Mi interés por el cine de animación ha ido aumentando con los años. Lejos de ser de esas personas que opinan que es para niños, me hallo entre aquellos que creen que es incluso más emocionante cuando se ve ciertas películas siendo adultos. Aunque sigo disfrutando de Pocahontas y de La bella y la bestia, lo cierto es que cada vez son más las películas de animación que se hacen pensando más en los adultos que en los niños. Los filmes de Pixar son el claro ejemplo de que se puede satisfacer a los dos públicos, y puede que Inside Out sea la obra cumbre de esta productora.

Inside Out o Del revés (como la han titulado en España) es la películas más compleja de Pixar. Más que Up, más que WALL-E. Es simplemente impresionante. Pixar siempre ha tenido un talento especial para dar vida a cualquier objeto inanimado que se cruzase por su camino, desde una lámpara hasta un juguete. Pero ahora han ido más allá, pues han dado vida a unos pequeños seres que habitan en nuestros cerebros y que representan los sentimientos esenciales que tenemos los humanos. Estos seres son la alegría, la tristeza, el asco, el miedo y la ira. Ellos son los que rigen nuestra vida tomando el control en esa sala de mandos que está instalada en nuestro cerebro. Lo cierto es que Docter, el director y creador de la idea, consultó con varios psicólogos durante la concepción de la idea, para poder aprender todo lo necesario sobre los mecanismos de la mente. El resultado es brillante.

Riley es una niña de 11 años feliz. Ha tenido una infancia tranquila, pero todo cambia cuando su padre cambia de trabajo y tiene que mudarse con su familia a San Francisco. Mientras, en su mente, la alegría intenta mantener a Riley positiva y esperanzada, aun cuando el sentimiento predominante en ella es la tristeza. Alegría deja a Tristeza a parte cuando más se la necesita, y esto termina desencadenando el desastre. Los pilares de la vida de Riley comienzan a tambalearse, pero quizás esto no sea algo malo, pues la vida no puede anclarse en esa infancia en la que todo es feliz. El cambio en la vida y la personalidad de Riley es imparable.

Los niños verán una peli de aventuras en la que unos personajes de colores deben conseguir que la niña a la que pertenecen vuelva a estar contenta y unida a sus padres. Pero los adultos veremos un viaje metafórico, un viaje que empieza en la pre-adolescencia, cuando las cosas dejan de ser blancas o negras, cuando los pilares de nuestra infancia caen y se van configurado otros más fuertes y complejos que serán definitorios a la hora de configurar la personalidad de cada uno. Todo esto se ve reforzado por un guión prácticamente perfecto, que nos hará reír y llorar a partes iguales.

Absolutamente recomendable. Un 10.

Freidhelm Winter, uno de los protagonistas, ante la idea de su padre de que la guerra le hará un hombre, dice que "la guerra saca lo peor de cada uno", y efectivamente así es.

"Nuestras madres, nuestros padres" es el título original de esta miniserie alemana, y quizás sea una de las mejores producciones alemanas que tratan el pasado reciente de la II Guerra Mundial. Conflicto que perdieron y en el que fueron responsables de una de las mayores barbaries de la historia de la Humanidad. La miniserie se transmitió en Alemania con reservas por parte de su productor, Nico Hoffmann, que esperaba sinceramente que la gente apreciara el esfuerzo real y autocrítico de la historia. Por suerte, tuvo un gran éxito de audiencia, y aunque la crítica ha tenido opiniones contradictorias, todos coinciden en que es una producción soberbia.

La historia comienza en Berlin en 1941. Cinco amigos se reúnen por última vez antes de que tres de ellos partan al frente, aun con la convicción de que para Navidad estarán todos de nuevo juntos. Friedhelm y Wilhelm Winter son dos hermanos, soldados, que partirán al frente ruso; Wilhelm, el mayor, ya ha estado en la guerra y está convencido de que ganaran. Por el contrario, Friedhelm, es lo que podría considerarse un hombre de letras, que preferiría estar en la universidad a ir a la batalla. Seguramente sea él quien tenga una visión más realista de lo que el conflicto va a suponer para todos. Además, están Charlotte y Greta. Charlotte es ingenua e idealista, y va a servir a su patria como enfermera en el frente; Gretta tiene su ambición puesta en sí misma más que en los demás, pues está empeñada en ser cantante a toda costa. El último de los amigos es Viktor, el novio de Gretta, que es un judío alemán, quien por supuesto es quien va a tener las cosas más complicadas.

Se ha criticado de la serie que dejase de lado el hecho de que la mayoría de los jóvenes soldados alemanes estuviesen increíblemente aleccionados y convencidos de la causa nazi; sin embargo, yo creo que este es simplemente un punto de vista diferente, y para nada ciego ante como sucedieron las cosas. Se nos cuentan cinco historias individuales para hablarnos del colectivo de la sociedad alemana, pero en ningún momento se exculpa a nadie de la culpa. La reflexión sobre qué no seríamos capaces de hacer por sobrevivir si la situación lo requiriese puede no ser todo lo optimista que desearíamos.

Está rodada espléndidamente, tanto en los momentos más intimistas como en las escenas de batalla. Estas últimas han hecho que la serie sea relacionada con "Hermanos de sangre", que es otra magnífica miniserie sobre la II Guerra Mundial, aunque en mi opinión, "Hijos del tercer Reich" tiene una visión más objetiva de los hechos (aunque Hermanos de sangre esté basada en hechos reales ya sabéis que a los americanos les gusta demasiado ponerse en plan: vamos a salvar al mundo). También ha sido comparada con "The pacific", que a mí me parece una serie muy inferior a las dos anteriores y bastante más aburrida.

No me voy a poner feminista, pero la verdad es que se agradece que haya personajes femeninos protagonistas, que suelen ser mucho menos abundantes que los masculinos en las películas o series de guerra. El guión es espléndido, y no es para menos, pues el guionista, Stefan Kolditz, ha tardado 10 años en terminarlo. En cada uno de los tres capítulos podemos encontrar algunas perlas y frases lapidarias que son dignas de ser recordadas. Pocas licencias al sentimentalismo veo yo. En resumen, es una miniserie muy buena en todos los aspectos. Te deja con un sabor amargo pero quedas plenamente satisfecho.

¿Como describir los sentimientos que me produjo esta película la primera vez que la vi? Supongo que fue una mezcla entre extrañeza, emoción, fascinación...
He leído muchas de las malas críticas que ha recibido pero precisamente son los fallos que le ven los demás donde yo veo su maestría. He visto suficientes películas de Godard y suficientes películas de la Nouvelle vague para afirmar que, para mí, esta es la mejor de todas.

Veo maestría en los saltos en el tiempo, la soltura del cámara; en el montaje que, aunque muchos digan que se ha hecho sin ton ni son, es mentira, el montaje se realizó a la perfección, todo está donde debía estar; los diálogos son una delicia, nada de conversaciones super profundas y de una trascendencia divina, la gente normal no habla como John Wayne, la gente normal habla como Belmondo o Seberg, de forma muchísimo más natural y sin comentarios condescendientes y de gran sabiduría. Y esto me lleva a mencionar las maravillosas actuaciones de ambos, la película no habría sido la misma sin ellos. No me canso de ver a Belmondo pasándose el dedo por los labios...

Gracias Godard por habernos hecho disfrutar con este peliculón y por haberlo hecho a tu manera. El clasicismo y la perfección cinematográfica están muy bien, pero de vez en cuando apetece algo más desenfadado.

Es posible que muchos adjetivos puedan definir esta película, sin embargo el que mejor encaja y el que podría definirla completamente es asfixiante. El primer largometraje de Nemes se mete de lleno en la maquinaria de exterminio montada por los nazis durante la II Guerra Mundial. Por medio de un plano muy corto que va permanentemente siguiendo el rostro y la mirada de un solo personaje.

El protagonista no es otro que Saúl, un miembro de un Sonderkommando de Auschwitz. Los hombres que pertenecían a estos Sonderkommando vivían algo mejor que el resto de personas encerradas en los campos, pero a un alto precio. Ellos trabajaban sin descanso en las tareas más mortíferas, entre ellas: meter a la gente en las cámaras de gas, para después sacarlos, apilarlos y quemarlos. Las primeras escenas del film ponen los pelos de punta.

El director es inteligente y sabe que hay cosas que es mejor no mostrarlas de frente, así que juega continuamente con el fuera de campo. Nunca he visto un uso tan magistral de éste. Mientras la cámara sigue a Saúl, podemos oír, y para nuestra desgracia también podemos atisbar ciertas cosas de fondo, desenfocadas... Los hechos más atroces se intuyen, realmente no es necesario que enseñe más, sin embargo esos detalles que percibimos de fondo te martillean los sentidos. Sin duda, es una forma sutil de representar lo que no se debería mostrar.

En medio de esta vorágine surge el empeño de Saúl de enterrar dignamente a un niño que encuentra en una de las cámaras de gas en la que está trabajando. Su obsesión llega a enajenarle por completo, haciendo que cada vez arriesgue más su corta vida (los miembros de los Sonderkommando eran metidos en las cámaras tras tres o cuatro meses de trabajo).

Esta historia está además enmarcada en un contexto concreto muy interesante y que tuvo lugar en 1944. En primer lugar, la toma de unas fotografías por parte de un miembro de un Sonderkommando de Auschwitz-Birkenau. Estas fotos se conservan hoy en día y en ellas, entre otras cosas, se puede ver la quema de los cadáveres gaseados (escena que se recrea en el film). Por otra parte, está la rebelión de una de la unidad de trabajo del Crematorio 4, que ante la inminencia de su propia muerte, se amotinaron, atacaron a los SS, quemaron el crematorio y trataron de escapar (huelga decir que la mayoría no lo consiguió). Este hecho real sirve como hilo conductor de la película, unido a la obcecación de Saúl por enterrar al niño.

En resumen, llenaros de paciencia antes de verla, y si tenéis algo de estomago mejor también. En cualquier caso, este film es brutal. El actor Géza Röhrig (Saúl) aguanta ese primer plano agobiante francamente bien, y el uso de la cámara con ese plano super cerrado es la elección más acertada que se podría haber tomado en una película de estas características. Simplemente brillante.

Está basada en la novela homónima de Irene Nemirovsky, escritora ucraniana de origen judío que falleció en el campo de concentración de Auschwitz en 1942. De ella se ha tomado uno de los relatos de la historia, quizás el más bonito y triste de todos, y se le ha dado la forma idónea para convertirse en un buen drama romántico ambientado en la II Guerra Mundial.
La protagonista, Lucille (Michelle Williams), vive en un pueblecito francés, Bussy, con su temible suegra (Kristin Scott-Thomas) mientras su marido ha partido a la guerra. Sus vidas cambiaran cuando el ejercito alemán llegue por fin allí y deban alojar en su hogar a uno de los oficiales alemanes (Matthias Schoenaerts).

Esta historia de amor imposible (una más dentro de la larga lista de este tipo de cine ambientado en la II Guerra Mundial) no tiene muchos puntos criticables. Jamás resulta empalagosa ni excesiva, e incluso a veces queda relegada de la acción principal dando importancia a tramas secundarias, fruto del contexto. Las actuaciones de cada uno de los actores son fantásticas (las actrices secundarias son todas dignas compañeras de pantalla de los protagonistas). Por otra parte, está perfectamente filmada, quizás esto se deba al academicismo al que se ciñe. Sin embargo, este es un estilo que le va como un guante a este tipo de producción y más si tenemos en cuenta que es una producción de la BBC. La banda sonora es también uno de sus fuertes, dando un matiz elegante a esta hermosa producción.