No puedo dejar de preguntarme qué aporta de fresco esta película. Y la verdad es que John Cameron Mitchell se ha perdido en el éxito que supuso crear la estupenda y fresca (esta sí lo fue y sigue siendo) “Hedwig and the Angry Inch”. “Shortbus” no entretiene, ni mucho menos, como su antecesora. Compararla con “Ken Park” (Larry Clark, 2002) es fácil y casi obligatorio. Para mí, Ken park poseía mejor guión y el conjunto de la película estaba más logrado. En “Shortbus” cabe destacar una fantástica maqueta de la ciudad de Nueva York y un gran uso musical que Cameron Mitchell ya demostró con “Hedwig”. Demasiado sexo explicito e innecesario. Innecesario porque, a mi juicio no es útil para el transcurso de la historia e incluso creo que en determinados momentos, lo explicito entorpece el ritmo. No es cuestión de mentes cerradas o sociedades puritanas, más bien, es cuestión de preguntarse hasta que punto es importante para la historia que nos muestren una mamada. Insinuar, también es sano.
Bonita fotografía, y en algunos momentos el director consigue con la cámara la candidez que le falta al guión. La historia no me parece tampoco divertida para considerarla una comedia, y sus personajes me dejan algo fríos. Sólo, ese viejo hombre, antiguo alcalde de la ciudad, consiguió transmitirme algo de electricidad.

Esperaba más de una propuesta tan interesante como un menaje à trois en manos del genio de la sutileza, la insinuación y la ironía. Creo que los años, han pasado más deprisa para esta obra que para otras del quizá el mejor director de la historia. A mi juicio, pierde esta propuesta, sobre todo, en los diálogos que no poseen la velocidad ni la acidez de Lubitsch (a pesar del tema). Pero aún así, podemos contentarnos y gozar con esa forma de Lubitsch de llevar una historia tan comprometida de una manera tan elegante, de una forma, a la que no podríamos poner un pero.

Miriam Hopkins es aquí la encargada de repartir bacalao y algo más que peces. Posee una energía fascinante en pantalla. Su actitud, podría considerarse algo libertina, pero su director, consigue que ese comportamiento no perjudique a la estrella. Así la convierte en el alma de la fiesta y caemos rendidos por belleza, sabiduría y picaresca: que bomba de mujer. Repetía Lubitsch con ella después de esa mágica interpretación en “Un ladrón en la alcoba”.

Fredric March y Gary Cooper intentan aguantar el chaparrón de Hopkins que desde la primera escena se los come. Y mantienen un pulso atractivo con ella, a pesar de que la ausencia en algunas escenas de Hopkins se nota, los tres juntitos y revueltos consiguen camelarme.

Quedan también para el recuerdo la acción fuera de la cámara, con lo que privaba a los censores de echarle el diente, como cuando su marido sale de la habitación la mañana después de la noche de bodas y da una patada al macetero de los “bohemios” para que sepamos que la Hopkins no estaba por la labor de entregarse a su cónyuge con el recuerdo latente de los artistas. O cuando Fredric March sale con el esmoquin para desayunar (una escena para enmarcar y proyectar en cualquier escuela que se precie de enseñar cine).

¿Qué quiere decir que una película es muy francesa? De las catorce críticas que hay hasta el momento en la mitad utilizan esa frase: “es muy francesa”. Yo no creo que sea más francesa que otras francesas. Es más, creo que es mucho menos francesa que el cine de Ozon, Téchiné, Chabrol, Lafosse e incluso Tavernier o Jeunet (por citar a algunos directores galos activos).

“Pintar o hacer el amor” es una historia que no llega a cuajar del todo. Posiblemente falle en un guión en el que nos faltan muchos cabos por atar. En el que los personajes anden un poco perdidos y salten de un cabreo a una pasión con un registro histriónico en ambas situaciones. Son incomprensibles ciertos momentos de celos-pasiones protagonizados por Sabine Azema.

Danielo Auteuil está genial. Es a mi juicio el mejor de los cuatro. Sergi López le veo pasado de rosca, no me convence y su ceguera la contagia a los demás.

No intentaré buscar moralinas o gato encerrado a la historia sexual que nos proponen los hermanos Larrieu. Porque la historia en sí, como ya he dicho es lo peor de todo. Lo acompaña eso sí, una gran banda sonora: emotiva y sencilla; y una buena fotografía. La casa que sirve de inicio para todo lo que luego pasará es de ensueño.

Me gustó mucho ese “silencio natural” que nos brindan con los créditos finales, y que a mi juicio debiera haber seguido sin música hasta el final.

P.D. Un chistecito para amenizar la tarde.

Un ciego entra en un bar de sólo mujeres por equivocación. Llega a la barra y se pide un café. Después de un rato, el ciego le grita al barman:
- Hey, ¿quieres que te cuente un chiste de rubias?
El bar inmediatamente queda en silencio total. Luego, la mujer que estaba sentada al lado del ciego le comenta suavemente:
- Antes de que cuente su chiste, señor, creo que debería saber dado que Ud. está ciego estas cinco cosas:
1. El barman al que Ud. gritó es en verdad una rubia con mal carácter.
2. El portero de seguridad del Bar es una rubia.
3. Yo mido 1.80 mts., peso 80 kilos, soy cinturón negro en karate y además soy rubia.
4. La mujer sentada a mi izquierda es también rubia y además es culturista.
5. La dama de su derecha es rubia y además es una profesional de lucha libre, le dicen La loca.
- En verdad Señor, piénselo bien. ¿Aún quiere contar su chiste?
El ciego se queda pensando en silencio, sacude su cabeza, y dice:
- “No, … no lo contaré si luego tengo que explicarlo 5 veces”.

Aparecen los diálogos que durante mucho tiempo permanecieron enterrados en el cine de Antonioni para dar la sensación que sus personajes hablan demasiado, y que nada de lo escuchado parece verosímil. Acentuado en el personaje de Malkovich, con soliloquios en off que nada casan con la imagen.

A modo episódico, Antonioni rescata momentos puntuales que en su cine funcionaron por ser un vehículo narrativo insólito: la niebla (que incomunicaba sentimentalmente a los personajes en El desierto rojo y más tarde en Identificación de una mujer), o los besos tras el cristal (creando barreras ficticias para no desnudar el alma en El eclipse); pero que en este caso, quedan mermados al no encontrar una forma de narrar por sí solos, sino que son un atrezo más, como la gran cantidad de planos interesantes que podemos encontrar o la fantástica fotografía de unos exteriores crepusculares –las playas en invierno, las terrazas con la lluvia, los palacios deshabitados, las piscinas sin bañistas, los trenes en la época supersónica, las anacrónicas iglesias de obedientes ecos-. Quedan los exteriores, esos seres animados, como el mejor componente del ejercicio. Toman quizá el relevo del personaje por antonomasia de Antonioni: frío, hermético, sumergido en el dolor del tiempo.

El resto es superfluo a pesar de la cantidad de desnudos femeninos con los que podemos recrearnos. En especial, ese lunar en el pecho derecho de Sophie Marceau, reivindicando su lugar en la historia cinematográfica como el lunar más sexy jamás filmado.

Nadie duda de la gran capacidad de Ferzan Ozpetek para narrar esa cosa tan volátil como son los sentimientos. Pero a la hora de crear un guión “Saturno contro” (Saturno en contra), Ozpetek y su fiel compañero Gianni Romoli se han ido hacia la fábula.

Es cierto que son algunos las escenas que están narradas con gran sensibilidad, donde Ozpetek demuestra que sabe de qué habla, pero al mismo tiempo, encontramos ciertas escenas de verosimilitud cero que dan al traste con la idea original de director de acercar la historia a la gente. Stefano Accorsi consigue, como prácticamente todo el elenco, una buena actuación, pero los actos e ideas que expresa el personaje rayan lo abstracto.

Ozpetek, de nuevo, mezcla una excelente banda sonora con la historia. Una delicia llenas de melodías tangueras.