1920, la primera Guerra Mundial acaba de poner punto final con la victoria aliada en boca de todo el mundo y un balance de 10 millones de hombres muertos. Son momentos de transición, de cambio, Estados Unidos debate sobre el derecho al voto de las mujeres. La trama se sitúa en Atlantic City, y comienza, en este capítulo piloto dirigido por Martin Scorsese, con la instauración de la ley seca. Una mala noticia para muchos, pero no para Nucky Thomson, tesorero de la ciudad, quien ya tenía previsto el negocio del siglo con el contrabando de este oro líquido que obviamente incrementaría su valor un 200%.
Muchas caras conocidas, tanto de los intérpretes, como de los interpretados. Empezando por el gran Steve Buscemi, que representa a Nucky Thomson (personaje basado en Enoch “Nucky” Johnson). Un actor al que ya poco le queda por demostrar, pero que sigue impresionando en todas sus apariciones. No es de extrañar que la prestigiosa revista Empire lo situara en el puesto 52 de las 100 mejores estrellas de cine de todos los tiempos. Michel Pitt, Kelly Mcdonald, Michael Shanon, Stephen Graham y alguna que otra cara conocida más interpretarán a lo más destacado del crimen organizado de toda la historia, entre los que encontraremos a “Arnold Rothstein, Al Capone, Lucky Luciano, John Torrio, Big Jim Colosimo…” Jefes de la mafia italo-americana, que comenzaron con este negocio dándole el aspecto poético que ha sido reflejado en varias películas, y que parece haberse perdido en los años posteriores.
La estética audio-visual de la serie, ya se deja ver en su cabecera, que como ya sucede con otras series de la misma cadena televisiva (HBO), como The Sopranos, The Wire o Six feet under, es francamente una obra de arte en sí misma. La banda The Brian Jonestown Massacre será la encargada de puntear los primeros acordes de cada capítulo con su Straight Up and Down. Una vez ha empezado, continúa esa estética tan atractiva con trajes de gala, Rolls Royce, relojes de cuerda y Cabarets, que contrastan con los barrios pobres de idéntica estética “retro”, pero mucho menos glamurosos. Scorsese hace una presentación ejemplar de los personajes, y una contextualización sublime en el primer capítulo que da para poco más, pero que promete, y mucho. Tanto es así que me quedo con uno de los anuncios publicitarios que aparecen al final: “What Does The Future Hold For You”
El pasado 13 de diciembre se estrenó en nuestro país con un doblaje aceptable, y ya hay muchas críticas y comparaciones, sobre todo con la mencionada “Los Soprano”. Algunas de ellas se basan en que la temática mafiosa está ya demasiado trillada, pero me gustaría hacer hincapié en que el protagonista de la serie no es un mafioso, sino un político… Mejor retiro lo dicho. Pero si destacaré que no es una simple historia de mafia y tiros, sino que se centrará mucho más en la relación de los políticos con el contrabando en la sedienta Norte América.

Hablar del cine de Andrzej Wajda es hablar de un movimiento revolucionario. Catalogado como el padre del cine moderno polaco, es el creador de algunas de las más importantes obras del país. Su inconformismo lo llevó a convertirse en objetivo de censores durante mucho tiempo, adversidad que, por otro lado, no le impidió sortear la “tijera” en más de una ocasión, de lo que es claro ejemplo, Cenizas Y Diamantes.
Película que cierra la conocida como, trilogía de la guerra, iniciada con la ópera prima de Wajda, Generación, 1955, en la que se narra el inicio de la resistencia contra la ocupación nazi, y continuada en Kanal, 1957, que mostraba de qué manera se llevó a cabo esa resistencia.
Este último episodio marca un punto de inflexión al representar el límite entre dos épocas tan antagónicas como el final de la guerra y el principio del posterior cambio. Una etapa de transición, marcada por el caos y la desorientación de una población que se enfrenta a un duro proceso de reconstrucción. Precisamente la cinta transcurre entre el 8 de mayo de 1945, día de la rendición alemana, y el 9 de mayo, en el que la euforia de un principio de paz, da paso al terror por la entrada de un régimen opresor de inesperadas proporciones.
Adaptación de la novela homónima de Jerzy Andrzejewski que cuenta como dos miembros de un grupo ultranacionalista son reclutados para asesinar al secretario del comité del partido obrero polaco, tras un primer intento fallido que se saldó con la muerte de dos civiles, la pareja buscará completar su misión con la mayor eficiencia posible. Sólo la aparición de la bella Krystyna, hará que Maciek se plantee su futuro y el porqué de su lucha.
Maciek Chelmicki, genialmente interpretado por el que se convertiría de forma inmediata en todo un icono del cine, Zbigniew Cibulski, apodado como el James Dean polaco, no se imaginaba que esos consejos artísticos, que recibió del propio director para hacer su interpretación más desenfadada, como la estrella de Rebelde sin Causa, utilizando unas gafas de sol en todo momento, iban a causar semejante repercusión mediática. Unas gafas que como él mismo dice en el filme, “-Llevo gafas oscuras como recuerdo de mi amargo amor por la patria”, haciendo referencia a su participación en el Alzamiento de Varsovia, donde, él y su grupo, anduvieron por las alcantarillas de la capital polaca en su intento de atacar a los alemanes, hechos que se reflejan en la antes mencionada obra del realizador, Kanal.
Cibulski, al igual que su homólogo en Hollywood, murió muy joven en un trágico accidente de tren, hecho que condujo a Wajda a hacer un particular homenaje a su amigo con la película Wszystko na sprzedaz, 1969, traducida del inglés, ya que no tiene traducción oficial al español, como, Todo en venta.

Estéticamente la película consigue evolucionar con respecto a sus predecesoras, la narración de una historia que transcurre en apenas 24 horas, concentrando la mayor parte de la acción en una sola noche, así como la filmación en el interior del mismo hotel durante más de la mitad del metraje, infunden a la obra un atractivo teatral tan llamativo como eficazmente asfixiante. La fotografía en blanco y negro a cargo de Jerzy Wojcik, centrada en altos contrastes, claroscuros, contraluces y una profundidad de campo que, combinada con los planos picados y contrapicados y los travellings utilizados, otorgan al trabajo una belleza y potencia visual fuera de lo común, que alcanza su máximo esplendor en la simbólica escena de la iglesia, en la que la lectura de un poema de Cyprian Kamil Norwid, nos desvela el porqué del título.
Un ejercicio de cinematografía brillante que serviría como referencia para grandes obras del cine europeo como, La infancia de Iván, 1962 (Andrei Tarkovsky), creando una atmósfera visual bastante similar, o No matarás, 1988 (Krzysztof Kieslowski), con las similitudes interpretativas de su personaje principal; y sería un precedente para los principales directores que iniciarían a finales de los años cincuenta la Nouvelle Vague, como Godard y Resnais.

Si hubiese que definir visualmente qué es un plano secuencia, utilizaríamos como ejemplo la primera escena de Sed de Mal. Una genialidad artística de 3 minutos, que llegan a hacerse eternos, mientras la cámara sigue a una pareja que pasea tranquilamente por las calles de un pueblo fronterizo entre Méjico y Estados Unidos. Mientras tanto, un coche a punto de explosionar circula junto a ellos. La tensión se ve incrementada debido a que uno de los peatones es el propio Charton Heston.
El estreno en 1958 estuvo marcado por un corte de producción, que prácticamente dejó el trabajo original de Welles irreconocible. Por aquel entonces el director no gozaba de una popularidad profesional excesiva, por lo que la productora cortó y pegó nuevas escenas sobre lo que consideraban un film difícil de comprender. El resultado fue un completo fracaso. El director, al ver lo que habían hecho con su obra, escribió un extenso escrito dirigido a la productora Universal, en el que reclamaba la nueva realización del proyecto, respetando una serie de pautas que consideraba imprescindibles. Esta reedición fue estrenada en 1998 y está considerada como una de las más grandes películas de cine negro.
La trama enfrentará a dos reputados policías, cada uno de un lado diferente de la frontera, en la lucha por la verdad. Vargas, un joven y apasionado detective mejicano de inquebrantable moralidad, tendrá que vérselas con Quinlan, un amargado policía conocido por su mano dura y sus métodos poco ortodoxos, destrozado por el violento asesinato de su mujer, castigará con las técnicas de la vieja escuela a todo aquel que crea merecerlo.
Una sucesión de planos vanguardistas, bajo la lente de una cámara inquieta, no dejan de sorprendernos con los efectos de luz y contrastes, el uso de grúas y la proyección de sombras en las paredes para crear un ambiente claustrofóbico.
La guinda del pastel la pondrá Marlene Dietrich, apareciendo en 4 escenas fundamentales de la cinta, incluyendo un final en el que hace de juez frente a un hombre caído, un buen hombre, pero un mal policía.

El último fundido a negro, la película ha terminado pero yo permanezco en la butaca hasta que me doy cuenta que no queda nadie en la sala, y el acomodador me indica amablemente la salida. Hacía tiempo que un estreno de Hollywood no me dejaba esta sensación. Lo que pensaba iba a ser un baño de sangre a resultado ser una espectacular mezcla de géneros con un estilo delicado y cuidado hasta el más mínimo detalle. El director de la saga “Pusher” ha conseguido crear un ambiente de tensión y frialdad que le ha valido la palma de oro en Cannes. Brutal y poética, con un cierto aire a la ya comentada en esta web, “Oldboy”, se abre paso a golpe de martillo entre el mundo del motor de alta cilindrada.
Recaudando en su primera semana casi la totalidad de los costes de realización, esta cinta de género no dejará a nadie indiferente. Si bien es cierto que la violencia explícita de una o dos escenas, (que no más), pueda condenarla al rechazo de un elevado porcentaje de público.
Drive cuenta la historia de un doble de escenas peligrosas, pero que como el mismo dice, es un trabajo a tiempo parcial. Para ganarse un sobre sueldo, hace de chofer en algunos atracos. Todo cambiará un día al conocer a su nueva vecina, quién le hará plantearse su posición actual. Pero alejarse para siempre del mundo delictivo no va a ser tan fácil como él tenía pensado, así que tendrá que eliminar todos los obstáculos uno por uno. Con una estética similar a las películas de acción de los 70, el protagonista nos llevará a un ritmo trepidante por las calles de los ángeles. La música clásica y el uso de la cámara lenta en determinadas escenas, dan el toque personal que necesitaba y que la distingue de sus predecesoras.

Película independiente estrenada recientemente en muy pocos cines europeos, aunque ya proyectada en enero en Estados Unidos. La directora Irlandesa nos cuenta la estremecedora y verídica historia de Samira, una profesora que decidió aceptar un trabajo en el lugar inadecuado y en el momento equivocado.
Producida como película Irlandesa, rodada en Macedonia y Suiza, y contextualizando la historia en Serbia. Narra una de las caras más descorazonadoras de la guerra de Bosnia, la del lado de las mujeres, en concreto de las mujeres de apariencia agraciada, y más en concreto la de Samira, una mujer preciosa, cuya belleza será su desdicha, o su libertad. Una vez que los soldados serbios han tomado la pequeña aldea a la que la joven profesora acaba de llegar, disparan a todos los hombres y se llevan a las mujeres como esclavas. En una guerra atroz, llevada a cavo por animales, lo mejor que les puede pasar a estas mujeres es que las utilicen para trabajar en la cocina, o tareas domésticas. Pero para la guapa Samira tienen preparada otra misión. Desde el momento en que una puerta se abre a su espalda, la profesora ya es consciente del futuro que le aguarda. Será entonces cuando tenga que jugar sus cartas de la forma más astuta y fría posible.
La dureza de algunas escenas, la perspectiva desde que está abordada la película y la resolución de la misma, la condenaron a la crítica fácil de película demagógica. Pero solo una mujer podría dirigir esta película haciéndonos llegar semejante sensación de angustia. ¿Demagogia?, puede, para aquellos a los que la narración de cualquier desgracia les parece una treta para jugar con los sentimientos de las personas. Pero personalmente no creo que este sea el caso. Juanita se mete en la mente de la protagonista dando constancia de la imposibilidad de olvidar, y la dificultad de rehacer una nueva vida.
De momento no existe versión en español, la película se ha estrenado en todos los cines en versión original (Bosinio), con subtítulos.