Es cierto que manipula, que juega con los sentimientos, pero ni mucho menos es complaciente; se trata en realidad de una exposición, casi de una radiografía minuciosa y trabajosamente elaborada de la jungla de asfalto, de la selva de neón. No deja indiferente. Más que bienvenida, inteligente; un relato hondo, honesto, lúcido y potente. En un principio pueden parecer triviales los temas de que trata, pero en el fondo uno se da cuenta de que el film respira, quizás entrecortadamente, pero no deja ninguna duda de que es tremendamente humano.
Paul Haggis realiza un ejercicio deslumbrante de geometría y originalidad en el guión, y luego las historias cruzadas construyen un puzle preciso realizado por un montador que ya quisieran algunos.
Conmovedora con altibajos. Desgraciadamente peca de algunos momentos demasiado convencinales y algún tópico chirriante que contrasta, pero que no llegan ha ahogar el resto de la pelicula, con todo el metraje restante que goza de una originalidad y una inteligencia desbordantes. En definitiva, se trata de una grandísima película, de una narración coral trágica, sorprendente desde el primer minuto y desesperanzadora. Una recomendación férreamente segura y, como dijo alguien alguna vez, "digna de ver y recordar". Por las irregularidades, no tan nimias por otra parte, le doy un nueve.

Amanece un martes 6 de noviembre y yo tengo tres películas por delante.
Los días en los que las lagunas temporales entre película y película se dilataban mucho creo recordar que veía algún documental para matar el tiempo muerto, pero este no fue uno de esos días.
A las 16:00 tengo Ópium: Egy Elmebeteg Nö Naplója (Opium: Diary of a Madwoman), largometraje del húngaro János Szász, director de una de las aclamadas versiones de la obra teatral Woyzeck. Interpretada aquella por el famoso actor danés Ulrich Thomsen y la guapa actriz noruega Kirsti Stubø (cuyo parecido con Natalie Portman es enigmático), quién ganó el Silver St. George a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Moscú por la interpretación de Gizella.
En la versión que nos pusieron, que no sé si sería la original (qué desfachatez de no ser este el caso), los actores principales antes citados, ambos de nacionalidades distintas, hablaban en inglés, si mi memoria no me falla; y todos los demás, húngaros, hablaban en su idioma natal y estaban doblados al inglés (y yo que iba con ganas de escuchar ese precioso idioma que es el húngaro…).
Se trata de una co-producción entre Hungría, Alemania y Estados Unidos, y se basa en los diarios reales del psiquiatra y escritor húngaro Géza Csáth (seudónimo de József Brenner). Amoral, adicto al opio y obsesionado con los escritos de Gizella, una paciente de 28 años que reside en la institución mental a la que Brenner llega a ejercer su profesión a principios del siglo XX.
La dirección, montaje e iluminación dejan al trasluz talento y audacia, pero nada de eso es suficiente para salvar un guión demasiado interesado en mostrar un dramatismo desgarrador, que llega a ser irritante debido al reiterado empleo de tétricas y melodramáticas escenas. Es tanta la tenaz obsesión por querer plagar la cinta de truculencia y sordidez que el resultado llega a verse gravemente ofuscado, independientemente de que la historia real resulte fascinante.

En cuanto a Al Otro Lado -película que tuvo comienzo a las 18:30, y la cual contó con la presencia en la sala del actor y protagonista del film Baki Davrak-, contenía una historia relativamente interesante, dirigida y resuelta con eficacia.
El guión, predecible salvo por leves toques de originalidad (como su estructura), dejaba una fuerte sensación de déjà vu a raíz de las historias entrelazadas y las casualidades a día de hoy ya bastante manidas.

Cabría mencionar, eso sí, las actuaciones de un digno plantel de actores.

Como conclusión, digamos que lo vi todo un poco blando, con una tensión dramática algo deficiente; como con cuidado de no ofender a nadie y denunciar al mismo tiempo.

Poco más realmente. No encontré nada sublime, nada excepcional en toda la película. Eficacia, más que nada (bueno, tal vez algo más), pero eso nunca es suficiente…
(Sigue en spoiler por falta de espacio).

No sólo me gusta Béla Tarr. Y últimamente estoy muy interesado en el anime; en lo que éste género puede ofrecernos, ya que dada su libertad a la hora de crear, la experimentación y la indagación en el lenguaje cinematográfico está servida. Y bueno, también es cierto que soy muy ecléctico en el cine, no como me ocurre por ejemplo en la literatura (siempre leo las mismas cosas); menos el melodrama y las películas de época y romances ñoños me gusta todo. Y el cine comercial es a veces un desahogo, y tan necesario como el cine de serie B zafio, las películas contemplativas o los diálogos pedantes de los franceses...
Y sí, quizá peque de sentir debilidad por todo tipo de cine, pero qué le vamos a hacer.
Entonces, lo que yo busco al ver estas pelis, no le pidamos peras al olmo, es gran espectáculo, que digas "¡qué pasada!" y te quedes con la boca abierta, como nos ocurrió a todos con Matrix. Yo no pido un argumento coherente, unos personajes profundos, para todo eso existe otro tipo de cine.
Táchenla de maniquea, de estúpida, de lo que sea, pero yo me lo pasé de puta madre viéndola; no sé, quizás sea demasiado poco exigente.
La estética es tan impactante y tan sublime que sobrecoge; la acción, que en éste caso no es lo más importante, está muy bien. Tiene ciertas reminiscencias con Ghost In The Shell, pero en casi nada se parece su estilo y su temática. Obviamente, tiene un guión sin pies ni cabeza (en verdad no tanto), pero ¿quién se enteró de algo en "Silent Hill", o, sobretodo, en "Ghost In The Shell: Innocence"?; pero ¿a quién no se le llenó el espíritu de emoción al contemplar aquella cabalgata mística al final de ésta?
Una cosa que me gusta, y que aquí encaja soberbiamente, es la incorporación del 3D, de las imágenes generadas por ordenador, al anime tradicional. El Estudio Gonzo lo hace muy bien, a Enki Bilal no le queda tan mágico, pero son otros medios. Aquí queda fabuloso.
No se la pierdan aquellos buscadores de sensaciones nuevas.

Como ya comenté en su correspondiente crónica, Andalucía se presentó como una película tan llamativa como irregular. Tiene habilidades en el guión y en la dirección, pero a medida que avanza la estructura se desmadra y va perdiendo ritmo hacia un final fuera de tono.
Destacar la actuación de Samir Guesmi, que lleva el peso de todo el film con aplomo y carácter.

Quiero aprovechar este espacio, comentada la película, para hacer un breve balance y dejar una impresión personal sobre mis vivencias en esta última 4ª edición de 2007 del Sevilla Festival de Cine 100% Europeo.
A nivel global fue un gran festival, con multitud de variadas e interesantes propuestas, multitud de sugestivos cineastas y multitud de cinematografías.
Sobre todo, fue un festival sumamente enriquecedor y satisfactoriamente aprovechado, con 27 visionados, una media de 3 por día durante 9 de ellos. Comparado con el pasado año –donde mi desastrosa organización hizo que tuviera que ver muchas películas a medias por incompatibilidad horaria, y donde el cansancio y el sueño hicieron mella en un reguero de cabezadas durante varias proyecciones–, me organicé mucho mejor y acudí a las salas descansado, fresco y listo. Y el número y naturaleza de actividades y vivencias paralelas al visionado de películas fue también extraordinario.

Quiero destacar una de las experiencias del último día, que, como no tenía mucho que hacer hasta la proyección de Alondras en el Alambre a las 18:00, me saqué entradas para El Jardín de la Fantasía a las 16:00. Se trata de animación checa clásica, de la cual era un auténtico ignorante y había oído hablar maravillas, y como sabía que había animación en la sección Focus República Checa –la República Checa fue el país invitado al festival–, aproveché ese último día para ver algo.
“El Jardín de la Fantasía” era una selección de 5 obras (desde 1959 hasta 1981) de 60 minutos del maestro de la animación y las marionetas Bretislav Pojar. Algunos graciosos, otros mágicos, otros profundamente cautivadores… fascinantes a nivel global.

También mencionar el, como poco, curioso y mínimo “Homenaje a Jirí Menzel” que rindió el festival a la figura del realizador checo, con la proyección de tan sólo tres películas de su moderadamente extensa filmografía; las tres únicas, de hecho, que están editadas en DVD en España.
Fuera del homenaje, dentro de la Sección Oficial a concurso, también se encontraba su último film tras 12 años sin dirigir (exceptuando un cortometraje).

Al ser un festival recién nacido, la inexperiencia y demás dudosos atributos conllevan una inevitable falta de organización, sobre todo en lo que respecta a la información de las películas. Lo que empezó siendo una molestia, se convirtió pronto en una nueva manera de ver y descubrir cine.
(Sigue en spoiler por falta de espacio).

Una de las películas que había pensado ver tenía las entradas agotadas, así que el jueves 8 de noviembre de 2007 vi en su lugar dos documentales, de la serie, como comentaba en mi anterior crónica, “Cinéma, de Notre Temps”.

16:00 p.m.- Le Dinosaure et le Bébé, Dialogue en Huit Parties entre Fritz Lang et Jean-Luc Godard (El Dinosaurio y el Bebé, Diálogo en Ocho Partes entre Fritz Lang y Jean-Luc Godard): Entrevista de una hora de duración que le hizo Godard a Fritz Lang bajo la realización de André S. Labarthe. Data del año 67.
El título hace referencia a que por aquella época Godard era más o menos (o en comparación) un primerizo, y Lang un héroe consagrado del cine. Cuatro años antes Lang había actuado en el célebre film de Godard Le Mépris.
La entrevista muestra a un humilde Godard, antagonista y admirador de Fritz, y a un Lang retirado, bonachón y pedante (en el buen sentido). El cine clásico frente al cine moderno, uno moribundo y el otro vencedor, representado en dos figuras que dialogan sobre los avatares del celuloide. Una realización en blanco y negro atractiva para un documento sumamente interesante.

17:30 p.m.- Tarkovski, une Journée d’Andreï Arsenevitch (Tarkovski, un día de Andreï Arsenevitch): Documental realizado por Chris Marker (sobran las presentaciones) cuando Tarkovski se hallaba en el exilio en París, ya hospitalizado.
Comienza con la visita de parte de su familia (entre ellos su hijo Andriushka) al centro donde se encuentra hospitalizado. El encuentro madre-padre-hijo sirve como detonante de un viaje inquieto y personal por la obra de uno de los mayores visionarios de la historia del cine, incluyendo la elaboración del ya mítico plano-secuencia de Sacrificio, uno de los planos más complejos y difíciles de rodar que se han hecho.
El documental, revelador y deslumbrante, concluye con una anécdota enigmática: la primera película de Andrei (La Infancia de Iván) se abre con un plano de un árbol y un niño, y la última, Sacrificio, se cierra con un plano de un árbol y un viejo.

En ambas proyecciones contamos con la presencia del, digámoslo así, personaje medular de la crítica francesa y veterano combatiente del cine de autor (entre otras cosas), André S. Labarthe, creador, junto con Janine Bazin (viuda de André Bazin, co-fundador de Cahiers du Cinema), del proyecto “Cinéma, de Notre Temps”. Junto con André vinieron dos reputados productores de la cadena ARTE: Xavier Carniaux y Thierry Garrel, hermano del director Philippe Garrel.
Tras la proyección de “Tarkovski, une Journée d’Andreï Arsenevitch”, a la salida del cine, me acerqué a Labarthe, concluido con su sempiterno sombrero, le tendí mi mano y balbucí unas cuantas frases en francés, tras lo cual me despedí preguntándome qué diablos quería decirle y qué diablos le había dicho.
(Sigue en spoiler por falta de espacio).