*La observación musical en un estudio

Uno de los legados que resalta el estrellato de la carrera de The Beatles es su participación en la cinematografía. Desde el rompimiento de reglas y protocolos para acariciar la libertad en A Hard Day´s Night (1964) hasta el surrealismo animado en Yellow Submarine (1968), Let it be (1970) representa su última participación.

Con el documental, el realizador Michael Lindsay- Hogg se deslinda del formato de entrevista y narraciones para observar la rutina de la banda en la grabación de su último disco, el título homónimo del relato.

El zoom a los instrumentos musicales, así como el close ups a los rostros de Paul, John, Ringo y George al tocarlos. Se muestran también discusiones en torno a las interpretaciones de sus canciones, resaltando su proceso creativo.

Aunado a ello, en Let it be se muestran las mediaciones que conlleva ensamblar una canción. En un punto de la grabación en un estudio, Paul y George hablan sobre cómo tocar la guitarra en una de las canciones. Por ello se entrevé el gusto por compartir música sin importar diferencias.

Así, el relato se apoya en close ups y en la técnica de “fly on the wall” para capturar la realidad de los Beatles en lo que sería su trabajo de despedida.

*La interacción del cuarteto de Liverpool en Let it be

Lindsay- Hogg prosigue en captar a la banda en el estudio de grabación. Algunos ejemplos son trabajos como el proceso de tocar la guitarra por parte de John, el canto de George, la batería de Ringo y la participación activa de Paul en el piano y estructuras de las melodías. Su convivencia muestra la alineación de sus personalidades, sus respectivos talentos en la creación de canciones y toques experimentales al tocar covers de canciones como Bésame mucho.

Además, el relato se presta en mostrar instancias más relajadas de sus personas, como la visita de Heather McCartney, hija de Paul y Linda Eastman, así como la convivencia estrecha de John y Yoko. Así reflejan pedazos mundanos que reflejan un poco de sus caracteres fuera de la atención mediática.

*Let it be en la azotea de un edificio londinense

El documental Let it be traza uno de los momentos más icónicos de la carrera de los Beatles: el improvisado concierto en el edificio Apple en Londres.

Del backstage a la actuación del quinteto, el relato entrecruza también a las canciones icónicas de la banda con panorámicas que observan a personas curiosas cercanas a la azotea.

Lindsay- Hogg pone énfasis a las personas curiosas que transitan por las calles, escuchando de forma fortuita el concierto inesperado. Por ello enfatiza en la fama de la banda y el alcance de la música sin importar ni el momento ni la ocasión.

*Conclusión

Let it be es un filme ameno de los Beatles que contempla a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

Además de ofrecer icónicos momentos en la historia de la música, muestra su última interacción como grupo, así como el proceso de la creatividad. Un documental clásico del género musical que goza de una remasterización estrenada en Disney Plus.

Escrito por Mariana Fernández

*Un exquisito documentalista de 94 años aún en activo

Frederick Wiseman es un acreditado productor de cine, guionista, profesor universitario, editor de cine y documentalista estadounidense de documentales desde 1963, tras su primera obra como productor “The Cool World”. Tras realizar numerosas obras audiovisuales termina a sus 93 años en 2023 su hasta ahora último documental titulado en España El gran menú. Su estilo se ha considerado frecuentemente “observacional” por basarse en el cine directo, aunque Wiseman ha dicho que no le gusta esta definición, puesto que para él cualquier montaje implica ya cierta subjetividad.

Desde su primer documental dirigido Titicut Follies, siempre ha sido director y productor de todos sus documentales, habitualmente distribuidos por Zipporah Films. El Festival Internacional de Cine de Venecia le otorgó en 2014 el León Dorado por su trayectoria cinematográfica y tres años después el Premio de la Crítica por su anterior documental “Ex Libris: The New York Public Library”.

Con El gran menú disecciona un reputado restaurante francés fundado hace ochenta y seis años por los abuelos de la familia Troisgros en la localidad de Roanne, al sur de París y norte de Lyon. El restaurante “Le Central” desde hace medio siglo está acreditado con tres estrellas Michelín, habiéndose trasladado recientemente desde su ubicación original junto a la estación de ferrocarril a un local cercano mucho más amplio de arquitectura moderna.

*Una larga saga de acreditados chefs franceses

El documental El gran menú desde el principio aborda ampliamente y con detalle todos los aspectos relacionados con el restaurante principal, pues la familia Troisgros a treinta kilómetros tiene un hotel rural y otro restaurante “La Colline du Colombier” que también es analizado en El gran menú. La dirección de fotografía de James Bishop elabora una gran imagen preciosista llena de colorido, comienza un minucioso retrato con la compra en el mercado local de las verduras, frutas, carnes y pescados para el restaurante.

El guion recoge los interesantes diálogos entre César, el nuevo jefe de cocina e hijo de Michel el chef de la tercera generación, con sus elegidos proveedores locales donde se ven las exigencias de calidad de los productos. Son reveladoras las secuencias sobre las reuniones de diseño y preparativos de los platos, donde participan padre e hijo junto al gerente del establecimiento.

*La comida es un idioma que nos habla

El gran menú no deja nada sin tocar en su exhaustivo recorrido por “Le Central”, desde la minuciosa elaboración de la carta, menús degustación y gran menú, el detallado montaje de las mesas, la selección y conservación de vinos en la bodega hasta llegar a la parte más extensa con la laboriosa preparación de la comida en la amplia cocina. El documental El gran menú se rodó en la primavera de 2022 siendo apreciable por la gran luminosidad que la cámara recoge especialmente en los entornos del restaurante principal. También está rodado en el segundo establecimiento gastronómico dirigido por el otro hijo Léo y el hotel que regenta la hija Marion, siendo la madre Marie Pierre quien se encarga de la decoración y supervisión de los locales.

La parte más intensa, minuciosa y sensorial es la observación del trabajo interior del restaurante en la preparación de cada plato por todo el equipo de cocina con sus elaboraciones de gran calidad. Aquí los planos y secuencias del realizador y también montador Frederick Wiseman se recrean con las creaciones artesanales magistrales de los alimentos. Es un auténtico festival audiovisual y casi olfativo la visión minuciosa que la cámara nos ofrece haciéndonos disfrutar. Desde la limpieza de las materias primas, el corte de los alimentos, su cocción y trabajo al fuego, el arte del emplatado y su servicio en mesas.

*Una visión desde todas las perspectivas

Complementaria es la perspectiva que El gran menú nos ofrece sobre el espontáneo, cordial y cuidado trato humano que el personal de sala tiene con los diferentes clientes en su trato individualizado. Es un trato cálido, instructivo y cercano a la vez, sean o no clientes habituales. El documental El gran menú es muy completo al darnos una visión desde todas las perspectivas, antes y después de la puesta en mesa. Aprendemos sobre aspectos enológicos, el maridaje de platos, la elaboración y degustación de quesos, el cuidado de las colmenas de abejas, la alimentación de ovejas y vacas, así como el cuidado ecológico de los campos donde pastan.

Tampoco se descuida la parte de las instalaciones desde la seleccionada compra de antigüedades para la decoración del hotel y los dos restaurantes, así como la parte de arquitectura de interiores. Al acabar de ver el documental deseamos disfrutar de su gran menú de degustación de seis platos denominado “Una libertad maravillosa”, porque como escribió Olena Braichenko en su libro Ucrania, “La comida es un idioma que nos habla”.

*Conclusión

El gran menú es un amplio, detallado y largo documental del director, montador y productor estadounidense Frederick Wiseman que nos ayuda a hacer una gran inmersión en un restaurante francés de cuatro generaciones con tres estrellas Michelín. Da una completa visión desde la historia de la familia hostelera, la compra de las mejores materias primas, diseño de platos, elaboración detallada, servicio de sala y trato con los clientes.

Un guion minucioso, cuidadas imágenes, montaje armonioso y detallado de secuencias, así como la amplia perspectiva del documental hacen que sea un disfrute verlo durante sus cuatro horas de duración.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*Inmersión en un paisaje imponente

El director Álvaro García-Capelo nos presenta Viento Sur, un drama-thriller que nos sumerge en un paisaje imponente y hermoso de la costa cantábrica. Con una atmósfera tensa y misteriosa, el director logra captar nuestra atención desde el inicio y nos sumerge en un juego de intriga y emociones.

*Actuaciones que convencen y conmueven

El reparto, encabezado por William Keen, María Fernández Ache, Aitor Merino, Marta Poveda y Dafne Keen, ofrece actuaciones excelentes, destacando especialmente la química entre Fernández Ache y Keen. Los personajes están bien desarrollados y sus interacciones se sienten realistas y creíbles, lo que nos permite empatizar con sus dilemas y decisiones.

*Cinematografía impresionante que transporta

La cinematografía es impresionante, con hermosas tomas de la costa cantábrica y el mar que nos sumergen en el entorno y contribuyen a la atmósfera del film. Cada cuadro es una obra de arte en sí misma, capturando la majestuosidad y la belleza del paisaje natural.

*Partitura que añade tensión y misterio

Aunque la partitura no se destaca especialmente, cumple su función al añadir tensión y misterio a las escenas clave. Su presencia sutil pero efectiva contribuye a la atmósfera general de Viento Sur, añadiendo capas de emoción y suspenso.

*Edición y ritmo que mantienen el interés

La edición y el ritmo son acertados, manteniendo el interés del espectador a lo largo de las más de dos horas de duración de la película. Aunque algunos pueden encontrar la trama predecible en ciertos momentos y la velocidad narrativa algo pausada, en general, Viento Sur logra mantenernos en vilo y no se siente excesivamente larga.

*Conclusiones

En conclusión, Viento Sur es un thriller emocional bien ejecutado que combina el suspense con el drama en un entorno visualmente cautivador. Ofrece una experiencia cinematográfica emocionante y recomendable para aquellos que disfrutan de historias intrigantes y paisajes impresionantes.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Malestar psicológico desde el inicio

Con La caja de cristal nos encontramos ante una obra de nivel. Se crea una sensación de malestar psicológico prácticamente desde el principio. Los ruidos del transporte de una oficina de cristal plegable que se introduce en un bloque de edificios ya son un buen presagio de molestias para los vecinos. Y éstos ya no salen de ese mal trago en toda la película.

Me ha gustado La caja de cristal, quizá porque, cuando no esperas mucho, aparece algo de calidad. Y esta peli la tiene, partiendo de la protagonista principal, Henrique Koch (Luise Heyer), un ama de casa que se convierte en los ojos del espectador, en la mirada del público, (parece que lo que ella piensa va en la dirección adecuada). Aunque, la verdad, tampoco sabemos nunca si sus sospechas suponen una certeza ni siquiera relativa.

De repente, lo que un viejo edificio puede tener de inconveniente se convierte en una cárcel en un día en el centro de Berlín. La policía valla el bloque y no permite salir a nadie, ni siquiera a Henrique, que tiene una entrevista de trabajo vital. Pero esto no es lo peor. Lo peor comienza precisamente entonces. Estar encerrado no es nada positivo para nadie.

El uso de la cámara con planos en los que puede verse el interior de los pisos ajenos, junto con la insistencia en mostrar escenas de reuniones de vecinos, es otra característica de La caja de cristal, que acentúa la idea de espionaje entre unos y otros.

*Problemas sociales y dramas personales con suspense in crescendo

Después de nuestro hogar, de nuestra familia, lo primero que nos encontramos en el mundo son nuestros vecinos. Y cuando nos dejan incomunicados en el edificio de la comunidad, y además es la policía, poco se puede argumentar para salir, así que te encuentras en contacto directo con aquellos, surgiendo los inevitables roces y malentendidos.

El administrador del edificio, el Sr. Johannes Horn (Félix Kramer), que es el que ha instalado la caja en el patio, moviendo los cubos de basura, de forma que a unos vecinos les llega mas el olor y las moscas que a otros, ya no es bien visto por sus inquilinos. De hecho, le lanzan un huevo a la chaqueta, así como si nadie hubiera sido, lo cuál es un aviso de que las cosas no van bien.

Para no desmenuzar más, diremos que esta mezcla de drama social, ya que se sospecha de forma generalizada que Horn quiere renovar el viejo edificio para venderlo a propietarios más pudientes, y los pequeños -o grandes- dramas personales de cada familia, junto con el clima claustrofóbico por el cerco de la policía, conforman un ambiente turbio y estresante, que va in crescendo y supone una atmósfera cargante, que le da fuerza a la película.

Las grandes grietas del edificio resquebrajan su seguridad, pero también la paciencia y la serenidad de los que viven allí. Todos empiezan a sacar lo peor de sí mismos, sembrando dudas en cada cual, llegando a situaciones tensas, violentas.

Lo único que conocen es que la policía está haciendo investigaciones. A partir de ahí, nada. O todo, todo lo que quieran pensar. Las distintas procedencias de los que viven en el edificio y la existencia de 3 pisos de propietarios turcos, incrementan los miedos y los prejuicios sociales.

*Conclusión

Muy recomendable película de la directora nacida en Turquía y afincada en Alemania Asli Özge, con una estupenda interpretación de Luise Heyer, en un thriller social y psicológico en el que sentirse encerrado en tu propio edificio puede sacar lo peor de ti (y de tus vecinos).

La directora demuestra una vez más ser una gran investigadora de la sociedad y de cómo los individuos funcionan en ella, como ya hizo en "Men on the Bridge" y en "All of a Sudden"

Escrito por Carmelo Gimeno

*Una odisea de amor y desilusión

Camino de la Suerte, dirigida por Jorge Alonso, nos sumerge en una historia de amor que destila nostalgia y melancolía en cada fotograma. Los protagonistas, Joaquín y Rosario, interpretados por Tito Valverde y María Jesús Sirvent, son dos almas marcadas por el tiempo y las desilusiones, quienes parecen haber abandonado la idea del amor en sus vidas. Sin embargo, el guion meticulosamente elaborado por Alonso nos invita a un viaje pausado pero lleno de matices, donde se reavivan sentimientos que yacían enterrados en lo más profundo del corazón.

*El encanto del guion: Una narrativa trágica y hermosa

El guion se erige como uno de los puntos más fuertes de Camino de la suerte. Cada diálogo, cada interacción entre los personajes, es una pieza de un rompecabezas que se ensambla cuidadosamente para revelar una historia de amor trágica y hermosa. La narrativa se desenvuelve con calma, sin prisas, permitiendo al espectador sumergirse en la vida de estos dos seres desgastados por la rutina y el paso de los años.

*El debut prometedor de Jorge Alonso como director

Jorge Alonso hace un debut prometedor en Camino de la suerte. Su enfoque en los detalles y la construcción de personajes demuestran su habilidad para tejer una historia conmovedora. La cinematografía contribuye a esta narrativa, capturando la belleza del entorno y los gestos más sutiles de los actores. Cada encuadre parece ser una ventana al mundo interior de los personajes.

*Actuaciones con muchos matices

Tito Valverde se destaca en su papel como Joaquín, mostrando una gama de emociones desde la resignación hasta la esperanza. Su actuación es emotiva y convincente, dándole vida a un personaje complejo. María Jesús Sirvent también hace un trabajo notable al interpretar a Rosario, aportando matices y vulnerabilidad al papel.

*Desafíos en el ritmo y la edición

Sin embargo, Camino de la suerte adolece en momentos de falta de dinamismo. Su ritmo pausado, aunque adecuado para la narrativa, podría volverse tedioso para algunos espectadores. Algunos momentos se sienten más largos de lo necesario, lo que podría haberse solucionado con una edición más ajustada.

*Conclusión

En conclusión, Camino de la suerte es una odisea cinematográfica que cautiva con su historia de amor trágica y sus actuaciones conmovedoras. Aunque enfrenta desafíos en términos de ritmo, su belleza estética y su profundidad emocional la convierten en una experiencia digna de ser explorada.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero