Acercarse al cine de Tony Gatlif es acercarse a la cultura gitana. Nadie como él nos enseña a ver al pueblo gitano con tanta pasión, con tanta fascinación. Y la música, siempre presente en sus largos, es otro personaje más.
En 'El extranjero loco', precisamente, la música es el punto de partida de la historia. Un 'gadjo' ('payo' en romaní) francés parte hacia Rumanía en la búsqueda de una cantante gitana a la cual sólo conoce por las cassettes de su padre. Una vez en Rumanía, topa con un grupo de gitanos a los que les pregunta por dicha cantante.
Y es en ese instante en el que surgen las primeras diferencias entre ambas etnias: las concernientes a las dificultades idiomáticas. A pesar de que el ‘gadjo’ no habla romaní ni los gitanos hablan francés, un viejo loco gitano acoge al galo como “su francés”. Se suceden unas cuantas escenas curiosas y graciosas puesto que los jóvenes del lugar se dedican a bromear con el pobre francés. La armonía en la mezcla de ambas culturas nace aquí, cuando los gitanos aceptan al payo como su igual, una vez superados los recelos iniciales. No en vano, los gitanos son tachados de ladronzuelos, de mentirosos, de sinvergüenzas por los payos, de ahí la desconfianza ante el extraño.
Poco a poco, también, surge el amor entre el extranjero -loco- y una muchacha gitana (que al principio odiaba al chico y se negaba a dirigirle la palabra), la única que habla francés de todo el pueblo, por lo que, parece, todas las adversidades quedan a un lado. Aunque aún la película sufrirá un punto de inflexión que dará que pensar.
La música, el amor, el amor por la música. Se podría decir que son los tres principales protagonistas de la película. Son la excusa que Gatlif utiliza para hacernos reflexionar sobre la riqueza en la diversidad de las personas. Somos muy distintos entre nosotros pero esos tres elementos nos unen.

Cuando una persona encuentra a su supuesta media naranja, ha de arriesgarse y luchar por conseguirla, por estar a su lado el resto de su vida. Este sería el principio básico para que toda relación pueda llegar a funcionar. No obstante, muchísimas veces asaltan las inseguridades, principalmente las propias, por el miedo al fracaso. El desencuentro amoroso es un tema muy recurrido en el mundo del cine y es el escogido por Álvaro Fernández Armero para presentar su historia.

'El columpio' se desarrolla en la estación desierta de un metro. Presenta a dos personajes principales que llevan todo el peso de la narración: una mujer (Ariadna Gil) en apariencia decidida, pero en el fondo una romántica; y un hombre (Coque Malla) con aspecto más bien tímido debido en gran parte a sus dudas. Entonces, sus voces en off, para hacer partícipes a los espectadores de las reflexiones de los actores, comienzan a hablar para mostrar los sentimientos de cada uno de ellos con respecto al otro. Así, se llega a una historia de amor no confeso, quizá de desamor, en la que ambos se dicen lo mucho que se aman con el pensamiento, sin que así ninguno llegue a saber la verdad. El amor, la pasión y el desenfreno ocultos unidos a la inseguridad, la indecisión y el miedo a mostrar, a ser queridos. Los primeros planos de las caras de los dos protagonistas con los que juega Fernández Armero, reflejan este cúmulo de emociones contrapuestas.

Un grupo de jóvenes que se va de viaje a una zona por la que, se dice, anda un asesino. Y es que, cuando una fórmula funciona, se explota hasta saturar al espectador, ya sea en forma de secuela o de precuela.
Nada nuevo nos aporta la tercera parte del slasher noruego 'Cold Prey'. Ni historia, ni muerte, ni personajes. Es una precuela en la que se cuenta un poco los orígenes de Gunnar, el psicópata asesino de las anteriores entregas. Sin embargo, no es nada que no se haya dicho ya en la primera y en la segunda parte, por tanto, son ridículos los esfuerzos de continuar con la saga. Desde mi punto de vista, las secuelas tienen sentido por dos motivos principales (no son únicos ni excluyentes): mostrar muertes a saco o, bien, comprender la psicología y las motivaciones del asesino. En este caso, 'Cold Prey 3' no nos proporciona diversión, angustia o terror. El tratamiento de la historia es muy superficial y la narración, fría. El bajón de nivel con respecto a las anteriores entregas es notable.
¿Que nos queda? Alguna que otra escena medio lograda entre los ríos y las montañas noruegas. Y un regustillo amargo porque atufa a que puede haber cuarta parte...

Más allá de una segunda parte o una continuación, Hatchet II es una prolongación de la primera parte pues comienza la historia justo donde se quedó su antecesora, por lo que ahora entiendo ese final tan atropellado de la primera entrega.
O sea, que desde el segundo uno, ya tenemos en pantalla al sádico y sanguinario Victor Crowley haciendo de las suyas.
No obstante, el adorable tío del hacha desaparecerá durante prácticamente todo el metraje (sólo se dejará ver otra vez hacia la media hora final de la película), dando paso a una especie de persecución muy light para acabar con él.
Casi sin querer, este tío de cara deformada se ha convertido en uno de mis asesinos cinematográficos favoritos.
Hachet II nos da exactamente lo mismo que su predecesora: humor cafre descafeinado y sangre y vísceras a montones; todo en el mismo nivel, ya que te ofrece la chicha en los primeros minutos, luego viene todo el parsimonioso desarrollo de la trama para que podamos comprender el origen del asesino y hasta la parte final no se vuelve a coger la "gracia".
Incluso me atrevería a decir que lo único rescatable del asunto es, precisamente, la hemoglobina en grandes dosis o lo curioso de algunas muertes porque, por ejemplo, los actores siguen siendo alumnos del 'retrete actors' y la historia en sí de original tiene poco.
También cabe destacar el cambio de personalidad de la protagonista que si bien en la primera película era una persona muy valiente y decidida, en esta pasa a ser una cobardica.
O sea, que Adam Green ha vuelto a hacer la misma película con el mismo resultado: una exposición de los hechos soporífera de 60 minutos con un final a lo grande, divertido, muy gamberro y, lo más importante, bien tintado de rojo.

Noah Baumbach, el guionista habitual de Wes Anderson, realiza esta excelente historia de dos hermanas unidas y separadas al mismo tiempo debido a sus caracteres tan dispares.
Por un lado, se nos presenta a Pauline (Jennifer Jason-Leigh), una mujer apunto de sentar la cabeza y casarse con un idiota (Jack Black). Adora a su hermana pero, a su vez, siente un odio infinito por ella.
Por otro lado, está Margot (Nicole Kidman), la protagonista absoluta de la película. Su personalidad es fría, fuerte, cruel. Parece que su mayor afición es hacer daño a sus seres queridos (su hijo, su marido, su hermana...) con sus actos despiadados o sus palabras despóticas y dominantes.
Ante este panorama, Baumbach describe la tormentosa relación de la familia, con momentos dulces, con momentos amargos. Destaca la tensión permanente entre los personajes y el odio latente entre ellos. También es positivo el toque tragicómico que adquiere la película en ciertas escenas para no hacer un dramón familiar. Sin embargo, a menudo queda muy absurdo y de vergüenza ajena.
Baumbach se introduce en la psicología femenina pero le falta un toque de profundidad, de tacto, y, sobre todo, de sencillez. En algunos tramos es prácticamente imposible seguir la trama porque el carcater de Margot es excesivamente críptico.