Pequeño divertimento de Ford y última colaboración con el actor Will Rogers, que a pesar de ser el menos sólido de los tres sigue manteniendo muchas de las virtudes de las otras dos películas que hicieron juntos. El propio Ford era consciente de que la historia no daba mucho de sí, hasta el punto de que Ford hablo con Rogers y le pidió que viera si podía adaptar el personaje un poco para que se encontrara más cómodo con él. Al final quedaron razonablemente satisfechos con el final, pero hay que reconocer que la historia tenía menos interés que las anteriores y eso hace que el film se resienta un poco. No deja de tener algunos temas interesantes y que volverá a tratar con más acierto en su obra como la intolerancia social, la integridad personal o la privación de libertad (Hurricane, The Shark Island). Pero su manera de tratarlos es lo que la convierte en la más ligera de las tres, más interesado en su sencilla trama, en la comedia y en momentos puntuales que en un conjunto bien definido. Eso sí, Rogers vuelve a estar espléndido en su personaje, aunque a la larga tal vez el más recordado sea el carismático personaje del Nuevo Moisés, interpretado por Berton Churchill (que trabajo en varios films de Ford en aquella época). Ford realiza su trabajo con habilidad, consiguiendo escenas de calidad y algunos planos que contienen la fuerza y belleza que solo él sabía rodar, pero en conjunto sabe a poco. El maestro concluye esta divertida trilogía un escalón por debajo pero dignamente con esta comedia pequeña que junto a sus dos predecesoras, además de entretener son muy útiles para empezar a entender el estilo tan característico de este gran genio del cine.

Otro film de Ford de los 30 que no se encuentra ni entre sus mejores trabajos de esta década ni entre los que mejor definen su estilo, pero con suficiente calidad y encanto como para verlo con interés. Paradójicamente uno de los mayores alicientes que tenía este trabajo se convierte en su mayor inconveniente: Edward G Robinson. Me encanta este actor y tal vez la idea de ver juntos a Robinson y Ford en una misma película me había creado muchas expectativas. Pero el actor no termina de convencerme en su papel de oficinista cobarde y apocado enfrentado al enemigo público nº 1. Tal vez era lo que buscaba el director, pero no encuentro aun al Robinson de las películas de Fritz Lang o el de House of Strangers, que transmitía la misma intensidad en papeles de duro y de hombrecillo. Tampoco está mal, y mejora en su papel de atracador, aportándole presencia al personaje, pero aun así le falta la fuerza de esos otros trabajos. Pero no todo el film es Robinson, por supuesto. La trama es de lo más entretenida y está llevada con eficacia por Ford, aunque se trate evidentemente de un film de encargo más que un proyecto personal. Mantiene algún momento que logra crear tensión, y en general está bien rodada y se mantiene el interés en la historia. Es cierto que los personajes adolecen de ser algo simples por culpa de un guión esquemático, en el que ni siquiera el personaje de la avispada periodista aguanta las comparaciones con otros personajes de Capra o Hawks por aquella época, pues el desparpajo de Jean Arthur no viene acompañado de diálogos a su altura. Un correcto film comercial que entretiene y se ve con facilidad, muy correcto en su conjunto pero carente de la brillantez y personalidad del maestro Ford.

Nueva vuelta de tuerca de Ford a su género más visitado, el western, en un trabajo sin duda atípico. No es un film perfecto, en especial por un guión que alterna personajes más simples como el del abogado de la acusación, con otros más interesantes como el abogado defensor, el sargento Rutledge o el carismático juez del consejo de guerra, y por una mas que discutible opción de utilizar el flashback como elemento narrativo, que en mi opinión resulta fallido aunque encomiable por el riesgo. Aun así el resultado es uno de los más sinceros alegatos contra la intolerancia y el prejuicio que nos ha dado el cine de Ford. Ya llevaba tiempo intentando llevar a la pantalla al 9º de Caballería, la primera unidad del ejercito integrada por negros exclusivamente, lo que no era extraño en Ford pues desde sus inicios el tema de la integración racial fue un tema recurrente en varias de sus películas. A pesar de que la estructura dividida en flashbacks debilita una narración magistral (en particular en la descripción de los hechos), sigue siendo la parte más endeble la parte del juicio. Todo el relato de lo ocurrido a través de los distintos testigos alcanza una notable fuerza dramática, de una poderosa fisicidad y plagada de sutilezas y genio tras la cámara, en la que los actores alcanzan sus mejores interpretaciones. Resulta interesante que es un film esencialmente de interiores, incluso en la narración de los flashback, lo que era inusual en el caso de los westerns de Ford. Pero logra sacar a estos un rendimiento mas que considerable, en los que destaca por ejemplo la utilización de la luz que precede los primeros testimonios, la esplendida escena en la que parte el tren de la estación y el vapor rodeando a la joven que se queda sola o el momento en el que los soldados del regimiento le cantan Sergeant Buffalo a Rutledge. Visualmente vuelve a destacar por hallazgos repartidos a lo largo del metraje como los citados juegos de luces en el juicio, casi todas las escenas de exteriores en las que se percibe el talento paisajístico de Ford, la primera aparición de Rutledge en la estación de tren… y así podríamos seguir porque es algo habitual en el film. Destacar el trabajo de fotografía de Bert Glennon, que utiliza con excelente criterio la luz y el color. Resulta sumamente satisfactorio ver un film que sin conseguir alcanzar todos sus objetivos, tiene virtudes sobradas para que espectador atento no pierda el interés e incluso llegue a percibir momentos de una brillantez absoluta. Pero es que Ford era muy grande.

El delicado tema de la violencia de genero no ha sido tratado en profundidad hasta hace relativamente poco. Sin embargo ha sido recurrente en distintos géneros por muchos años, desde el melodrama más sensiblero hasta el thriller de diseño mas sofisticado. En este último se puede incluir al film de Rubin, que utiliza como mera excusa el problema sin profundizar en él, consiguiendo un thriller tan entretenido como inofensivo en sus intenciones. Aunque la trivialización de esta lacra de la sociedad 'moderna' puede ser motivo de discusión sobre su legitimidad moral, lo cierto es que Rubin logra apuntes muy interesantes como director, imponiéndose a un guión simple y tendencioso que pretende dar complejidad a los personajes pero que se queda en las buenas intenciones. Pero el director consigue sorprender en varias escenas por su tratamiento de la imagen y el movimiento de la cámara, que termina siendo de los pocos elementos destacables del conjunto. Cierto es que el resultado es irregular, que lo mismo da la impresión de estar ante un telefilme que consigue momentos de notable fuerza visual, en especial en la primera mitad del film. Pero ya es más de lo que aporta la media de este tipo de productos. Mas intrascendente resulta el trabajo de los actores, que cumplen y poco mas. Aun así, el mejor aliado del director termina siendo el compositor, que sí logra mantener el buen nivel a lo largo de todo el film, con un planteamiento mas acertado que el propio guión, en base a dos conceptos básicos: la identificación emocional y el contraste, con ideas tan interesantes como la referencia al Dies Irae de Berlioz (Sinfonía Fantástica) en el tema del marido, mucho mas sutil y brillante que la aplicación por el director de la propia pieza (algo forzada), asociando subliminal y psicológicamente el tema a los abusos recibidos por la protagonista representados por el tema de Berlioz, consiguiendo una mayor sensación de amenaza cada vez que suena el tema del marido, o alcanzando momentos psicológicos tan reveladores como la música utilizada en la feria, con la distorsión del tema de ella. En cualquier caso, poco dice de un film que lo más destacado sean exclusivamente los contados aciertos del director y la labor del compositor.

Gran film mudo de Ford que dejó totalmente definidas sus constantes en el género que mayor prestigio le dio: el western. Pero va más allá de simple pieza para entender su cine. La descripción de personajes, la manera de unir las historias paralelas, la poesía que desprende la historia, su capacidad paisajística o la puesta en escena son ya magistrales. Autentica superproducción de su tiempo, Three Bad Men es posiblemente la mejor descripción sobre la famosa carrera para conseguir territorio en Oregón. Aunque queda ligeramente lastrada por ciertas tendencias de la época muda (en particular en las interpretaciones), se termina imponiendo el lirismo de Ford, que imprime su personal huella tanto en el aspecto visual como en el trato que da a los personajes, así como la nostalgia que desprende el conjunto. A pesar de contar con más de ochenta años, mantiene una capacidad narrativa y de sugerencia que no ha perdido fuerza con el tiempo y que la destaca dentro de la cinematografía americana de la época. Un film de Ford poco conocido pero muy recomendable, tanto por su calidad como por su interés didáctico a la hora de estudiar la obra del genial director.