Don Anselmo (Pepe Isbert), un jubilado madrileño, se obceca en la compra de un cochecito de paralíticos como los que tienen sus amigos para poder acompañarlos en sus tardes de divertimento. Para obtenerlo llevará al límite la convivencia con su propia familia.

“El cochecito” es la segunda colaboración entre el director italiano Marco Ferreri y el gran novelista/guionista Rafael Azcona, después de la también conocida “El pisito”.

Ferreri adapta el relato del mismo Azcona "El paralítico" de la obra "Pobre, Paralítico y Muerto" y nos muestran una comedia trágica, deudora del neorrealismo. Una radiografía del costumbrismo de la España del Franquismo.

La película nos transporta a la vida de Don Anselmo interpretado maravillosamente por Pepe Isbert, película con un sutil y cáustico humor negro, la cual tuvo un final censurado que hizo perder toda la fuerza que si tenía con el final original (mucho más negro y maquiavélico)

Toda la película descansa en Pepe Isbert, aunque es muy coral (hay muchos personajes), lo cual conlleva que a ratos las conversaciones cruzadas aturullen y resulten algo cargantes.

La interpretación de Pepe Isbert nos recordará perfectamente al carácter cabezón, egocéntrico e incluso egoísta de muchos de nuestros abuelos, llevando la tensión familiar hasta donde ellos consideran.

La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Venecia de 1960. En la taquilla fue un sonoro fracaso, con los años se ha convertido en una película de culto.

-Texto realizado por 《 Grupo Salvaje 》 para Plano General

Las dos caras de la verdad (1996) es una película que destila el estilo Hollywood más puro de los años 90: crímenes misteriosos, abogados carismáticos, giros judiciales y la clásica estética de cine de tribunal. Con Richard Gere y un joven Edward Norton (en su impresionante debut) al frente, la película arranca con un planteamiento sólido y prometedor. Hay un asesinato, un acusado con un perfil complejo, y un abogado estrella dispuesto a todo por ganar. El ritmo es ágil, con buenas dosis de tensión y una ambientación muy reconocible para quienes crecimos con este tipo de thrillers.

Sin embargo, a medida que avanza, el guion empieza a perder claridad. Lo que en un inicio es una historia atractiva y bien estructurada, se va volviendo confusa, con decisiones narrativas que no terminan de sostenerse del todo. Aun así, el carisma de sus protagonistas y la factura general la hacen disfrutable. No es redonda, pero entretiene.

En los últimos días de la segunda guerra mundial, un grupo de jóvenes alemanes de un pequeño pueblo aleman, son reclutados a filas a través del Volkssturm. Sus vírgenes ideales y su enérgico ímpetu se darán de bruces con la realidad de la guerra.

El cineasta austríaco Bernhard Wiki (1919-2000) se consagró primero como actor para seguidamente hacerlo como director. “El puente” es su obra más reconocida internacionalmente por su calidad y su valiente carácter antibelicista con una férrea crítica a la educación de la Alemania Nazi.

El film se basa en la novela homónima de Gregor Dorfmeister, alias Manfred Gregor, y que, a su vez, se inspiró en un hecho real que en propias palabras de la película: "fue un hecho tan insignificante que ni salen en los partes de guerra".

Dividida en dos bloques. El primero se centra en un grupo de adolescentes alemanes enardecidos por la ideología nazi de sangre y honor. La vida semirrural de los chiquillos centroeuropeos supuraba inocencia al no saber la realidad cruel y despiadada de la guerra.

Poco a poco vamos conociéndolos en sus distintas situaciones personales. La interpretación de los chicos, a cargo mayoritariamente de actores con poca experiencia, es satisfactoria y loable.

En el segundo bloque la película se vuelve realista, cruda y amarga. Las secuencias bélicas son de gran valor cinematográfico, están construidas con un gran sentido de la fuerza de la imagen. La acción transcurre de noche y la factura de la película es notablemente tétrica, casi fantasmal. La fotografía es oscurísima, llevando hasta el extremo el estilo del expresionismo alemán.

El director usa la figura del puente casi como un personaje más. El puente se usa como elemento figurativo de la patria alemana y de sus ideales.

Una de las muchas versiones que ha visto el cine y la televisión de la novela de Charles Dickens "Grandes Esperanzas" fue ésta que nos atañe, realizada por el británico director David Lean en 1946, en los inicios de su dilatada carrera.

David Lean venía de haber realizado 2 grandes éxitos: “Breve encuentro” y “Un espíritu burlón” (ambas de 1945) y se zambulló en la aventura de adaptar esta obra, para posteriormente hacer lo propio con la novela “Oliver Twist” del mismo autor.

Captando los rasgos esenciales de la obra de Dickens consigue una película con entidad propia, personajes bien desarrollados, guion que funciona como agujas de reloj, buena ambientación y detalles visuales de calidad.

En la película sobresale el portentoso reparto de secundarios que arropan al protagonista, el cual, solo es un mero testigo del drama más que un componente directo.

-Texto realizado por 《 Grupo Salvaje 》 para Plano General

Wade Hunnicutt: “Hay que ser un hombre de una clase especial para dirigir todo esto. De los que pueden ir por ahí sin nada en los bolsillos, sin documentación porque todo el mundo sabe quién es. Sin dinero porque cualquiera del pueblo le prestará gustoso todo lo que necesite. Sin llaves porque no ha de poner cerraduras en lo que posee y sin reloj porque el tiempo le espera a él.”

El rico y mujeriego Wade Hunnicutt tomará las riendas de la educación de su hijo cuando ambos vean que la inocencia del adolescente no le llevará a ningún lado. A lo largo de los meses el joven descubrirá el pasado de su padre y pondrá patas arriba el ya de por si mermado núcleo familiar.

La mano maestra de Vincente Minnelli dota e inyecta de gran ritmo a este melodrama de época al estilo de los de Douglas Sirk, alejándose así de los musicales que tan buena fama le otorgaron.

La película es una adaptación de la novela de William Humphrey que a través de un excelente guion elaborado por Irving Ravetch y Harriet Frank Jr., un famoso matrimonio guionista, ensalza a la perfección la comprensión narrativa de la película.

Pese a ser una película de frases solemnes y grandilocuentes, y de un estilismo encorsetadamente clásico, muestra a su vez un retrato sublime de la idiosincrasia estadounidense de los años 50, tratando con gran profundidad temas como: la infidelidad, las relaciones paternofiliales, la soberbia y el miedo al futuro.

Gracias a la gran interpretación de los actores, en especial de un Robert Mitchum en su cima interpretativa, el film otorga al espectador un esbozo claro de los roles que tenían los padres, los hijos y las mujeres en la sociedad norteamericana de la época.