Creo, que esta película hay que valorarla por el tiempo que se realizó. Hace 77 años. Contiene algunas secuencias tan inquietantes, agudas, desasosegantes y mortíferas que la hacen innovadora e inmortal.
La secuencia del entierro, sencillamente magistral. Mi preferida.
El final y no desvelaré nada. Mantiene una frescura y unos planos: la ventana, los niños. Etc. Míticos y originales.
El ritmo es trepidante. No te deja respirar. Aportando continuas sorpresas. Y alicientes.
El suspense es digno de Hitchcock. No en vano lo cotejan con mucha frecuencia.
La historia, es diría, inaudita en aspectos como el desenfado y naturalidad con que toca el tema del aborto. O la infidelidad. Ser amantes de una noche. Insinua la Poligamia, casi, como una de las bellas Artes. Si lees entre líneas. En éste caso entre imágenes superpuestas.
La secuencia de la iglesia y el caos que produce. Impagable. Dosis de fino humor, sabiamente aliñado. Gusto por lo grotesco y hasta un puntín macabro.
Intriga, suspense, enredo, cine negro, melodrama, amplias dosis de humor y sarcasmo. Comedia costumbrista. crítica social. Estos y más elementos contiene éste desaforado híbrido, atemporal y olvidado.
Hicieron un remake, años después. Aceptable pero sin chispa. Dirigido por Otto Preminger. Aquí se titulo "Cartas envenenadas " 1951'. Muy inferior a la obra de Clouzot.
Ver sin esperar nada. Con ojos impolutos, puede conceder un mayor grado de disfrute, gozo y sorpresa.

Éste diálogo suelta el propio Melville, interpretando a un periodista, en el minuto 31', ilustra con precisión lo que es esta historia. De los 13 filmes que rodó, éste hace el numero 5. Y es el único en el que no sólo interviene, si no se concede el papel principal. Muy aconsejable ver en 'vos', pues continuamente van simultaneando Francés e Inglés en los diálogos.
La secuencia del estudio de grabación, " Capitol Records", de una elegancia y buen gusto impecables. Ya había encontrado su estilo aquí. Y para mí en el anterior, también. " Bob el jugador ".
La foto de los pechos sacada con pillería por su compañero de fatigas en el filme, auna gran plasticidad con sensualidad. Así como la secuencia del camerino. Desde luego el director de fotografía, Nicolas Hayer, realiza un trabajo Cum Laude. Tanto en interiores, como mostrando la noche Neoyorquina. Estas en el centro del huracán de la ciudad, eso pocas veces se tiene la extrema habilidad de conseguirse. Pocas películas habrán retratado la noche de la gran manzana como esta. Esas atmósferas jazzísticas. Hasta la historia parece un pretexto para ello.
El argumento es muy sencillo, no así el dilema moral que plantea:
Contar la verdad, o contar una media verdad o mentira manipulada, para salvar la reputación de un alto mandatario de la O.N.U. La paradoja, la verdad mancha el honor, La mentira lo salva.
Creo que infravalorada cinta de Melville. Mucho más notable de lo que en apariencia parece. Y es, ese otro tema que toca, el mundo de las apariencias. Del quedar bien. Lo hace con tal sencillez de recursos, que creo es uno de los motivos de su incomprensión. Cuándo para mí es precisamente otro de sus logros, la ausencia de pretenciosidad y cómo plantea la línea argumental sin rebuscamiento ninguno.
Para mí, un filme a valorar en su medida. Tampoco es sublime, pero sí tiene mucha más calidad, de la que suele otorgársele por parte de la crítica especializada.
Sigue un poco en Spoiler.

Sólido drama afectivo-social. Sin fisuras, siempre al grano, sin escatimar crudezas, ni caer en edulcoraciones que lo hiciesen más digerible.
Dosifica sabiamente:
Alegrías, penas, dureza, situaciones triviales, dramatismo; formando un conglomerado homogéneo de cotidianidad que transpira, suda humanidad.
La Italia de los 50'; una familia obrera y su entorno social, las pequeñas miserias y alegrías de cada día.
Rezuma Verdad, evita juzgar. Muestra unos hechos y sus consecuencias en una época determinada.
Grandes interpretaciones en un acertado blanco y negro. Pietro Germi dominaba el tempo narrativo como pocos. Es infrecuente en su filmografía que alargue una escena más de lo debido, la concisión narrativa e ir al meollo, a lo que importa era otro de sus puntos fuertes como cineasta.
Solía colaborar en los guiones.
Aparte de su consabida faceta como actor temperamental, de carácter. Un director mucho menos reconocido de lo que debería, aunque eso para mí, lo hace más grande.
P.D. No es ninguna adolescente, como se dice en la sinopsis de Filmaffinity.
Eso es un error, en un momento de la historia dicen su edad, 22 años.
Lo curioso es que era su verdadera edad también cuando rodó la película; Franca Bettoia, la que fuera cónyuge del mítico Ugo Tognazzi durante casi dos décadas, tuvieron una hija en común. Y aclarado esto. Pues a verla y Disfrutarla.

Pionera en tocar el tema de la heroína, junto. " El hombre del brazo de oro" que toca el tema dos años antes, aunque de manera más camuflada o abierta.

Aquí se centra en el tema de la destrucción familiar por el uso y abuso de la heroína.
Junta en un mismo momento temporal la vida de un padre, sus dos hijos y la mujer embarazada del yonki.
La carga dramática esta servida en forma de estallido por todas las cosas:
Rencores, anhelos, frustraciones, desengaños, ignorancias, Falta de comunicación, choque generacional, Etc.
Qué años de desconocimiento han ido forjando.

Hay que centrarse en el año 1957'. Cuando la heroína hacia estragos en el mundo del jazz.
Hay un momento que sale un bar y una orquesta tocando, por un instante flota Charlie Parker, en los fotogramas y no creo que sea casual.
La droga fue una lacra entre músicos, sobre todo del mundo del jazz.
Una década más tarde le llegaría el turno al rock.
Pero éste no es el tema, sólo el contexto.

Verla hoy día, puede parecer ingenua o melodramática, pero no es así, han pasado 60 años desde que se rodó.
El mundo ha cambiado casi como desde la edad media al siglo XX.
Internet, móviles, desencanto social y político, falta de utopías.
La realidad como un muro.
La mentira de la sociedad del bien estar, donde sus frutos son bien conocidos hoy.
Pues la experiencia del desarrollo social tiene sus ventajas y sus muchas alienaciones.
Soltado todo este discurso para visualizarla en esa época y contexto histórico. Me parece aún más valiosa.

Aparte de los méritos cinematográficos, algunos han quedado un poco obsoletos.
En el 59', emergía la nouvelle vague, poco después el free cinema, etc.
El cine ha sufrido grandes avances y magníficas transformaciones técnicas.
Aunque al final se trate de lo mismo contar una historia.

Fred Zinnemann, lo consiguió con creces.
Música, de B. Herrmann. El tratamiento es teatral, cuatro personajes y siete en total.
Densamente concentrada en tiempo y espacio, se desarrolla en dos días.

Desconozco el presupuesto, pero debió ser bajísimo y sin embargo, que gran rendimiento de actores y sabio aprovechamiento de lugares y situaciones.

El tema del padre ausente y la carente educación recibida por estos dos hijos y sequía emocional, flota a lo largo de la casi hora y media.
Realmente ese sería el verdadero tema de la película y elige la heroína como medio.

Los valores del padre son los ya caducos de una época que crecía apresurada hacia lo que hoy conocemos.
En definitiva verla con ojos de los años cincuenta si eso es posible.
A buen entendedor pocas palabras basta.
P.D
En el mismo año se realizó "Monkey on my back" . Con un tema similar y una seductora Dianne Foster y un sufrido Cameron Mitchell. Dirigida por André De Toth. Recomendable.
Cambia la heroína por morfina, basada en una historia real.

El 'casco dorado', el peinado que lleva Simone Signoret, da título a este maravilloso retrato de una época.
El vestuario es realmente calcado, puedes oler los ácaros y notar los pliegues y arrugas en la ropa.
La caracterización de los personajes desde los peinados, afeitados, esos bigotes hacia arriba, la fajuela, los tirantes, etc, te transporta a principios de 1900'.
La galería de pequeños personajes deja un poso compacto, un todo que auna circularmente la historia.
Desde pequeños burgueses, maleantes, trepas, artesanos, señorones, busconas, pillastres.
'El magnetismo que destila Simone Signoret, pocas veces he presenciado en una pantalla, devora la cámara.
La secuencia inicial en el café- bar, cuando se conocen, hay 2 primeros planos de ella, diábolicos en su seducción y capacidad de fotogenia sin igual, la película está plagada de ese hechizo animal'.
Las calles, farolas, carruajes, emanan la bella nostalgia de un momento histórico que capta en un estilo sencillo, realista, romántico, con ese naturalismo de Zola.
La historia rezuma humanidad, con personajes creíbles, humildes, mostrando sus miserias y grandezas, la lucha cotidiana por sobrevivir. Y yo me emociono.
Las dos secuencias de baile demuestran una belleza de formas, puesta en escena, vestuario de época, diseño de producción y costumbres, que arañan la majestuosidad de la perfección y te sumergen en ese principio de siglo.
En ningún momento es pretencioso, ni argumentalmente ni en su desarrollo final, mantiene una progresión
dramática acorde con las situaciones.
El tono de la narración es vitalista con un deje de fatalidad, sin caer en lo ñoño entusiástico o en el detalle burdo y anecdótico
Hay unos cuantos planos y encuadres para la historia, me voy a quedar con uno:
"Enfoca desde el café- bar al escaparate y vemos a Marie, su amiga y Félix escudriñando el fiambre y a la bofia;
Visualizamos las letras del tugurio y sus rostros encima, es un cuadro fascinante, 'ver sin ser vistos', podría llamarse.
Hace un zoom despacio hasta enmarcar el rostro de la bella Marie y funde con un plano del cadáver boca abajo". Portentoso.
La escena de la pelea es fantástica, con un montaje muy eficaz consiguiendo dinamismo, verismo, dramatismo.
Los planos de cuando tiene agarrada la cara brutalmente, sujetándo la nariz que vaya arrancársela, de un realismo atroz.
Está trufada de momentos mágicos, escenas irrepetibles, un regalo para los sentidos.
Las tres apariciones de la anciana son jocosas y llenas de ternura.
De estas obras que al transcurrir del tiempo tienen más fuerza y su poder de seducción se acrecienta.
Enaltece la amistad como un valor supremo y defendible hasta la muerte y el amor.
Destacar la interpretación apabullante de Serge Reggiani en estado de gracia y del 'ladino' Claude Dauphin aunque todo el electo está magnífico.
De esas obras que hay que revisar, paladear cada tanto.
Vida en imágenes en movimiento eterno.
Jacques Becker, por la que nos ocupa y " Le trou "1960'. Su testamento fílmico, ya pasaría al panteón de destacados realizadores.
Su hijo Jean, continua la estela de su padre y francamente de manera notable.
P.D.
Dato curioso:
La gran Nina Simone, se puso Simone, a causa de la enorme impresión que le causó la película y por ende la interpretación de Simone Signoret.