Con el paso de los años, Brad Pitt se ha convertido en uno de los actores más reconocidos del “star system” de Hollywood. Películas como Babel, El Curioso Caso de Benjamin Button o Moneyball son ejemplos de la madurez alcanzada por este intérprete. Guerra Mundial Z es una película realizada para su lucimiento, pero en ningún momento vemos brillar a la estrella. Pitt entrega una actuación con el piloto automático, pese a sus esfuerzos con el castellano, que no veíamos desde Sr y Sra Smith en 2005. Ninguno de sus compañeros de reparto, la mayoría rostros televisivos, puede hacerle sombra en sus fugaces apariciones.

Pitt tampoco destaca en su vertiente como productor puesto que el resultado final,escasamente original, no pasa del aprobado raspado. Si además tenemos en cuenta la cantidad de problemas que ha sufrido Guerra Mundial Z hasta ver la luz (reescrituras de guión, rodaje de nuevas escenas, varios montajes,…) y el enfado de los fans del libro de Max Brooks por su escasa fidelidad, podemos afirmar que estamos ante un leve tropiezo en la solvente carrera del actor. La aparición fantasma de Matthew Fox, que en un primer momento tenía un papel vital con vistas a una futura secuela, son una buena muestra de los cambios que ha sufrido la cinta. Así que de una segunda parte ni hablamos.

Lo más original de Guerra Mundial Z es que es una película sobre zombis alérgica a la sangre. No podemos olvidar que estamos ante un “blockbuster” veraniego en busca de taquilla y ningún segmento del público puede quedar excluido. Si no fuera por un par de sustos que remueven en la butaca, hasta los niños podrían acudir a ver esta ”disneyana” propuesta zombi. Marc Forster, un director cada vez más plegado a las exigencias de Hollywood, es incapaz de otorgarle personalidad a la película. Lejos quedan obras como Monster’s Ball, Descubriendo Nunca Jamás o Más extraño que la ficción. A favor de la cinta hay que decir que no aburre y que tiene conseguidos momentos de tensión, aunque en el clímax un zombi se empeñe en transformar el rechinar de dientes en carcajadas.

La Noche Más Oscura, una de las películas más esperadas del año, ha llegado a las carteleras y no ha defraudado las expectativas. La nueva película de Kathryn Bigelow, ganadora del Oscar por En Tierra Hostil, retrata la caza de Osama Bin Laden por parte de la CIA desde el fatídico 11 de septiembre de 2001 hasta su muerte el 1 de mayo de 2011 a manos de un comando SEAL. Un tema controvertido que su directora ha abordado de la mejor manera posible, pese al inexplicable olvido de la Academia en las nominaciones a los Oscars.

Bigelow ha optado por el tono documental, narrando los hechos con objetividad y rigurosidad. Se agradece la falta de espectacularidad de la película, incluso durante el asalto final a la ‘guarida’ de Bin Laden, aunque le perjudique de cara al espectador que espere una ‘fantasmada’ estilo Michael Bay o una intriga a lo Homeland. La bandera norteamericana ondea lo justo y no se engrandece la labor de aquellos que acabaron con la vida del hombre más buscado.

Durante muchos años, Bigelow solo fue la esposa de James Cameron. Eso cambió cuando la Academia de Hollywood le concedió el Oscar en detrimento de Avatar. En La Noche Más Oscura esta ya veterana directora repite la receta utilizada en En Tierra Hostil cambiando el día a día de un artificiero por el de una espía. Su cine, siempre cargado de testosterona, ha encontrado su sitio con obras que mezclan con sabiduría potentes escenas de acción con historias a la altura.

Bigelow otorga el protagonismo absoluto a Jessica Chastain y la rodea de secundarios, entre los que sobresalen las apariciones de James Gandolfini y Mark Strong. La meteórica carrera de esta actriz, que ha encadenado obras como El Árbol de la Vida, Take Shelter o Criadas y Señoras, podría culminar con un Oscar. Jennifer Lawrence, Emmanuelle Riva, Quvenzhané Wallis o Naomi Watts serán sus grandes rivales. La evolución de su personaje merece, como mínimo, el aplauso.

La sociedad está en crisis y no solo en su vertiente económica, tal y como viene a demostrarnos El Profesor, la nueva película del director de American History X.Tony Kaye, realizador de una de las últimas obras maestras del siglo XX, regresa a los cines para analizar la actual situación de la educación desde una visión muy pesimista, quizás la única posible. Al igual que en su cinta más aclamada, Kaye utiliza un tono didáctico, en este caso cercano al documental, para mostrarnos la soledad del profesorado.

La película gira alrededor de Adrien Brody, un profesor sustituto que intenta aleccionar a un grupo de adolescentes sobre los parabienes de la literatura, una tarea frustrante en la mayoría de los casos, mientras recoge los escombros de su vida personal. El actor, ganador de un Oscar por el El Pianista, vuelve a demostrar su talento justo a tiempo tras encadenar varios proyectos de ínfima calidad comoManolete, Giallo o Predators. A Brody le acompañan un magnífico elenco de secundarios liderados por James Caan. También muestran su rostro Marcia GayHarden, Lucy Liu, Tim Blake Nelson y los televisivos Christina Hendricks (MadMen), Bryan Cranston (Breaking Bad) o William Petersen (CSI). El gran descubrimiento de El Profesor es la actriz Sami Gayle, que interpreta a una joven prostituta con reminiscencias de aquella Jodie Foster que paseaba por las calles de Nueva York en Taxi Driver.

La sociedad se desmorona empezando por uno de sus pilares más importantes, la educación. Para muchos profesores, dar clase se ha convertido en una lucha constante frente a alumnos con pocas ganas de aprender y padres despreocupados por la evolución de sus retoños. Numerosos directores han colocado el objetivo de sus cámaras en las aulas. Lejos queda la esperanzadora visión de Jean Renoir en Esta tierra es mía (1943) con Charles Laughton recitando ante sus atentos alumnos losartículos de la Declaración de los Derechos Humanos justo antes de ser detenido por los nazis. Incluso Rebelión en las aulas (James Clavell, 1968) parece ingenua al lado de obras más actuales como La Clase (2008), La Ola (2008) o la propia El Profesor(2011), alejadas de cualquier idealismo.

Asombrosa, espectacular, soberbia, genial, extraña, inquietante, enfermiza, obsesiva, compleja, morbosa, bizarra, angustiosa… Se podrían llenar hojas y hojas con adjetivos que le irían como anillo al dedo a la última obra de Darren Aronofsky. Pero no todo pueden ser parabienes para ‘Cisne negro’, que está lejos de la perfección que proclama su protagonista. Es una película desequilibrada, que levantará tantas pasiones como odios y no dejará a nadie indiferente. En definitiva, puro cine.

Aronofsky tras tomarse un respiro con ‘El Luchador’, una película clásica tanto en su forma como en su fondo, vuelve por sus fueros y da rienda suelta a su vertiente más efectista. El norteamericano es uno de los pocos directores capaces de hacer del defecto, una virtud. Pero un defecto, siempre será tal, aunque Aronofsky sepa disfrazarlo de virtud y no engañe a su público, que ya sabe como se las gasta. Los últimos minutos de ‘Requiém por un sueño’ conseguían removerte en la butaca y dejarte con mal cuerpo. En ‘Cisne negro’ repite la receta, firmando un final apoteósico heredero directo del exceso propio del director.

La ‘oscarizada’ Natalie Portman está extraordinaria en el papel de su vida y no desaprovecha la oportunidad, impregnando cada fotograma con sangre, sudor y lágrimas. La actriz entrega su cuerpo, su mente y su alma al personaje de Nina Sayers y baja con ella hasta los infiernos de una psique enferma, que solo encontrará una salida a esa espiral de autodestrucción. Mención especial merecen Mila Kunis, en un personaje cargado de erotismo y Vincent Casell que borda su papel interpretando al director del ballet, un motivador nato que empujará a su actriz principal a la locura. Además se agradece volver a ver a actrices que dejaron de encabezar los carteles hace muchos años, Winona Ryder y Barbara Hershey. La primera se mete en la piel de una estrella venida a menos, un papel con mucho de autobiográfico al igual que el de Mickey Rourke en ‘El Luchador’. Mientras que la dubitativa Lee de ‘Hannah y sus hermanas’ encarna a la castrante y posesiva madre de la protagonista.

La película muestra el lado oscuro del ballet, un mundo tan elitista como banal en el que la rivalidad, la envidia y el rencor están a la orden del día. La competencia entre bambalinas puede llegar a convertirse en algo grotesco, en contraste con la belleza que se brinda de cara al público. También es una película tremendamente fetichista, en la que los espejos adquieren vida propia reflejando la dualidad en la que se mueve Nina Sayers y algo tan aparentemente trivial como sus uñas, se convierten en algo malsano y desagradable. Ambos elementos se vuelven omnipresentes y ayudan a entrever el deterioro mental y físico de la protagonista, que al ritmo de Tchaikovski se va quebrando y transformando en aquello que tanto ansía, un cisne negro.

Así lo dirían los marcianitos rescatados de ‘El gaaaaancho’ en el Pizza Planet durante la primera parte de la genial trilogía dedicada a nuestros queridos ‘juguetes’. Tras ver la tercera parte, protagonizada como no por los ya inmortales Woody y Buzz, decidí realizar una crítica dedicada a todo el universo ‘Toy Story’ y ya de paso a sus creadores, los geniales estudios Pixar. Allá por 1995 llegaba a las pantallas de cine ‘Toy Story’, la primera película realizada en animación digital. La calidad del film fue tan enorme como su éxito en taquilla y pronto todos los estudios se olvidaron de la animación en 2D para pasarse al 3D que tan buenos resultados había dado. De esta manera la competencia se puso las pilas y surgieron maravillas como 'Shrek'.

Pero Pixar no se acomodó tras el éxito de 'Toy Story', sino que siguió trabajando para ofrecernos cada año una nueva película. Llegaron ‘Bichos’, ‘Toy Story 2’, ‘Monstruos S.A’, ‘Buscando a Nemo’, ‘Los Increíbles’, ‘Cars’, ‘Ratatouille’, ‘Wall-E’, ‘Up’ y ‘Toy Story 3’. Cada vez que acababa de ver estas películas, un comentario salía de mi boca: “Pixar ha tocado techo, no pueden hacer una película mejor” y año tras año conseguían cerrarme la boca creando obra maestra tras obra maestra. A todo esto le añadieron una serie de cortos acompañando al largo respectivo, como olvidar títulos como ‘Presto’, ‘Parcialmente Nublado’ o ‘Abducido’. Espero que la Academia de Hollywood se digne algún año de estos a premiar a alguna de las creaciones de Pixar con el galardón a la ‘Mejor Película’, porque el de ‘Mejor Película de Animación’ se les empezó a quedar pequeño hace ya muchos años. Dentro de un tiempo a los nacidos después de, pongamos 1985, se les pondrá el calificativo de ‘generación Pixar’ y será algo de lo que sentirse muy orgulloso.