas (las animadoras malvadas, la chica tímida, los adolescentes con hormonas revolucionadas, la atracción por el profesor nuevo…), pero evita caer en los lugares comunes de forma inteligente.

Las referencias literarias son claves. En la primera secuencia vemos en el dormitorio de la protagonista el libro Sybil de Flora Rheta Schreiber. Una historia sobre una mujer con personalidades múltiples (todos los adolescentes parecen tenerlas). Sybil es el apodo que también le ponen a ella sus compañeros de aula. En el colegio están estudiando El zoo de cristal de Tennesse Williams. La historia de una joven que utiliza la imaginación para escapar de su realidad (Sybil empieza a cojear como Laura Wingfield en la novela).

Finalmente, el profesor sustituto decide montar con sus alumnos Las Brujas de Salem de Arthur Miller. Una alegoría sobre la represión y la persecución del diferente. La protagonista de la novela se llama Abigail, igual que la chica de la película. Ese paralelismo evidente entre literatura y película, enriquece su cambiante estructura narrativa y nos ayuda a entender el estado de ánimo y la evidente transformación del personaje principal.

*El tribunal y las brujas

Como vemos, Culpa (Blame), necesita de una lectura más profunda por parte del espectador. No debe confundirnos el ambiente estudiantil y desenfadado que tiene la película, donde se nos muestra el típico comportamiento adolescente emborrachándose y afrontando sus primeras experiencias sexuales. El título es otra de las claves. Todos los personajes arrastran su propia culpa, sus propios remordimientos.

Se utiliza con ingenio el concepto de culpabilización de la víctima. Es el motor de los conflictos, tanto en agresores como víctimas (esto se entenderá mejor en el desenlace). Los constantes cambios de rumbo de la trama también buscan posicionar al espectador para obligarle a discernir sobre esa culpabilidad. Nos convertimos entonces, sin saberlo, en parte del tribunal de Las Brujas de Salem.

*Conclusión

Culpa (Blame) es la ópera prima de Quinn Shephard, que con tan solo 20 años asumió el reto de escribirla, dirigirla, editarla y protagonizarla. Toma prestado el aspecto superficial de las high school movies para dinamitar constantemente nuestras expectativas, introduciendo elementos de thriller psicológico, drama y crítica social.

Es un film que reflexiona sobre la culpabilidad de la víctima, buscando un paralelismo entre literatura y cine con la representación escolar de Las Brujas de Salem de Arthur Miller. La película transgrede el género adolescente y busca deliberadamente un público más adulto. Logrará sorprender a los que busquen escarvar más allá de su epidermis, es por eso, que se la recomiendo a gente sin prejuicios que disfruten con el cine independiente e inteligente.

Escrito por Daniel Farriol

*Los enredos de Akash

La manera de sorprender de Andhadhun es fascinante, en especial, porque saca partido a todas aquellas flaquezas que podrían jugar en su contra. El guion realiza una historia que comienza con una secuencia que parece inconexa, pero que más tarde, será un punto de inflexión para la trama principal del film. La película de Sriram Raghavan crea un universo alocado en el que se entremezclan varias historias paralelas, que por un motivo u otro, acaban juntándose. Lo mejor de todo es que no tiene la pretensión de tomarse en serio, sino que sabe hacer comedia de sí misma. Por lo que, coloca esa mezcla de histrionismo con una coherencia narrativa suficientemente bien planteada, para no enredar en exceso y provocar cierta inquietud en el espectador. Se reconoce sin problemas como una comedia disparatada que seduce.

Lo más curioso es la manera en la que mezcla el suspense, el thriller, el crimen con comedia romántica, musical y obviamente, humor irreverente. Aparecen una multitud de personajes, creando una historia coral en el que no estorba ninguna trama paralela que ocurre. Los giros de argumento sorprenden por ser tan descabellados, lo que crea las carcajadas del público. Es un ‘guilty pleasure’ en toda regla. Ha sabido llevar sus ingredientes por buen puerto, sin caer en el ridículo innecesario y rancio como otras películas como “Alibi.com” o las últimas entregas de “Scary Movie”. El factor musical es algo muy atractivo de las películas indias y en este caso, incluso las utilizan para chascarrillos que funcionan muy bien en pantalla. Además, también es una crítica paródica a la concepción del “artista” en la imagen pública.

*El suspense histriónico

El reparto de Andhadhun se mueve perfectamente en la comedia y en esta historia tan irreverente, que saben expresar lo que necesita el film para elevarla en el humor y convertirla interpretativamente en una cinta muy dinámica y burlona. Ayushmann Khurrana es el encargado de convertirse en el eje central de toda la trama, convirtiéndose en este extraño héroe desastre, por lo que crea empatía con el espectador. Lo hace de una manera muy natural, con personalidad y en sí mismo encuentra una buena dosis de comedia. Se puede ver esa comodidad y química con el resto de actores. Luego, Radhika Apte como Sofie es, tal vez, la interpretación que menos brille por el peso de su personaje, pero durante sus escenas tiene esa chulería innata. No es el trabajo actoral más destacable, pero cumple su función y no chirría en ningún momento.

Tabu se mete en la piel de Simi. Es una de las actrices más reconocidas del cine indio y no es de extrañar. Tiene un gran talento y se come cada escena en la que aparece. Un poderío y una fuerza interpretativa que eleva el film. Sabe manejar los tiempos y la identidad de la cinta a su favor, por lo que crea una sinergia con cada secuencia, que es imposible no aplaudirla. Su Simi es la villana perfecta, dado que el espectador acaba adorándola. Una arpía ingeniosa en pantalla que seduce al público con esa personalidad caricaturesca, pero efectiva. Un gran talento. Por último, destacar el trabajo de Anil Dhawan y Manav Vij como Pramod Sinha y el inspector Manohar Jawanda, respectivamente. Ambos ofrecen un resultado más que decente y aportan a la comedia en pantalla. Son generosos al contribuir para que brillen los dos actores protagonistas.

*El orden del alboroto

Uno de los puntos más fuertes en Andhadhun es el montaje tan efectivo que realiza para crear un buen conglomerado narrativo y visual. Hay un buen ritmo, se conserva durante toda su duración, aunque sí es cierto que hubiera sido más redondo si se hubiera acortado un poco más. El sonido es espectacular, han sabido mantener una buena sintonía y una composición que encaja con el film. Un resultado que empasta con la imagen y da esa rapidez que necesitan con este tipo de films de enredos. No se puede negar que el cine indio presta mucha atención en crear largometrajes en los que intervienen muchos personajes, en especial, en la comedia y los musicales. Hay que reconocer que la dirección y la organización está muy bien planteada en este film también.

La dirección fotográfica del film no brilla como si se hace en otros filmes rodados en La India, pero hay que destacar que tiene unos planos de acción muy potentes. Al igual que en las películas de acción, los encuadres sacan el potencial en aquellas secuencias de mayor tensión. La dirección artística, en cambio, sí que realiza un trabajo brillante y mete de lleno al espectador en esa mezcla de espacios y ambientes. Una buena recreación de los diferentes escenarios que viven los protagonistas. El vestuario y el atrezzo es apropiado, además, de ayudar a esas partes donde el dramatismo telenovelesco crean las carcajadas de la audiencia. Sin embargo, lo que no funciona muy bien son los efectos especiales. Se ve la artificialidad y quita la armonía entre los demás componentes. Aun así, el resultado es notable y el espectador la disfrutará si va a pasárselo bien.

*Conclusión

Andhadhun es una película socarrona, irreverente, alocada y muy efectiva. Es una comedia que ha sabido conocerse a sí misma y provoca las carcajadas del espectador en todo momento. Una película de enredos que ha sabido entremezclarse y hallar su orden en todo ese caos histriónico. Los giros de guion con ese dramatismo telenovelesco dan la vida al film y permite que el público disfrute desde el primer momento con la cinta. El reparto es perfecto, en especial, sus dos protagonistas: Ayushmann Khurrana y Tabu. Dos grandes artistas que entienden el humor a la perfección. Una película que no defrauda y sorprende por el gran manejo que hace de la comedia más descarada. Un soplo de aire fresco.

Escrito por Diego Da Costa

*LA TRAVESÍA DEL DESIERTO

En medio del invierno aprendí por fin que había en mí un verano invencible, decía Albert Camus. Y justo eso es lo que le pasó a Teresa, la protagonista de La Novia del Desierto, que cuando todo lo perdió, todo lo encontró.

Una mujer que después de toda una vida de trabajar para una familia, se encuentra sin trabajo y tiene que atravesar el país para incorporarse a otro trabajo.

En el transcurso del viaje pierde todas sus pertenencias, que caben en un pequeño bolso, y se encuentra desvalida, en medio de la nada, en la tesitura de encontrar su bolso o morir en el intento.

En ese periplo por el que transcurrirá su búsqueda, un desierto tan gris y anodino como ella, una persona casi invisible por la discreción de su personalidad y su apariencia, empezará a vislumbrar que existen más colores en la vida, en el santuario de Deolinda Correa.

La leyenda de Deolinda Correa es en realidad una triste historia de amor argentina que se convirtió en mito, una mujer que cruzó el desierto en busca de su marido con su bebé en brazos. Ella murió de sed, pero el niño sobrevivió alimentándose del pecho de su madre muerta.

Aunque Teresa es escéptica, es respetuosa con los que creen, y escuchará complacida los motivos que tiene la gente para venerar a esa leyenda, viendo como personas de todas partes vienen a rezar a una figura mítica en la zona.

Finalmente, conocerá a el Gringo, un carismático viajante que la ayudará en su misión, y poco a poco, la irá sacando de su ostracismo autoimpuesto durante 50 años.

*EL DESPERTAR

En La Novia del Desierto, una película que en un principio puede parecer insignificante e intrascendente, vemos claramente lo que en literatura se denomina “La senda del héroe”.

Esto quiere decir, que nuestra protagonista tiene un conflicto que solucionar urgentemente, y no dudará en emprender camino y hacer todo lo posible y lo imposible para conseguirlo. Para ello, debe salir de su minúscula zona de confort y adentrarse en lo que para ella es un mundo desconocido y complejo.

Además, y de una manera silenciosa, sutil, vamos viendo la evolución de una persona que toda la vida ha estado dedicada a los demás, pero que jamás se ha dedicado un minuto siquiera a ser feliz y disfrutar de su vida. Imperceptibles cambios en su modo de andar, de hablar nos van informando de su transformación.

Paso a paso, kilómetro a kilómetro de esta road movie, Teresa va descubriendo el mundo; se va percatando de que la vida se dibuja con muchos colores, no solo el gris, y va evolucionando en su mirada, en su postura, en su feminidad. Una completa evolución de sentimientos, de cambio total de paradigma en esta mujer tantos años anulada por las circunstancias.

*LOS ARTÍFICES

La Novia del Desierto está codirigida y coguionizada por Cecilia Atán ( nominado a un Premio Emmy su documental de ocho episodios Madres de la Plaza de Mayo, la historia) y Valeria Pivato ( ganadora del Segundo Premio Patagonik de Guionistas Internacionales por Antes y después… Y después otra vez) ambas cineastas argentinas que en esta ocasión, y con gran acierto, se estrenan como directoras de un largometraje.

La Novia del Desierto se sustenta en dos maravillosos intérpretes, Paulina García (ganadora del Oso de Plata a la mejor interpretación femenina en 2013, por Gloria), de nacionalidad chilena, y Claudio Rissi (En 2016 encarnó a Mario Borges, un jefe del hampa, en la serie El marginal, ganadora de once Tatos ,premios argentinos de televisión, y ganador del Cóndor de Plata por esta película), argentino.

Paulina interpreta a la protagonista, Teresa, convirtiéndola en un ser sutil, casi etéreo, construido a partir del lenguaje corporal y de los silencios, que no son incómodos, sino una parte importante del guion. Consigue, con pequeñísimos detalles, que el espectador vaya viendo la completa transformación que sufre su personaje.

Claudio Rissi es El Gringo, el hombre que ayuda a Teresa en la búsqueda de su bolso, que no es otra cosa que la búsqueda de su libertad, de su verdadera vida. Hilando muy fino, crea un personaje ambiguo, que juega entre la atracción amenazante y la seducción hacia una mujer sin experiencia.

Entre los dos protagonistas, crean un perfecto tándem: ella pone los silencios, el aporta las palabras.

*CONCLUSIÓN

La Novia del Desierto sorprende. Atrapa lentamente.Con una progresión lenta pero incesante, nos involucramos en la desesperante búsqueda de la protagonista, sufrimos con su timidez y nos vamos abriendo con ella a la esperanza de lograr una vida plena, sin importar los años que tengamos.

Una película muy tierna, emotiva, inocente, de las que dejan huella y hacen pensar.

Escrito por Luz Nogués
https://cinemagavia.es/la-novia-del-desierto-pelicula-critica/

¿Te imaginas ver una foto de ti en la fachada de tu casa o en un inmenso muro de tu barrio? ¿Qué sentirías al observarlo? Caras y Lugares te muestra este singular arte callejero y descubre lo que hay atrás de esta expresividad artística, en donde los momentos, las emociones y hasta las partes del cuerpo humano pueden llegar a representar algo más que simple imágenes.

Es increíble la energía que evidencia Agnès, de 89 años de edad, para dirigir y participar activamente en Caras y Lugares. Se sube en las canastillas de camiones elevadores, emprende largos viajes en auto e incluso baila en la discoteca.

Con una mezcla de autoridad y sencillez, la veterana cineasta hace sentir su estilo. No planifica con antelación quiénes serán las personas que intervengan en su filme, porque sigue creyendo que el azar es su mejor aliado. Fiel gestora de la corriente de la Nouvelle Vague (de hecho, fue la única mujer entre las realizadoras de esta tendencia fílmica), considera a la cámara, en este caso tanto a la cinematográfica como a la fotográfica, como una acompañante permanente que siempre está lista para captar cualquier suceso sin artificios escénicos.

Ella se hará cargo de dar movimiento y concepto cinematográfico a la característica estática de las imágenes de JR, e incluso aprovechará la ocasión para rescatar su antigua afición a la fotografía y darle un sentido expresivo que sea apreciado por la sociedad.

La afamada realizadora no es pasiva en esta película, es una de las que más interviene en escena y no duda en prestar su mirada y las plantas de sus pies para que delaten su peculiar historia que será llevada, a través de los vagones de un tren, a donde ella nunca irá.

De inspiración espontánea, JR cede en este filme ante algunas pretensiones cinematográficas de Varda, pero lo hace porque que éstas le sirven de ingenioso soporte para ampliar la experimentación de su método expresivo del arte fotográfico.

Su objetivo es retratar rápidamente las caras de la gente que encuentra en su camino para que no desaparezcan en el tiempo, y aunque sus murales de papel también tienden a ser fugaces logra que impacten en quien los mira y archivarlos así en su memoria.

JR, de misteriosa identidad, encuentra en Caras y Lugares un espacio para develar el sentido estético de un arte que no solo se basa en captar imágenes, sino en plasmarlas en un contexto de alta expresividad sobre la historia, el sentir o la naturalidad de quien ha permitido retratarse.

Agnès Varda y JR son personas muy diferentes en sus apariencias, edad y gustos, pero se admiran mutuamente. Ambos acuerdan emprender un viaje juntos por varios lugares de Francia para construir una aventura artística que rebusca en las emociones y en los recuerdos su inspiración. Errantes en sus respectivos mundos, los dos se irán conociendo mientras avanza el desarrollo del filme. Sus conversaciones son sinceras y siempre encontrarán el sitio ideal para conocerse más.

Vagda busca las historias y JR las reflejará en retratos gigantes que reposan en estructuras propias de un barrio, de una fábrica, de una hacienda o de cualquier otro sitio. El objetivo, es descubrir en estas imágenes la personalidad de las personas que ocupan ese espacio estático, hacerlas sentir grandes, dominadoras e inmortales.

Dentro de los elementos que envuelven a este filme, destaca la omnipresencia del famoso cineasta francés Jean–Luc Godard. Se configura incluso cierto parecido del impulsor de la Nouvelle Vague con JR, por la resistencia de ambos en enseñar su mirada a la cámara.

Es probable que Varda se interesó en JR para reencontrarse con el enigma del mundo de Godard que, en su momento, la cautivó. Parece que el objetivo de toda la travesía del filme fue redescubrir al famoso cineasta francés.

Los creadores de Caras y Lugares se atreverán a visitar la casa del director de Al final de la escapada y Varda acuerda una cita con él, pero al momento de encontrarse…. Bueno, recordemos que Godard era impredecible.

Caras y Lugares es un documental que permite apreciar la loable congruencia de dos tipos de expresiones artísticas y también la relación entre dos diferentes personas. A más de poseer un gran atractivo visual, la película aborda una bella historia de amistad.

Escrito por Victor Carvajal
https://cinemagavia.es/caras-y-lugares-critica-documental-varda/