Ya que con su ópera prima, 'Los seductores', Pascal Chaumeil consiguió un gran éxito de público, ha vuelto a contar en el guión, como en aquélla, con Laurent Zeitoun y Yoann Gromb y ha repetido en el género de la comedia romántica con su segundo largometraje para tratar de cautivar a la audiencia otra vez con una muy poco probable historia de amor. 'Llévame a la luna' es una amalgama de clichés del género en la que incluso el espectador menos avezado es capaz de averiguar su final desde el minuto uno.

Una joven dentista lleva diez años de perfecta relación con su guapísimo novio. Cuando deciden tener un bebé, llega el momento de pasar por el altar. ¿El problema? La novia le teme a una maldición familiar según la cual el segundo matrimonio es el definitivo ya que el primero siempre acaba en divorcio. Para romper con esta maldición, se irá a Copenhague a casarse y divorciarse en un tiempo récord. Pero en Dinamarca el chico no aparece y la desesperación hará que se tenga que casar con el primer pringado que encuentre, en este caso un bonachón escritor de guías turísticas. Esta relación imposible llevará a nuestra protagonista a Kenia y a Rusia, excusa empleada por Chaumeil para aglutinar todos los estereotipos posibles de ambos países. Porque eso es 'Llévame a la luna': una sucesión de tópico tras tópico sin ser esto tan negativo como pueda parecer ya que, en el fondo, es una simpática y ligera comedia de esas para ver sin muchas pretensiones en esta época estival.

Este segundo trabajo del galo Pascal Chaumeil, viene avalado por los mismos productores de la exitosa 'Intocable' y está protagonizado por Dany Boon, habitual del género ('Bienvenidos al Norte', 'Nada que declarar') y Diane Kruger, a quien podemos ver por primera vez en un papel cómico. Y se nota. No se le ve cómoda del todo en este rol. Además, entre ambos actores no existe mucha química. Ya no es sólo lo difícil que resulta creerse que una mujer guapísima llegue a sentir cariño por un hombre tan poco agraciado; es que los actores no conectan en los momentos románticos. Eso sí, es innegable la capacidad de Boon para hacer reír y caer en gracia y nos regala la escena más hilarante de toda la película cuando visita a Kruger en la consulta dental. Otra pega achacable a 'Llévame a la luna' es su incapacidad de emocionar y transmitir empatía en sus escasos momentos dramáticos que, aunque necesarios para el devenir de la historia, hacen a la película perder fuelle. Por suerte, son pocos. Además, hay una escena ciertamente ridícula visualmente por lo cantoso de los efectos especiales. Nos referimos a la del león a quien hacen frente en un safari por Kenia. El omitirla habría sido una estupenda opción ya que tampoco aporta demasiado a la historia en sí.

Sin embargo, teniendo en cuenta que es una de esas películas hechas para desconectar, en su conjunto, la sensación que deja es de haber pasado un rato ameno, encantador y liviano. El punto de partida estrambótico nos sumerge en una relación complicada e improbable entre dos almas distintas – una mujer fría y un hombre tierno – que termina con un resultado harto predecible. Así pues, podemos afirmar que 'Llévame a la luna' es una película muy recomendable para los amantes de las comedias románticas de manual puesto que funciona genial dentro de su género. Y es también una opción bastante llevadera para quienes van al cine y no saben por qué película decidirse.

En la medianoche del 14 de agosto de 1947 -ya día 15, en realidad- nacía La India libre, poniendo fin así a más de un siglo de colonialismo británico. En ese momento exacto, también nacieron Saleem, Shiva, Parvati y un montón de niños más, los “hijos de la medianoche”, destinados a vivir en un país lleno de esperanzas y con un futuro prometedor. Y, aunque nuestro protagonista es uno de esos niños, la película realmente se remonta 30 años antes, cuando sus abuelos se conocieron. Aquí llega ya uno de las principales pegas de la última película de Deepa Mehta: la abundancia de subtramas, que hacen largo, en exceso, el metraje.

Quizá le falta reducir más la novela en la que se basa. El propio autor, Salman Rushdie, es quien guioniza la película. Las 600 páginas de la obra literaria, quedan adaptadas en casi dos horas y media, como si el autor no hubiera sabido -o querido- condensar. Así, la narración fluctúa dando tumbos entre los múltiples acontecimientos importantes de la historia de India. Y en casi todos esos sucesos se ve implicado Saleem, el protagonista y narrador de la película: la guerra en Pakistán, las detenciones durante el estado de emergencia... Porque Saleem nació a la vez que la India libre. Él, desde su punto de vista y mediante una voz en off, nos cuenta la mayor parte de su vida, restándole ritmo a la película ya que eso da una sensación, de nuevo, de que no se supo plasmar bien la novela y parece más una película “leída” que una adaptación literaria.

Por otro lado, la visión de La India que nos ofrece Mehta, es agridulce. Se vale de unos escenarios coloridos, llenos de contrastes entre las clases sociales. De hecho, un punto clave en 'Hijos de la medianoche' es la poca tranquilidad del río de la vida, no sólo ya por los tumultos político-sociales que golpean este país exótico, si no por el devenir de Saleem quien, sin quererlo, robó la vida a un niño rico, Shiva. En su nacimiendo -e igual que ocurriera con la película de Chatiliez-, una enfermera cambió a los dos niños, de diferentes extractos sociales, para hacer así su revolución personal ante la situación del país. Los ricos serán los pobres y los pobres, ricos. Asimismo, el casting, procedente en su mayoría de las grandes producciones de Bollywood, está más que correcto.

Además, para escapar un poco de la podredumbre, se ha optado por impregnar al guión de un realismo mágico -ya presente en la novela-. Los “niños de la medianoche” poseen poderes mágicos que utilizan a lo largo del film, como algo normal, fundiéndose con la realidad sobre el nacimiento de una nueva nación. Pero que eso no sea un impedimento para imbuirse en esta búsqueda de la identidad personal, de las esperanzas y de los porqués de la existencia; no, el mayor impedimento para disfrutar completamente 'Hijos de la medianoche' es, sin duda, la ambición de Mehta al crear un proyecto tan grande sobre la evolución de La India libre vista a través de uno de sus supuestos valedores.

El noruego Petter Næss sorprendió en su país de origen hace poco más de una década con la taquillera 'Elling', su segunda película, que además fue nominada al óscar a mejor film extranjero. Ahora llega a las carteleras españolas con una inteligente historia sobre una extraña amistad en tiempos de guerra. Basada en un hecho real acontecido durante la Segunda Guerra Mundial, 'Perdidos en la nieve' narra las aventuras de cinco hombres – tres alemanes y dos británicos – que, tras derribarse mutuamente con sus bombarderos, se estrellan en las inhóspitas montañas nevadas de Noruega. La casualidad hace que ambas tripulaciones se tengan que refugiar en la misma cabaña. Para poder sobrevivir, los dos grupos son conscientes que deberán dejar de lado sus diferencias políticas y cooperar. Esta colaboración, al principio extremadamente hostil, irá evolucionando debido a las circunstancias hacia una relación cordial y de amistad verdadera.

Este argumento es muy similar al de otras películas no bélicas ambientadas en época de guerra. Sin lugar a dudas, nos recuerda a 'En tierra de nadie' o, sobre todo, a 'Infierno en el Pacífico' (sin el hándicap idiomático de esta última), con la evolución gradual en la actitud de los personajes hacia la aceptación tras la desconfianza inicial de estar atrapado con alguien del bando contrario. De hecho, hasta que los soldados británicos llegan a la cabaña, el espectador no es consciente al cien por cien de que la película está ambientada en plena Segunda Guerra Mundial. La escena inicial no nos mete de lleno en el caos de una guerra, simplemente nos muestra el avión caído del bando alemán y a sus tripulantes luchando por su supervivencia.

El verdadero teniente Horst Schopis (interpretado en la película por un magnífico Florian Lukas) habló con Næss antes de que éste realizara 'Perdidos en la nieve' contándole todos sus recuerdos sobre este hecho que marcó su vida. Suponemos que el director se tomó licencias dramáticas para hacer la historia más atractiva como por ejemplo las divertidas tomas cuando encuentran el alcohol o la preciosa escena con la aurora boreal de fondo mientras el artillero Smith (un des-Ronizado Rupert Grint) entona el 'Over the rainbow'. Y es que, aún estando rodada en su mayoría en interiores, la última película de Næss saca el máximo partido y belleza a los blancos extensos paisajes noruegos y a su naturaleza salvaje las contadas veces que el guión así lo permite.

Como ya apuntábamos arriba, la cabaña es el principal escenario y es el lugar donde se forjan las relaciones entre el quinteto protagonista. Los abundantes diálogos son fluidos y ahondan en la psicología de los personajes. La película funciona por la química entre el reparto; todos los actores consiguen conectar con el público haciendo más creíble su curiosa y atípica amistad. El humor, el drama y la tensión están presentes sin caer en lo absurdo ni en el exceso. Se nota que Næss tiene experiencia teatral y la intensidad en la película se mantiene gracias a su labor y al buen trabajo con los actores. Es sin duda en el plano interpretativo donde 'Perdidos en la nieve' destaca y por el cual merece la pena ir a verla.

“Una inmensa mayoría de mortales vive en desesperación callada. ¿Por qué hemos de afanarnos tanto por alcanzar el éxito? Si un ser no vibra al compás de sus semejantes, quizá es porque oye una música diferente. Debe seguir el ritmo que oiga, no importa cuál sea ni de dónde provenga”. Este fragmento es leído en voz alta por Cary (Jane Wyman) cuando están visitando a unos amigos de Ron (Rock Hudson). Pertenece a la obra 'Walden' del escritor Thoreau, alguien a quien Sirk admiraba. No es de extrañar, por tanto, que 'Sólo el cielo lo sabe' recoja la esencia de ese fragmento -aunque dentro de la película, esa escena de lectura, queda como impostada.

Nos encontramos ante un melodrama enfocado hacia mujeres de mediana edad, quienes se veían reflejadas en ese affaire de una mujer madura con un joven apuesto. Detrás del romance, se esconde una acertada crítica hacia la burguesía y las clases acomodadas, al conformismo y la insipidez de los años 50. El amor entre una viuda adinerada y un jardinero es objeto de burlas, malas caras y comentarios aviesos por parte de los amigos de ella. También los egoístas hijos de Cary, juegan un papel importante, impidiendo a su madre ser feliz.

Como manda la época, la música acompaña, subrayando y acentuando, casi burlescamente, las escenas de gran carga dramática, algo que ha quedado trasnochado en nuestros días. Sin embargo, en cuanto a nivel estético, la película es un prodigio y esta cursi historia de amor, adquiere más valor para los cinéfilos empedernidos. No hay más que fijarse en el tratamiento del color, cómo se mezcla éste con el argumento e influye en los estados de ánimo de los personajes o en la misma historia en sí. A destacar el momento en que los hijos le regalan a su madre un televisor (se decía, hace 60 años, que las televisiones servían para hacer compañía a las viudas) y cómo ella se ve reflejada en él, sóla, gris, abandonada. Sirk transmite en esa escena toda la desesperación de una mujer condenada por la sociedad.

Quizá el reparto también nos chirríe a día de hoy. Wyman, en teoría, interpreta a una viuda hermosa y Hudson a un galán. Ella no es lo que hoy consideramos una madura atractiva y él, deja mucho que desear como seductor, más allá de su físico. En el plano interpretativo, Wyman cumple con creces según se requiere: enamorada, melancólica, valiente, hundida; en cambio, Hudson, ofrece un retrato acartonado de su personaje.

'Sólo el cielo lo sabe' supone un retrato agrio de la alta sociedad hipócrita de mediados de los 50 que bien se podría extrapolar a nuestros días. Porque siempre hay cosas que no cambian... a pesar de la fuerza del amor.

En cuanto al final:

Hasta ahora, todo lo que he visto de Malick profundiza en las posibilidades artísticas que le ofrece el medio cinematográfico. En esta especie de docu-drama llamado "El nuevo mundo", Malick emplea una perspectiva subjetiva en donde la majestuosidad de los paisajes - y gracias también al acompañamiento de una bella música - , transmite sensaciones oníricas. En ese aspecto, Malick fue muy perfeccionista y sólo utilizaba tomas con gran fuerza visual y, a poder ser, rodadas con luz natural.

Y, hasta ahí, ninguna pega. Pero para mí, la película es "bonita" a costa de su historia. Como estudiante de filosofía que fue, el director aporta matices filosóficos y poéticos a su obra que la hacen discurrir por senderos de ritmos lentos y pausados, demasiado intelectuales para gran parte del público (entre los que me incluyo). Las voces en off, entre susurros, para plasmar los sentimientos de sus personajes crean una barrera entre ellos y el espectador. La historia de amor entre Pocahontas y el capitán Smith se difumina y se pierde entre los paisajes. Sobre todo si tenemos en cuenta la poca enjundia que le imprime Colin Farrell al capitán; el personaje le queda grande y parece perdido.

Como me suele ocurrir con Malick, le veo un genio para capturar la belleza única de los paisajes naturales pero me cuesta ir más allá del apartado visual por esa supeditación a lo artístico.