El joven realizador Guillaume Bureau acomete su primer largometraje abordando un drama romántico, con un punto de intriga, ambientado en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial.

Es de admirar la cautela de Bureau, consciente de estar ante su opera prima. Parece andar con un tiento prudente que, si bien resta viveza al guion, evita que éste caiga en el efectista y pedante preciosismo habitual en otros directores nóveles.

La historia avanza con cierta pesadez, pero también claridad y verismo (un poco desequilibrado con la aparición del Apolo). Le ayudan a desenvolverse unas acertadas localizaciones, una dirección artística brillante y los paisajes siempre evocadores del campo francés.

Los actores, pieza fundamental del film, interpretan con solvencia sus papeles, pero es quizá donde más se advierten las debilidades del guion. A pesar del que parece un buen trabajo actoral, es difícil empatizar con sus personajes, algo a priori contradictorio tratándose de un relato donde el amor pasional e incondicional traspasa todo el metraje.

Independientemente de estas carencias, Bureau también acierta concentrando su película en tan solo hora y media. Suficiente para disfrutar de un producto correcto sobre el amor, la identidad y los desastres de cualquier guerra.

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Dicen que las comparaciones son odiosas y, sin embargo, en ocasiones son inevitables. Al ver "Deep sea. Viaje a las profundidades" uno no puede impedir hallar evidentes parecidos con las producciones del Studio Ghibli. Estos se encuentran tanto en la dimensión fantástica del relato como en sus aproximaciones a otros títulos de la entidad, como "El viaje de Chihiro" o incluso "El castillo ambulante".

Tian Xiaopeng construye un film correcto, pero, a diferencia de las obras de la compañía de Miyazaki, bastante inferior. El viaje a las profundidades de Shenxiu sirve como motivo para realizar una incursión a la mente de la protagonista y acompañarla en una odisea de curación. Lo que parece un planteamiento sugerente peca de unos diálogos innecesariamente explícitos y un metraje desmesuradamente largo para lo que acaba contando. Así, la película se estanca en escenas sin mayor relevancia y se cierra con una resolución hiperexplicativa.

De todas maneras, cabe destacar que "Deep sea. Viaje a las profundidades" presenta una animación cuidada, cuyo trabajo a lo largo de siete años se nota en su depuración y esa combinación entre la tridimensionalidad y el trazo reminiscente a las acuarelas. Pese a excederse en el color y ser sobreestimulante en algunos puntos, da valor al conjunto.

Asimismo, tras sus puntos flojos, el largometraje se detiene ante problemáticas a las que atender, como el abandono infantil y la soledad o la culpa experimentada por los más pequeños. Paralelamente, deja algunos mensajes relevantes como la excesiva importancia que se le da al dinero en nuestra sociedad o la necesidad de buscar siempre un sentido a la existencia. Como dice el carismático Nan He en el desenlace: debemos buscar la luz y el color en la vida, no solo en los sueños.

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Marco La Via y Hanna Ladoul han comenzado una carrera como realizador tan lenta e irregular como imparable y prometedora. Su apuesta por el retrato de tres mujeres que encarnan otras tantas generaciones se presentaba tan firme que el mismo Martin Scorsese se ofreció como productor ejecutivo para el proyecto. La mezcla es curiosa y, desde luego, acertada. Una producción franco-belga, hablada en inglés y ambientada en Estados Unidos, que, junto a la diferencia de edad de los protagonistas, demuestra una vez más lo enriquecedor del diálogo intercultural e intergeneracional.

La historia no es ni original ni rompedora, pero su guion tiene la suficiente fuerza como para enganchar al público con su humana descripción de los personajes, los bellos paisajes y la inesperada intervención de las omnipresentes gallinas.

El film es una buena oportunidad para reflexionar sobre la familia, la enfermedad, las prioridades de la vida e incluso el difícil equilibrio entre capitalismo y ecologismo. Es interesante también, gracias al papel de Catherine Deneuve, cómo da una vuelta a las revolucionarias ideas de los 70, sus contradicciones y sus consecuencias, no siempre tan positivas como se pretendía o se presentaban.

Entre todo, es fundamental el acierto de los realizadores en la elección de Andrea Riseborough y Morgan Saylor. Su trabajo al lado de Deneuve no desmerece en absoluto y consiguen de "Aquellos maravillosos días" una película agradable de ver e interesante para comentar.

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El director mexicano Alejandro Monteverde continúa su trabajo cinematográfico impregnando de valores humanos las salas de cine y despertando en los espectadores la conciencia de no dejar que las injusticias pasadas y presentes pasen desapercibidas y nos acostumbremos a ellas. Lo hizo recientemente con "Sound of Freedom" y ahora nos lo muestra encarnado en una valiente mujer del siglo XIX, italiana emigrada a Nueva York, primera estadounidense canonizada y patrona de los inmigrantes.

La personalidad de Francesca Cabrini basta para crear una obra potente, entretenida e impactante. Monteverde, además, recrea perfectamente la atmósfera efervescente y contradictoria de una ciudad que crecía rápidamente pero cuyas calles, como se cita en el largometraje, “no estaban cubiertas de oro sino de los cadáveres de los niños inmigrantes”. La ciudad de un país construido por extranjeros en el que se desprecia constantemente a los italianos; la ciudad de los rascacielos donde los niños viven y mueren hacinados en cloacas. Con un gran vestuario y una dirección artística limitada pero, precisamente por ello, totalmente eficaz, nos es muy fácil acompañar a los protagonistas en su incansable actividad.

El film tiene muchos momentos emocionantes, el primero y el último sin ir más lejos, apoyados en un inteligente dominio de la iluminación y la planificación. A pesar de ello, el guion carece de fluidez alternando indiscriminadamente la calma y la precipitación y abusando de repeticiones. Tampoco tiene demasiada profundidad y, por momentos, los antagonistas parecen caricaturas al servicio de mensajes, especialmente el feminista, que tienen demasiado de soflamas.

Afortunadamente para el cine, y para la vida, estas limitaciones no desdicen en absoluto de la película ni del contenido por lo que "Una mujer italiana" sigue siendo una de los grandes estrenos de lo que llevamos de 2024.

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Andrea Jaurrieta presenta un drama desgarrador que es al mismo tiempo una historia de venganza: una vendetta que la protagonista busca acometer contra el hombre que le arruinó la vida completamente cuando ella no era más que una adolescente. El mismo hombre que ahora todo su pueblo adora.

La cinta narra el reencuentro de "Nina" con viejos amigos, conocidos y localizaciones. Sin embargo, Jaurrieta nos muestra que no es un acercamiento a la gente del pueblo, sino a sus oscuras memorias. De esta forma, a lo largo del film podemos ver numerosos flashbacks, que funcionan perfectamente y consiguen adentrar a la audiencia en el contexto y entender el comportamiento de la joven.

Para este proyecto, la directora ha colaborado con un reparto de renombre con actores de la talla de Darío Grandinetti (Concha de Plata al mejor actor en el Festival de San Sebastián 2018) y Patricia López Arnaiz (Goya a mejor actriz protagonista en 2021). Ambos realizan un trabajo sensacional desde matices distintos: ella transmitiendo el miedo y la sed de venganza con sus ojos y él evidenciando la frialdad y el carácter calculador.

Con todo, "Nina" no es un largometraje de fácil visionado. Hay algunas escenas que no son nada agradables, para ningún tipo de público. Por lo que el espectador debe de saber que quizá, al acabar la película, quedará con mal cuerpo o una especial repugnancia hacia alguno de los personajes. De todas maneras, en su crudeza, abre un espacio para reflexionar.

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