Tim Burton es un director poco convencional y arriesgado a la hora de escoger las temáticas de sus películas y un repaso a su filmografía nos confirmaría esta afirmación.
Con “Ed Wood”, una vez más con Johnny Depp, su actor fetiche, nos propone un sentido homenaje al cine utilizando como McGuffin, al más puro estilo Hitchcock, la biografía de Ed Wood, el considerado “peor director de la historia del cine”. El resultado es una profunda y bella reflexión en clave de comedia, divertida, tierna y entrañable sobre el proceso creativo, la ilusión y el desencanto, el éxito y el fracaso, la inmortalidad y el olvido que impacta de lleno en lo más profundo de nuestro corazón, que nos hace reír y emocionarnos a partes iguales con las vicisitudes a las que tiene que hacer frente este infatigable soñador que amaba el cine y que quería ser como Orson Welles. A lo largo del metraje Burton nos cuenta la relación de Wood con el casi olvidado, y en otros tiempos gran estrella, Bela Lugosi el inmortal Drácula de Tod Browning, asistimos al rodaje de algunas de sus películas más conocidas, y somos mudos testigos de ese momento mágico en el que Wood conoce a ese alguien a quien admira y al que suspira algún día poder emular, Orson Welles. Sustentada en un delicioso y brillante guión que combina a la perfección el homenaje más sentido a los creadores de ese arte lleno de fantasía e imaginación que llamamos cine -sea en mayúsculas o en minúsculas- con la más feroz critica, subliminal pero no por eso menos efectiva, a todos aquellos cretinos que alguna vez cortaron de raíz los sueños de aquellos locos que tan solo querían plasmarlos en celuloide, con una maravillosa y nada gratuita fotografía en blanco y negro, un excelente montaje y la extraordinaria dirección de Burton que sabe extraer lo mejor no solo del guión sino también de los actores, con especial mención a un Johnny Depp muy en sintonía con el personaje de Ed Wood y sobre todo a un genial, deslumbrante y sublime Martín Landau en el papel de Bela Lugosi - recompensado merecidamente con el Oscar al mejor actor de reparto- dan como resultado una de las películas más extraordinarias de los últimos años, con un hermosísimo final, claro homenaje a “Ciudadano Kane” de Welles, con esa maravillosa grúa que se eleva hacia el infinito mientras desfilan ante nuestros ojos todos y cada uno de los entrañables personajes de la película con la música de un inspirado Howard Shore como telón de fondo musical.
Obra maestra para todos los públicos y film de culto para cinéfilos.

Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 19 de abril de 2006

Pocas veces un film consigue aunar de forma tan brillante calidad y comercialidad, gustar por igual a público y critica, y ver reconocidos sus méritos con la concesión de los premios más prestigiosos que el mundo del cine otorga a un film.
Basada en una premisa argumental sin ninguna pretensión de fidelidad historicista, el maravilloso guión de “Shakespeare in love”, uno de los puntales fundamentales en que se apoya la arquitectura del film de J. Madden, pleno de hallazgos que explora a fondo todas las posibilidades que permite la historia, transformándose en un estudio profundo sobre el amor y el proceso de creación de la obra de arte, bascula progresivamente, de forma inexorable, desde un registro de comedia romántica de época hacia otro hermosísimo, pero profundamente triste, y dolorosamente romántico. Un joven William Shakespeare inmerso en una profunda crisis de inspiración busca desesperadamente una musa que le permita recuperar su capacidad creativa. Su repentino enamoramiento de Lady Viola nos permitirá no solo ser espectadores, sino también implicarnos emocionalmente en los entresijos de una historia de amor maravillosa, y nos abrirá de par en par la puerta que nos va a permitir asistir al milagro de la génesis de la obra de arte. Jugando con increíble habilidad con el paralelismo entre realidad y ficción, nos veremos inmersos de lleno en la creación de una de las cumbres de la literatura universal de todos los tiempos, “Romeo y Julieta “. Asistiremos atónitos como lo real y lo ficticio con frecuencia están separados por una delgada línea que a menudo se confunde, y como la realidad a menudo condiciona la ficción. Con una dirección brillante de Madden y una puesta en escena impecable, la complicidad de una cámara nerviosa que utiliza con frecuencia el travelling circular como instrumento al servicio de la historia, y una excelente labor de montaje, en “Shakespeare in love” sobresalen aspectos tan cuidados como la dirección artística, el vestuario y una banda sonora de S. Warbeck que fueron galardonados justamente con el Oscar de la Academia. De las interpretaciones poco hay que decir, nunca G. Paltrow estará más bella y mejor como actriz como en este papel de Lady Viola que parece escrito expresamente para ella y recompensado con un Oscar merecidísimo. El Will Shakespeare pleno de registros y de expresividad de J. Fiennes merecía mejor suerte, por no hablar de la extensa galería de secundarios de lujo que brillan, todos ellos, a un altísimo nivel. En definitiva, una extraordinaria película que se erige en una conmovedora historia de amor y en un sentido homenaje al talento creativo del artista, y que quizás nos depara, sin pretenderlo, con la mejor versión fílmica de la inmortal obra de Shakespeare. Cine moderno de calidad, para ser vista con frecuencia.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 28 de septiembre de 2005

Dia D; desembarco de Normardía; playa de Omaha.

La historia de ese grupo de hombres que arriesgarán sus vidas para buscar y poner a salvo al soldado Ryan, que ha perdido a sus tres hermanos en combate, pone en evidencia el discurso más patriotero, militarista, gratuitamente burdo y patético del peor Spielberg.


-Un film que se abre con un plano de una gran bandera americana ondeando al viento y se cierra con otro similar… no es patriotero; tan solo es víctima de las malas lenguas.

-Un film que se pasa más de dos horas y media de metraje ensalzando el valor, el sacrificio y ciertos códigos de honor… no es militarista; tan solo es víctima de injustos prejuicios.

-Un film que muestra el horror de la guerra explicitando visualmente el mismo, con la enfática visión descarnada de los efectos de las bombas en los cuerpos mutilados y destrozados de soldados anónimos… no es gratuitamente burdo; tan solo es víctima de manipulaciones ópticas.

-Un film que empieza con una secuencia de un sentimentalismo lacrimógeno de pena, y acaba con el lamentable, y aun más penoso, epílogo de la misma secuencia… no es patético; tan solo es víctima de percepciones erróneas de espectadores de mente corta.

Que técnicamente sea apabullante; que esté bien rodada; que sea espectacular; con una brillante fotografía; un trepidante montaje; unos espectaculares efectos especiales; un sonido impactante y una notable banda sonora, no es suficiente para hacer de ella una buena película. Un guión de una pobreza de recursos alarmante, con personajes y situaciones dibujados con trazo grueso, una dirección de Spielberg más efectista que efectiva y unas interpretaciones que no pasarán a la historia del séptimo arte, hacen de “Salvar al soldado Ryan” una de las grandes decepciones de los últimos tiempos.

Lo mejor es, sin duda, la cuidada puesta en escena, -de estilo “quasi” documental-, y la impecable planificación de las secuencias de acción, que nos permiten asistir, -casi como protagonistas-, a la cruenta batalla por la defensa de ese puente, de gran importancia estratégica; casa a casa; metro a metro; palmo a palmo y cuerpo a cuerpo.

Lo otro ya se había hecho:

-La angustia y el miedo de los combatientes en el momento del desembarco ya quedó reflejado en los inolvidables fotogramas en blanco y negro de “El día más largo”.

-El horror de la guerra ya fue perfectamente plasmado, sin un solo disparo, en unas pocas líneas de guión de “Patton”. Claro que el guión era de Francis Ford Coppola.

General Patton: -¿estaba vd. al mando de esto, capitán?.
Capitán: -estuve al mando; mis tanques estaban apoyando una compañía de infantería; se terminó la gasolina y tuvimos que luchar; empezó a las once de ayer noche y hemos terminado hace dos horas; esta mañana la lucha fue, cuerpo a cuerpo.

Una película que pudo ser grande y se quedó en grandilocuente y mastodóntica.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona, 12 de abril de 2008

Versión fílmica del exitoso musical de Broadway de Bernstein/Sondheim, “West Side Story” ha quedado para la historia como un intento de revitalizar el musical de Hollywood que no tuvo continuidad, pero que se ha convertido en un clásico indiscutible no solo del cine musical sino del cine de todos los tiempos.
Actualización del inmortal “Romeo y Julieta” de W. Shakespeare, las calles de un barrio marginal de New York son el escenario del enfrentamiento entre bandas juveniles rivales. El amor que surge entre Maria -una joven portorriqueña- y Tony será la chispa que generará la espiral de odio y violencia que acabará en tragedia. Algo más que un film, “West Side Story” es un profundo estudio sociológico sobre la marginalidad de amplios sectores de la juventud en las grandes ciudades y sus dramáticas consecuencias.
Con un bien estructurado guión de brillante “crescendo” dramático de Ernest Lehman, “West Side Story” destaca sobre todo por la inmortal partitura de Leonard Bernstein, los números musicales, con espectaculares, vibrantes e inolvidables coreografías de Jerome Robbins -codirector del film con Robert Wise-, que ya forman parte de la memoria colectiva, maravillosamente montadas por Thomas Stanford y la excepcional fotografía, de colores muy saturados, de Daniel L. Fapp. La dirección bicéfala de J. Robbins y R. Wise se complementa a la perfección. Si bien siempre ha sido mejor valorada la parte musical y coreográfica del film, no obstante, la caligrafia y el pulso narrativo de R. Wise en el registro más dramático de la historia son impecables, salvo en alguna secuencia almibarada en exceso. Un reparto de jóvenes promesas, en los papeles de sus vidas, con la inolvidable Maria de Natalie Wood y menciones especiales a la sensual Anita de Rita Moreno y al arrebatador Bernardo de George Chakiris completan algunos de los muchos meritos de un film, romantico, hermoso y profundamente triste que sin duda alguna ha pasado, por meritos propios, a la iconografía y la mítica del cine.
Inolvidable clásico del cine musical a revisar y disfrutar sin complejos.



Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 1 de mayo de 2006

Rodar el remake de un clásico comporta siempre un cierto riesgo, por las comparaciones, aunque estas siempre sean odiosas. Pero si se pretende hacer la “versión definitiva” de uno de los films más míticos de la historia del cine, donde todos los elementos se conjugaron con el talento, para dejarnos un icono de la cultura del siglo XX, hay que tener un profundo respeto a la hora de enfrentarse a reto tan descomunal y sobre todo una gran dosis de HUMILDAD.

El King Kong de Peter Jackson pudo ser un gran film y un sentido homenaje a una de las joyas indiscutibles del CINE. Lo tenía todo a su favor: Una historia inmortal, con aventura; misterio, ternura; magia; fantasía y sobre todo POESÍA, y los medios técnicos necesarios para lograrlo. Pero tras arrasar en taquilla y en los oscars con su, un tanto sobrevalorada, trilogía de “El señor de los anillos”, un arrogante y prepotente Peter Jackson se creyó dios y nos dejó un film que pudo ser y no fue. Puro desastre artístico, -que no comercial-, que no aprueba examen ni siendo muy benévolos, y que no supera el más mínimo análisis serio basado en parámetros estrictamente cinematográficos. Film entretenido, adecuado para un público mayoritario, respetable pero poco exigente, al que no defraudará, que no busca cuando va al cine nada más allá de un rato de divertimento fácil y escapista de la dura realidad diaria.

Film lastrado negativamente por:

• Un guión pobre y plano, que no aporta nada nuevo bajo el sol.
• Una dirección mediocre, que naufraga en su ambicioso intento de hacer historia por encima del bien y del mal.
• Una caligrafía cinematográfica que busca infructuosamente plasmar la aventura por acumulación de golpes de efecto.
• Un excesivo metraje, con largas secuencias gratuitas para olvidar.
• Un exceso de efectos especiales a modo de videojuego.
• Un desfile de repugnantes animales añadidos a los de la versión de 1933.
• Un casting demencial y caricaturesco encabezado por un Adrien Brody, negación viva del aventurero.
• Una penosa relación entre Naomi Watts y el gorila basada en esperpénticos juegos circenses...

…y sobre todo por la ausencia imperdonable de esa esencia poética, fundamental para entender la relación entre la protagonista aspirante a actriz y la bestia fatalmente enamorada de ella, y que da el sentido último a esta entrañable variante de “la bella y la bestia”, por parte de un poco competente y muy endiosado Peter Jackson, al que le vino grande historia tan sensible. Una autentica pena de oportunidad de oro perdida, por un director que defrauda y al que se le debe exigir mucho más, -de ahí la nota tan baja-, y que hace de este King Kong un film prescindible, que no pasará a la historia del cine salvo por sus excesos.

Afortunadamente siempre nos quedará la inmortal versión de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack de 1933 para la RKO, que sigue intocable en la cima del Olimpo cinematográfico.

Francesc Chico Jaimejuan
Barcelona 11 de septiembre de 2008