Berlín, 1936. Sorowitsch es el rey de los falsificadores de moneda. Pronto es arrestado por los nazis y llevado a un campo de concentración donde es obligado a trabajar para ellos junto a otro grupo de falsificadores. Esto les supone un dilema moral ya que cooperar con sus verdugos prolongará la guerra y podría significar la victoria para los alemanes.
Con el Oscar bajo el brazo llega Los falsificadores, otra película más sobre el Holocausto, austriaca, basada en hechos reales -en la novela autobiográfica The Devil’s Workshop, de Adolf Burger-, sobre la Operación Bernhard. La lista de Schindler, El pianista, Valkyria... El tema del Holocausto ha dado grandes obras maestras, pero sobre todo, con corazón.
98 minutos que no se hacen cortos, que no son una lección de historia -según el propio director- , sino "cuestiones universales para un público contemporáneo". No hay grandes horrores, todo es sobrio y el acercamiento, respetuoso, buscando mostrar más matices más allá del blanco y el negro. El dilema, si merece la pena intentar salvarse uno mismo a toda costa echando por tierra todos tus principios o perder la vida cuando las oportunidades de sobrevivir son prácticamente nulas. Cuando la supervivencia es la clave, no hay ideales ni personalidad que valgan.
Stefan Ruzowitzky (con Tempo, Los herederos, Anatomía 1 y 2 (!!), All the Queen´s Men a sus espaldas) nos da una visión cercana y directa, y lejos de la grandiosidad hollywoodiense, se centra en los conflictos de los personajes, a costa de sacrificar una buena estructura narrativa, que en este caso queda un poco endeble, y de ganar previsibilidad. Mucha cámara en movimiento, primeros planos y zooms, en vez de los planos descriptivos y tranquilitos propios del género.
Lo mejor, las interpretaciones del semihéroe Sorowitsch (Karl Markovics) y de sus compañeros, aun teniendo personajes bastante desdibujados; y esa gran banda sonora, con las viejas grabaciones de ópera de Deutsche Grammphon, esa habanera, y los tangos a la armónica.
Al final, todo se reduce a sobrevivir. "No se consigue nada tratando a los seres humanos como si fuesen mierda, no es productivo. Es mucho más práctico tratar a la mierda como si fuesen seres humanos". De qué va Los falsificadores, de cómo el poder absoluto y absurdo sobre otro ser humano y el tenerlo a su merced hace sacar lo peor del verdugo... y de cómo el papel de víctima impotente deshumaniza la dignidad del hombre. De lo terrible que es hacer de la supervivencia un negocio.

Eddie Taylor es un delincuente de poca monta condenado tres veces pero acusado de un asesinato que no ha cometido. Decide entonces escapar de la cárcel, pero esta decisión y la fatalidad le cerrarán la posibilidad de seguir un camino recto en la sociedad, a pesar de contar con el apoyo de una mujer que le ama.
El destino es el dictador de este drama con clima de serie negra, en el que la fatalidad se cuelga del cuello de Henry Fonda, un presidiario a punto de demostrar su inocencia y sólo encuentra obstáculos en su camino. Aspirar a la integración, después de haber pagado por los delitos, no es fácil. Su rehabilitación resulta socialmente imposible, y se encamina a la tragedia arrastrando consigo a su novia.
Con un guión asombrosamente moderno de Towne y Baker, con aportes simbólicos –desde las manzanas que abren el filme (Adán y Eva) hasta la metáfora de las ranas-, es una engañosa intriga que se resuelve por la superposición de capas argumentales, cada una con entidad propia y a la vez inseparables.
Eddie y Joan. Henry y Sylvia. Juntos comparten un momento de felicidad, pero qué poco dura. A punto de consumarse la anunciada tragedia a lo Romeo y Julieta (las mencionadas ranas), el filme da un vuelco. Henry Fonda escapa de prisión... y no desvelaré más. Pero, lejos de acabar, el filme recién comienza para dar paso a una fuga a través del país en lo que será –aunque en el largo camino tendrán un niño- el definitivo reencuentro con su paraíso perdido, su destino fatal, liberador. La película va a por todas y en su desmesura flaquea hacia el último tercio, en esa huida a lo Bonnie & Clyde contada con una prisa que le resta verosimilitud, pero, aún así, se beneficia de la infalible dirección de Fritz Lang, que escribe poesía; Henry Fonda la recita. Estupenda fotografía de Leon Shamroy, que da a la luz y a la sombra categoría de personajes.
Desesperada y desgarrada, Fritz Lang no hace concesiones, ni siquiera al final. Henry Fonda nos proporciona uno de los rostros más inocentes que hayamos podido ver en la pantalla, intentando luchar contra los elementos, sin darse cuenta de que cuando uno lucha contra el mundo sólo puede perder. Nunca una película tan negra había resultado tan poética.

Cameron Crowe, director de la infravalorada Casi famosos y cronista de Rolling Stones debutó en 1989 con Un gran amor, meritoria, brillante e inteligente comedia romántica, juvenil y ochentera. El director, de merecido crédito gracias a Jerry Maguire y aun más merecido descrédito por encargarse de la versión americana de Abre los ojos o el reciente descalabro llamado Elizabethtown, sabía como hacer una buena comedia romántica. Lástima que después se le olvidara.
Es cierto que la historia no es precisamente un alarde de originalidad (perdedor-se-enamora-de-la-chica-más-lista-y-guapa-de-la-clase), y que está llena de tópicos. Pero si Un gran amor se diferencia en algo de sus congéneres de la década, es por utilizar gestos y silencios en lugar de palabras. O por reflejar las cosas cotidianas de la vida, aquellas simplicidades a las que más nos aferramos. Lo que podría parecer otra simple vuelta de tuerca al tema de la pareja despareja se convierte en una historia sensible, en la que no hay arquetipos sino gente de carne y hueso.
Ione Skye es Diane, la tradicional chica cautivadora que todas las chicas alguna vez hemos querido ser. Encantadora, coqueta, dulce, y lo mejor: tiene al protagonista colado por ella. John Cusack, tímido y torpón, pero, ¿cómo no enamorarse de ese chico que hace los mil y un esfuerzos por conquistarla? Lloyd Dobler está hecho un mar de líos, lo único que sabe es lo que no quiere hacer (estupenda la escena en la que expresa las infinitas maneras en las que no quiere vender ni procesar nada), y aunque diga que le gustaría probar suerte con el kickboxing, en el fondo entiende que las patadas no van a llevarlo muy lejos. Bueno, sí sabe algo más: quiere invitar a salir a Diane Court, que es inalcanzable. Y no precisamente por ser una despampanante rubia animadora y popular. John Mahoney (Frasier), severo padre e incipiente estafador, el principal escollo en la relación. Las amigas de Lloyd -como Lili Taylor- aportan el punto necesario de drama o de comedia, según conviene y avanza la película.
La película entera está repleta de momentos inolvidables. ¿Cómo olvidar esa escena en que él se ubica bajo la ventana de ella, sujetando uno de esos armatostes -las radios portátiles de esa época- sobre su cabeza, dedicándole In Your Eyes, de Peter Gabriel, a todo volumen? Las cosas que uno a esa edad cree que van a pasar…. “En tus ojos están la luz, la solución a todas las búsquedas” y que a pesar de irse siempre vuelve al lugar donde “tú estás”... Romeo y Julieta en estado puro.
Recordad la primera fotografía que se hacen juntos. El final de la fiesta, cuando la toma en sus brazos para que no pise los vidrios desperdigados por la calle. O las lecciones de coche. Lloyd es el hombre más paciente al momento de enseñarle a una mujer a conducir... de la historia. Aquella memorable frase: Ella me regaló un bolígrafo. Yo le dí mi corazón, y ella me regaló un bolígrafo.
Me falta espacio.

Walter Vale, un profesor universitario de Connecticut que viaja a Nueva York, se ve envuelto en la vida de una joven pareja inmigrante que descubre viviendo en su apartamento de Manhattan, un piso que apenas visita. Tarek, un músico sirio, y Zainab, su novia senegalesa, viven allí porque alguien les ha alquilado el apartamento, haciéndose pasar por el dueño.
The Visitor ha resultado ser toda una sorpresa para mí. Pocas veces he disfrutado tanto de una película de la que, curiosamente, no tenía ninguna información. Ni argumento, ni director, ni actores, ni premios ni nada. Una decisión espontánea, que desde los primeros fotogramas, las primeras notas de piano, me ha cautivado. No habría diferencias de haber sabido que el director es Thomas McCarthy, que ya hizo la pequeña joyita de "Vías cruzadas", que Richard Jenkins estuvo nominado al Oscar, que ha ganado el premio Independent Spirit Awards al mejor director... pero no habría tenido tanto encanto.
El verdadero mérito de The Visitor es tejer una historia profundamente humana de un argumento bastante tópico: el problema de la inmigración ilegal. Precisamente por no caer en la reivindicación política y social, Thomas McCarthy se centra en los personajes y poco a poco, deja que los vayamos conociendo, que les tomemos simpatía, que nos emocionemos con sus historias. Quizá la bandera de cine independiente le pese demasiado, pero no me importa.
Richard Jenkins compone con verdadero corazón un personaje estupendo: un profesor gris del que poco a poco vamos sabiendo cosas; su poca valía para el piano, una soledad que no siempre ha sido así, su hastío por la vida, y un buen corazón. Walter Vale encuentra en Tarek y Zainab la oportunidad para despertar, aun cuando parece fuera de lugar. Una relación en tres tiempos, como el ritmo del tambor. Me encanta el detalle de la música, de lo extravagante que resulta ver a un hombre blanco, maduro, tan típicamente americano, dejándose llevar en un mundo, una cultura, una etnia, totalmente opuesta.
“Muchas de las elecciones que llevan nuestra vida por un camino completamente diferentes son arbitrarias. Creo que ahí reside la magia de la vida, ¿no? Esto nos hace darnos cuenta de que, por mucho que pensemos que tenemos el control sobre nuestra suerte y nuestro destino, estamos equivocados". Exactamente.

Obra póstuma de John Huston (dirigida en silla de ruedas y bombona de oxígeno), adaptación de la historia corta de James Joyce "Los muertos", un relato que escapa del registro del aventurero director: familiar, intimista, con la particular atmósfera de 1904.

Porque lo mejor para despedirse del cine es hacer una película sobre los muertos… aunque todavía estén vivos. Lo sabía, y lo deja saber. A partir del material literario de partida, este relato se descubre como una reflexión sobre la existencia el alma en los objetos, en los sueños, en las palabras, en las imágenes, en los momentos en blanco, en las ilusiones perdidas, en definitiva, en los recuerdos.

Existen dos categorías de espectadores para esta película. El que se duerme, aburrido de una hora de gris costumbrismo decimonónico irlandés, aunque sea intimista y elegante. Y el que se emociona con un final intensísimo y poético, donde se aprecia que la línea que separa a los muertos de los vivos es muy tenue.

Su reparto, en su práctica totalidad irlandés da mayor autenticidad a está película. Actores que transmiten una melancolía y una reposada tristeza que se contagia. Un ambiente cándido, que se torna en desgarrador. El otoño de la vida, evocador y marchito. Ese etéreo aire de nostalgia que desprende cada imagen, cada diálogo… La créme del gafapastismo costumbrista. Triste, melancólica pero sentida, honesta, y una obra maestra. Al menos para mí.