Sangrienta introspección pro-feminista de acción y fantasía, en esta nueva adaptación libre de Sion Sono de la novela Riaru onigokko de Yusuke Yamada. Tan popular entre la juventud japonesa que ha habido desde un manga (posiblemente un anime) a una serie televisiva Riaru onigokko: The Origin (2013) y cinco películas: The Chasing World, las primeras dos dirigidas por Issei Shibata en el 2008 y 2010 y las otras 3 por Mari Asato en el 2012. Siendo precisamente la contribución de Sono aquel ensayo sobre la mujer en la sociedad japonesa, coaccionada por una figura masculina. Recordemos hoy en día Japón es uno de los países primermundistas con una mayor desigualdad en el rol hombre-mujer, en todos los aspectos, una tendencia apoyada desde el punto de vista cultural como gubernamental a manos del conservadurismo del Partido democrático liberal. Sí, sí, pero, no es una perorata aburrida la que nos ofrece Sono sino la manipulación del universo de Yamada para brindar esta lectura, cual metáfora, desde el punto de vista del surrealismo, la Comedia de terror y el J-Horror.

Con tan sólo unos minutos de inicio Tag nos introduce en descenso al agujero del conejo de la joven y dulce Mitsuko, cuando un día como cualquier otro todas sus compañeras de clase son asesinadas por el viento. Vendavales aguzados de tal forma que pueden partir en dos un autobús, los árboles o los cuerpos de las colegialas. ¿Pesadilla o realidad? Siendo la única sobreviviente Mitsuko huye de la escena zozobrando en lo que parece ser, ahora sí su vida. ¿Todo ha sido un sueño? Apenas comienza a disfrutar de lo que creía la realidad cuando la ruleta del destino vuelve a girar arrastrándola a otra vida, tiempo y espacio en donde la única constante es la locura y la muerte en su versión más violenta y sanguinaria. Sin embargo toda caída tiene un impacto así como siempre hay una luz al final del túnel, el desenlace de este fatídico juego es inevitable. Alegre, audaz y exagerada marcha direccionado su metraje con la transfiguración de Mitsuko en Keiko e Izumi. Un desprovisto que según transcurre da forma a sus objetivos develando su mensaje.

Podrá dejarte un tanto… indiferente el resultado final, Sono se esfuerza tanto en que no haya lecturas doble (desgraciadamente), pero resulta una agradable visión, con escenas fantásticas (la boda por ejemplo). De una factura técnica aceptable, haciendo de casi todas las muertes algo de disfrutar, y una caracterización de personajes acorde (hasta la sufrible expresión de somnolencia y dulzura de Mitsuko me terminó por convencer). Sobre la música… ¡me recordó tanto a una serie! que me molestó un poco porque no consigo recordar a cuál…

Es innegable el hecho de que estamos ante una versión más comercial de Sono, así como sobrada la manía de comparar el antes con el ahora… mejor recordar que comparar.

Un 2015 bastante productivo para Sion, ¿qué le depara el 2016? Tan sólo este año nos dio The whispering star, The virgin psychics, Shinjuku swan, Love and peace, y Minna! Esper dayo!: Bangai hen esper Miyako e iku. ¡Seis películas! ¡Y! un cortometraje para la antología Maddly. Espero una evolución a bien, después de mi favorita y delirante Why don't play in hell (2013), no puedo esperar otra cosa.

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Al igual que otros cortos, como The little white cloud that cried, comparte parcialmente la técnica (sonoro, surrealista, experimental) aunque desde un enfoque distinto y sin perder aquel menaje lujurioso, sugestivo, malsano, perverso, bizarro y enfermo (sí muchos adjetivos).
Lo que nos expone a través de montajes en un blanco y negro muy artístico, vintage, y el cúmulo de simbolismos que maneja es la relación de placer y tortura, desde una perspectiva… “ceremoniosamente perversa”, industrial, y a su vez de heroísmo épico.

Maddin lo realiza para la serie Urban Screens, dentro del Festival de Cine de Rotterdam (ideal para realizadores independientes). Dicha serie se dedicaba a proyectar cortometrajes y videos surrealistas sobre las fachadas de algunos antiguos edificios.

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A veces sentimos que la desigualdad entre hombres y mujeres “no es tanta”, hasta mirar hacía el resto del mundo: Zimbabue, Tanzania, Uganda, Turquía… etc. El país que aquí nos compete es Indonesia, un país en el que hasta el 2017 ve la primera marcha de mujeres exigiendo al gobierno nacional justicia, la abolición de las leyes y políticas discriminatorias, un alto a la intromisión del estado en su cuerpo (por ejemplo, la prueba de virginidad a las aspirantes a la milicia, vigente aún día) y a la privación económica y financiera.

Mujeres, sobreviviendo en la actualidad y en la historia, en la vida y en el cine. Insumisas e indómitas, negadas a convertirse en víctimas y dispuestas a tomar un arma para defenderse. Así es el western que ha hecho de las mujeres sus protagonistas… Pocos títulos se me vienen a la mente… por ahí si buscas en google western femenino aparecerán películas de los 50’s y 60’s como Bullwhip (1958), Las 7 magníficas (1966) o Duel in the sun (1946), lo cual es inadecuado (no porque haya una mujer decorando la pantalla con su picardía, gracia y escotes, será femenino); creo que lo más cercano a ello sería algo como Brimstone (2016) y por supuesto, Marlina the Murderer in Four Acts, el segundo largometraje de Mouly Surya. SIn olvidar un par de intentos “fallidos” como Jane Got a Gun (2015) y la serie de Netflix Godless (2017).

Coproducción entre Indonesia, Francia, Malasia y Tailandia, Marlina, la asesina en cuatro actos, no es el típico rape and revenge, sino más bien, una diatriba hacia el patriarcado indonesio qué más allá de las tecnologías de comunicación y las leyes, hoy día sigue despojando a las mujeres, dejándolas a merced de la violencia y discriminación, así mismo es una crítica a su propia cultura y la visión que tiene la mujer indonesia de sí misma; ello, a través del western más artístico con un toque tarantiniano. Una propuesta cinematográfica interesante y una variante al género dominante por ahora en Indonesia, el de artes marciales cargado de testosterona (The Raid I y II, Headshot o The Night Comes for Us).

Lejos de los rascacielos de la enorme capital de Indonesia, Yakarta, Surya nos lleva a la isla de Sumba en donde conoceremos a Marlina y seremos testigos, de un golpe de injusticia (seguramente no el único) en su vida, cuando aparece en pantalla Markus, invitándose a sí mismo a su casa y anunciando con tranquilidad que en unas horas llegaran el resto de sus hombres para robar su ganado, su dinero y si tienen tiempo, poseerla, que se considere afortunada, pues tendrá la fortuna de ser violada por 7 hombres… así que, debe de apresurarse, la cena deberá estar lista para su llegada. Es el primer acto, El Robo, plegado de tensión y por su puesto de violencia, en donde el derramamiento de sangre será satisfactorio.

Da inicio el segundo acto, El Viaje, el éxodo de Marlina quien cabalgará con la cabeza decapitada de su atacante a la estación de policía. Perseguida por su fantasma y los sobrevivientes de la matanza. Su viaje se verá enriquecido por un grupo de personajes que en conjunto nos acercarán a su cultura, la postura femenina nacida para complacer al hombre, y su frialdad ante la violencia (poco se asombran de ver a Marlina cargando una cabeza). Continuando con el tercer acto, La Confesión, lleno de desesperanza e indiferencia, para dar paso al cuarto acto, El Nacimiento. Férreo y hosco, culminará su alumbramiento en un derramamiento más de sangre.

Quizá después del primer acto el espectador espere un ritmo más ágil, más ficticio, más violento, más emocionante. No es el objetivo de Surya. Aun así, su ritmo parsimonioso es a mí gusto, el ideal, y a su vez, aquel que le da fuerza a la historia, y es muy tolerable al estar dividido en cuatro actos, además de que el metraje no supera la hora con treinta minutos. El diseño de producción y la fotografía son exquisitos, arrojándonos hermosas panorámicas y composiciones de luz y color, contrastando así la belleza isleña con la personalidad agreste y apagada de sus habitantes. Otro par de grandes aciertos, el misticismo de su banda sonora, y la actuación de todos y cada uno de sus personajes, por insignificante que sea su papel. ¿Podría ser mejor? Seguro... tal vez le hubiese convenido ser un poco menos mesurada.

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A Special Lady es el debut cinematográfico de An-kyu Lee, quien hasta entonces sólo había asistido en la dirección a Jee-woon Kim en The Good, the Bad, the Weird (2008). Ganadora al premio Mejor Película Asíatica en el Festival de Sitges 2017, A Special Lady es un agradable thriller criminal… mucho menos contundente de lo que yo esperaba, pero entretenido y bien construido.

A dos años de su participación en Coin Locker Girl (2015) de Han Jun-hee, Hye-su Kim vuelve a personificar a una mujer protagonista del mundo criminal. No obstante, mientras aquel filme resultaba intenso y plegado de suspenso, A Special Lady camina sin muchos deseos de innovar un género que en ratos luce cansado y bastante predecible.

En un género dominado por hombres, pocas son las veces que vemos a una mujer al mando, o casi al mando, de alguna mafia. Llegué a pensar que estaba ante la posibilidad, pero esa fracción melodramática le resta mucho poder a su personaje femenino y a todo el filme. Ciertamente decepcionante considerando el género y el inicio con que parte el filme: un hotel lleno de jóvenes prostitutas paseando sus hermosos cuerpos desnudos y aceitados, ello en un latente trasfondo de violencia criminal… pensé que el empoderamiento partía de otro lado, hacía Mi-ok... pero no es así. Y no quiero decir que el amor maternal le reste interés a estás mortales mujeres, no… basta con recordar y sin ir muy lejos a The villainess (2017) de Jung Byung-Gil. Por último, dentro de su factura técnica, la puesta en escena es estupenda, el ángulo de los disparos en interiores abarcando toda la habitación y su sempiterna oscuridad, así como las escenas nocturnas, ingredientes imprescindible en el cine neo-noir.

Un filme entretenido, más disfrutable si no esperas nada de él, pero al mismo tiempo bastante prescindible. Recomendable para quienes no estén habituados a estas películas, porque quienes ya alberguen en su memoria otros títulos de thrillers criminales surcoreanos, tal vez no la encuentren tan divertida, y si no has visto Coin Locker Girl aprovecho para recomendarla. ¡En fin! Buen de debut de An-kyu Lee, veamos que le depara el futuro.

En la Zona Spoiler dejo la sinopsis un poco más detallada (no es como tal un spoiler pero puede que no quieras leerle).

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Sumamente sombría y desmoralizadora, incluso para los estándares rusos, la tercera y última película de Yury Bykov apunta hacia una condición moral única ¿e ilusoria?, forjando mordazmente el retrato de un país (que bien podría ser el tuyo y el mío) en el que la corrupción y la codicia parecen ser los únicos valores compartidos.

Dima, es un plomero y jefe municipal de reparaciones en una ciudad rusa que a pesar de no tener ni siquiera 40 años de haber erigido sus edificios comunales, estos yacen en un grave estado de deterioro. Durante una inspección –una tubería estalló quemando a un hombre que casualmente golpeaba a su esposa– Dima descubre que el problema es mucho mayor, hallando entre otros indicios, una profunda grieta a ambos lados del edificio que va de los cimientos al noveno piso. Aunque no es su distrito el sentido de responsabilidad le despierta en medio de la noche, decidido hablar con sus subalternos y convencerlos de realizar una evacuación, según sus cálculos, el edificio se colapsará en menos de 24 horas sepultando vivos a más de sus 800 residentes.

Una odisea increíble de concebir para Dima: ¿En qué mundo estamos viviendo? Son personas, ¡Hagan algo! Impresionado contempla un sistema corrupto de pies a cabeza cuando irrumpiendo en la fiesta de cumpleaños de la alcaldesa consigue ganar la atención de los jefes de todos los departamentos. Un espectáculo grotesco. Justificaciones empapadas de vodka y acusaciones flagrantes cada vez más agresivas, evidencian a una clase dominante podrida hasta el núcleo. Preocupados por quién va a caer, en busca de un chivo expiatorio. El hecho de que la vida de más de 800 personas está en peligro parece ser sólo un accidente en una ecuación de malversación de fondos. Estoico, Dima, no deja de insistir, jugándose su carrera, su familia, su vida. Preocupado por ese complejo habitado por marginales, ignorantes, drogadictos, prostitutas, ladrones, por escoria en palabras de los altos jefes.

Genial. ¿No te recuerda un poquito a alguien, a otro ruso? Situado en la Rusia de mediados del siglo XIX El Idiota de Dostoyevski narra el descenso hacia la locura del príncipe Myshkin. Un joven hasta entonces ajeno a la podredumbre moral del mundo, compasivo y sumamente ingenuo, vaya, un idiota. Es… imposible no ver el paralelismo con El tonto de Bykov, por otro lado, mientras “The Fool” se acerca demoledoramente hacia su final, encontramos la antítesis perfecta a la novela de Dostoyevski. Pueden ambos idiotas ser ingenuos y moralmente excelsos, pero uno lo es circunstancial y otro por elección. Difiriendo así de Dostoyevski quien insinúa en su novela que una vida virtuosa es imposible en nuestras condiciones, a menos que estés dispuesto a renunciar a la cordura. Por ende, desde Cristo hasta cualquier buen hombre, serían idiotas en nuestro mundo. Al príncipe Myshkin lo quebró el mundo. Dima, nuestro tonto en The Fool, es inquebrantable...

La historia de un tonto que se creyó un héroe… un filme pulsátil que parece barajear sus temas más de lo necesario pero conducido con inteligencia, acompañado oportunamente por la música compuesta por el propio Bykov y una paleta de colores propia de una noche urbana inhóspita. Llamativo el contraste de los marginales con la opulencia de la clase alta (me acordé tanto de los cerdos en La rebelión de la granja). El vituperio hacia esa era post-comunista… y un final magnifico.

Premiada en el Festival de Cine de Locarno a Mejor actor. Actualmente Bykov trabaja en su próxima película que anuncia ser un thriller acerca de un conjunto de obreros tomando medidas contra su jefe tras el cierre de la fábrica donde laboran. Ya veremos qué tal.

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