Tengo apuntada esta película desde hace muchísimo tiempo pero hasta hoy no habia podido verla.
El porque de su nota puede ser explicado con muchos argumentos:
-Porque es la primera cinta dirigida por Chaplin y en la que vuelve a enamorarnos con su capacidad innata de transmitir y emocionar al espectador.
-Porque el cine mudo es una rara avis en el siglo en el que vivimos pero tenia algo que le falta a muchas de las películas actuales. La expresividad a flor de piel que se conseguía sin decir ni una sola palabra y que todavía consigue llegarnos a muchos y hacernos comprender que lo importante no es el contenido si no la manera de expresarlo.
-Porque es una denuncia clara y directa a la pobreza pero tambien es la declaración de amor mejor lograda del cine mudo.
-Por su argumento ; donde un bebe es abandonado y acogido por un pícaro sin recursos que a pesar de no tener absolutamente nada con lo que salir adelante decide criarlo como si fuera su padre. Salvandolo así de la verdadera miseria humana: la falta de amor y de afecto.
-Porque su final es irreal pero es una irrealidad que nos gustaría creer a mas de uno y nos hace volver a sonreír ante tantas desgracias y tragedias cotidianas.




-Porque es tierna, emotiva y va directa al corazón. También al de los escépticos y pesimistas.

Volver la mirada hacia el mundo rural se ha vuelto un tema recurrente en la historia reciente del cine español. Son muchas las cintas que lo hacen, algunas con más talento y maestría como ‘’El olivo’’, ‘’As bestas’’ o ‘’Suro’’ y otras sin mucho que decir como ‘’El agua’’. El debut en los largometrajes de la joven directora granadina Roció Mesa se acerca mucho más al segundo tipo que al primero. Y es que ‘’Secaderos’’ parece más un copia y pega de la tendencia general que una cinta con esencia propia.


La directora granadina que ha vivido 12 años en Los Ángeles y que hasta este momento solo había realizado cortometrajes y un documental, encuentra inspiración para crear esta primera cinta en los recuerdos de su infancia. Y es que nació y vivió su infancia y parte de su adolescencia en un pueblo de la Vega de Granada (Las Gabias) en el que descubrió el oficio de los secaderos de tabaco (lugares que a los ojos de una niña se presentaban llenos de magia, misterio y encanto). Aunque Mesa intenta mostrarnos dos formas de ver la vida partiendo de dos personajes muy diferentes (una es una niña que viene de Madrid al pueblo para pasar las vacaciones de verano encantada con el cambio que el campo le presenta a su rutina habitual y otra es una adolescente que ve su pequeño pueblo como una cárcel de la que no puede escapar y que la asfixia), su película no deja de ser en ningún momento un tipo de cine muy personal que no permite a todo el mundo la posibilidad de entrar en su historia ni de entender su mensaje.


Sí, soy muy consciente de lo triste que es que se pierda lo artesanal y condenemos ciertas formas de vida naturales al pasado sustituyéndolas por lo mecánico y tecnológico. Si, como Roció yo también soy de Granada de toda la vida y comparto algunos de sus recuerdos infantiles (los buenos y los malos). Sin embargo, ni el realismo mágico imperante, ni las actuaciones de actores y actrices encantadores sin ninguna experiencia en el mundo del cine, ni los intentos por innovar consiguen que el argumento de la cinta salga a flote. Me explico. No pega ni con cola poner como símbolo de la vida natural y del ecologismo la figura de un monstruito que está hecho con hojas de tabaco y que es el mejor amigo y confidente de los niños. Se podrían haber escogido muchísimas metáforas mejores si lo que se quería era hacer una defensa del mundo natural contra el capitalismo y la invasión de estos espacios. Tampoco pega ni con cola la figura de esa adolescente hastiada que se pone de drogas hasta las cejas para escapar de su realidad (como si este fuera el único modo posible de escapar de una realidad difícil para la gente joven). ¿En cuántas más películas actuales tenemos que ver a los actores y actrices ponerse de drogas hasta las cejas y venderlo como algo natural y común por lo que todo el mundo pasa una vez en su vida?. Los momentos ‘’collage’’ donde Mesa intenta mezclar música, imagen y movimiento como si fueran un videoclip super original te dejan completamente frio y te desconectan de todo lo demás.


Lo siento, pero no. Para innovar no todo vale. Para contar una historia no se debe usar cualquier pretexto. Debe haber algo lo suficientemente interesante como para compartirlo. Una cinta denuncia debe tener muy claro cuál es su denuncia y en que centra su mensaje. No me sirve que me hables de la defensa de lo tradicional y de la conservación medioambiental con algo tan poco natural y tan dañino como el tabaco.


Posdata: En el siglo en el que vivimos dejar que tu perra se quede preñada y ahogar sus cachorros en un rio no está justificado bajo ningún concepto. Pero es que tampoco lo estaba antes. El maltrato animal no es cosa de tradición ni de costumbre. No debería serlo. No acabo de entender si esta cinta lo justifica o no. No obstante, el simple hecho de hacerme planteármelo ya me resulta demasiado ofensivo. Lo único bueno de la cinta es la naturalidad y frescura de la pequeña Vera Centenera Carnero que con su inocente mirada infantil nos trasporta a su particular universo de la infancia cargado de magia y fantasía. Le auguro un futuro brillante a esta joven actriz. No será la última vez que hablemos de ella.

Nunca pensé que puntuaría una película de Juan Antonio Bayona con un 8 en esta página. Nunca ha sido un director capaz de despertar mi interés o mi admiración. ‘’El orfanato’’ me pareció totalmente prescindible y a diferencia de muchas personas ‘’Lo imposible’’ me resulto un claro ejemplo de pornografía emocional que buscaba forzar por todos los medios la lagrima fácil con una historia falseada (a quien se le ocurre utilizar actores y actrices americanos siendo los protagonistas de la historia real una familia de nacionalidad española), centrada en los efectos especiales y alejada del realismo necesario para plasmar lo ocurrido. Su incursión en el mundo de las series con ‘’El señor de los anillos: Los anillos de poder’’ tampoco me convenció, llegando por momentos a darme mucha vergüenza ajena.


Dicho esto, habréis podido comprobar que Bayona nunca ha sido santo de mi devoción. Por ello, me ha sorprendido muchísimo que ‘’La sociedad de la nieve’’ fuera un film de tan hondo calado emocional y una muestra tan notable de lo que supone y significa hacer un gran cine (digno de todos los elogios). Me quito el sombrero ante esta cinta donde Bayona nos ha ofrecido una sorprendente historia basada en hechos reales, digna de ser contada y escuchada por todo el mundo.


Quiero dejar claro que llego a la cinta sin haber visto ninguno de los dos documentales y las dos películas anteriores que plasman este suceso real. Tampoco he leído ninguno de los libros, ni el que escribió Pablo Vierci (amigo íntimo y compañero de colegio de los supervivientes) en el que se basa esta película ni ninguno de los que escribieron los supervivientes. Tan solo conocía la historia de haber escuchado narrar el suceso en las noticias o a través de algunos familiares a los que les había impactado la historia y sobre todo el detalle del canibalismo.


La cinta de Bayona abandona los detalles macabros y morbosos para dotar a la historia y a los personajes de humanidad y honestidad. Tras unas secuencias iniciales que sirven como introducción para presentar al grupo de personajes (siempre en conjunto y nunca dedicando mayor atención a ninguno en individual) y esbozar el terrible accidente de avión que sufrieron mientras viajaban a Chile para jugar un partido de rugby (estas secuencias tienen una mención especial porque están muy conseguidas y nos hacen sentir el pánico y el terror que sufren los personajes en estos momentos), llegamos al escenario frio y desolador de la cordillera de los Andes (donde quedó atrapado el avión). Bayona nos sumerge en la historia como si fuéramos un personaje más de la tripulación. Sentimos el frio extremo de los Andes tiritando como los protagonistas y buscando calentar nuestros cuerpos helados y doloridos. Experimentamos su angustia, su terror y su confusión al verse en un entorno donde no existe flora, fauna, ni ningún recurso para alimentarse y resistir hasta el día siguiente. Nos invade el horror cuando vemos pasar los días sin que nadie nos rescate o nos preste atención, sintiendo que el mundo nos ha abandonado tal vez para siempre. Y finalmente llegamos a una conclusión imposible que parece inevitable, tener que usar los cuerpos de nuestros seres queridos y amigos para resistir otro día. Tener que cortar y probar la carne que hemos amado o conocido. Resulta increíble que lleguemos a empatizar tanto con el destino que sufren los personajes. De hecho, no es solo una película. ‘’La sociedad de la nieve’’ es un viaje sensorial y emocional que cada espectador debe hacer por su cuenta, sacando sus propias conclusiones al final. Una experiencia inolvidable que marcará a cada espectador de diferente manera.


Sin embargo, Bayona no usa los sucesos morbosos ni se detiene demasiado tiempo en ellos. Algo que se agradece, ya que lo verdaderamente importante de la historia no es eso. Bayona sabe muy bien (porque ha tardado muchos años en realizar esta cinta y ha conocido de primera mano a los supervivientes) que lo que afloro en los Andes no fue el horror, sino el compañerismo. Los jóvenes formaron una especie de sociedad, se ayudaron mutuamente a sobrevivir, trabajaron y cooperaron juntos para lograr sus objetivos. Y eso es lo verdaderamente importante. Los gestos de bondad, heroicidad, solidaridad y compañerismo que se dedicaron unos a otros. La unión del colectivo, rechazando cualquier atisbo de individualidad. Ese es el mundo que crearon juntos en los Andes y gracias a él lograron sobrevivir 16 personas. Todos y cada uno de nosotros deberíamos tomar nota de ello en una sociedad tan terriblemente individualista como en la que vivimos actualmente.


Otro de los grandes aciertos de la cinta es el elenco de actores que la conforman. Bayona ha optado por un elenco de jóvenes y desconocidos actores de nacionalidad uruguaya o argentina que aporta realismo y veracidad a la historia. Esto es algo que no se había realizado anteriormente ya que los protagonistas de ‘’Viven’’ de 1993 eran estadounidenses. No hubiera sido lo mismo ver a unos yanquis o incluso a unos españoles tras estos papeles. Esto supone una inmersión total a la historia. Me alegra mucho ver que Bayona ha aprendido de los errores realizados en otros films como en ‘’Lo imposible’’ (uno de los factores que más me fastidio de la cinta fue la nacionalidad de los actores y actrices). Los actores Enzo Vogrincic (no logro entender porque no está nominado en la categoría de mejor actor revelación sin desmerecer la nominación de su compañero Matías), Matías Recalt, Agustín Pardella, Esteban Bigliardi, Esteban Kukuriczka, Diego Vegezzi, Rafael Federman, Fernando Contigiani y el resto de intérpretes (como ocurrió en la historia real, dentro de la película también fueron todos fundamentales) hacen un trabajo sublime.


Sigo en spoilers.

Muchas personas se preguntarán como puede resultar interesante una película en la que durante 104 minutos no existe ningún dialogo entre los personajes, ni una sola palabra o hilo conductor que nos guie por el camino que recorremos.


Con ‘’Baby’’ Juanma Bajo Ulloa nos da una lección de cine magistral, diciéndonos que para expresar no es necesario el uso de la palabra. En su última cinta, ni siquiera vemos una de esas viñetas con alguna frase que explique el desarrollo de una escena que tanto se usaban en el cine mudo para hacernos partícipes de partes importantes de la trama. La historia que se nos presenta no necesita de esos artificios para ser abordada y comprendida con totalidad. ‘’Baby’’ llega a nosotros mediante música, sonidos y la gestualidad de sus increíbles protagonistas. Y tan solo necesitamos eso para meternos dentro de la historia.


Se trata de una historia de una belleza desgarradora, llena de amor y de crueldad. Rebosante de vida y muerte. Su parte técnica y visual es impecable. La fotografía, el decorado, la ambientación e incluso los planos, nos trasladan a un mundo onírico con estética de cuento de hadas, en el que las malvadas brujas habitan en un caserón desolado en medio del bosque y en el que las heroínas deben ocultar constantemente su presencia, sirviéndose de su astucia y valentía para hacerles frente. Cada silencio, cada sonido, cada objeto y cada ser vivo que aparece tiene un significado. Cada uno de ellos es una metáfora. Desde la araña que teje su red letal en torno a pequeños y desamparados insectos, el inmaculado caballo blanco que permanece cautivo en un claro del bosque por una cuerda, los pájaros que avisan con su canto del peligro que los acecha, hasta las ratas que acaban por caer presas de una trampa mortal en la que no repararon a tiempo.


Sin embargo, ‘’Baby’’ no solo cumple a nivel técnico. Su narrativa es envolvente y fascinante. Se nos narra la historia de una joven drogadicta que ha sido madre y que decide vender su bebe a unas traficantes para poder seguir consumiendo. A pesar de ello, pronto se da cuenta de que su instinto maternal y el amor que siente por su hijo son superiores a su adicción y volverá al lugar donde entrego a su bebe para recuperarlo. Mientras lucha por recuperarlo, deberá superar su adicción en medio de una pesadilla hipnótica y repetitiva.


Juanma Bajo Ulloa trata temas delicados que no han sido muy abordados en el cine y lo hace a través de una especie de cuento de hadas perverso y macabro donde hay mucha oscuridad y muy poca luz, pero en el que el amor de una madre es capaz de iluminarlo todo. Aquí las terribles brujas no son más que traficantes de bebes con pasados oscuros y terribles secretos escondidos bajo llave que solo el ansia por lo material consigue empequeñecer y las heroínas son mujeres extremadamente frágiles curtidas a base de golpes que luchan consigo mismas por encontrar un espacio en el mundo.


La última película de Juanma Bajo Ulloa me ha recordado a sus dos cintas anteriores ‘’Alas de mariposa’’ y ‘’La madre muerta’’ en las que las historias desgarradoras de hondo calado emocional encarnadas por personajes con fuertes matices que los hacían rebasar la línea de lo moral tenían cabida. ‘’Baby’’ tiene algo muy especial que no sabrá valorar todo el mundo. Es un producto valiente e innovador que solo llegara a las sensibilidades más especiales. No es cine para el consumo masivo sino para los sentidos. Viendo esta película he recordado porque Juanma Bajo Ulloa es uno de mis directores de cine favoritos. Y es que si algo caracteriza su cine es la tremenda valentía con la que aborda cada proyecto y su capacidad para desarrollar historias complejas. En ‘’Baby’’ arriesga, huyendo de lo convencional para conseguir una cinta creativa y novedosa. El resultado no podría haber sido mejor. La recomendaría, si. Pero no a todo el mundo.


Posdata: Uno de los motivos por los que la cinta sale a flote es por la grandísima capacidad de sus actrices protagonistas. Rosie Day lo borda como madre coraje luchando contra sus demonios. Natalia Tena esta irreconocible en un papel nada fácil, interpretando a un personaje inquietante y terrorífico. Harriet Harris también consigue resultar espeluznante. Y el gran descubrimiento de la cinta ha sido sin duda Mafalda Carbonell, que manera de actuar siendo tan joven. Cuatro mujeres que son el alma de la cinta y que la defienden con uñas y dientes contra quien sea con el mismo ímpetu con el que Rosie Day intenta recuperar de las garras del mal a su retoño.

La ópera prima de Polo Menárguez no podría resultar más original e innovadora. Con un presupuesto mínimo y un escenario bastante modesto (la mayoría de la acción transcurre en el interior de un piso), consigue crear un resultado bastante digno, brindándonos una película que no necesita de grandes artificios, efectos especiales o publicidad para poder destacar entre las demás.


‘’El plan’’ bebe mucho del teatro ya que la cinta está basada en una obra de teatro de Ignasi Vidal que se adapta a la gran pantalla siguiendo las mismas fórmulas que ofrece el teatro. Estamos ante una película que además cuenta con un elenco de actores muy reducido. En la pantalla solo vemos aparecer al trió de amigos protagonista, actores todos ellos bastante reconocidos y notables dentro del panorama español. Ya conocía a Antonio de la torre y a Raúl Arévalo y soy consciente de que no habrían podido encontrar mejores actores para interpretar a los personajes de la cinta. Chema del Barco era un gran desconocido para mí. Sin embargo, a partir de ahora le seguiré la pista porque su interpretación resulta aún más brillante que la de sus compañeros. Esto se debe a que también participo en la representación teatral de la obra y tiene ya muchas tablas interpretando a su personaje.


La historia que nos cuenta la cinta no podría ser más simple. Tres amigos desempleados se reúnen en el piso de uno de ellos para trazar un plan hipotético que podría cambiar sus vidas y hacerlos abandonar las miserias económicas y afectivas en las que están sumidos. Nos encontramos con un grupo de tres fracasados que dedicaron gran parte de su vida a ser parte de un sistema que ahora los rechaza y repudia convirtiéndolos en una simple cifra. Un suceso inesperado los obliga a permanecer juntos durante mucho tiempo en el interior del piso y esto hará que afloren las inseguridades y los miedos que cada uno esconde. También los demonios internos, pero de eso hablaremos más tarde. La masculinidad se cuestiona una y otra vez, mostrándonos como los modelos tóxicos de educación y los estereotipos pueden lastrar a un individuo y hacerlo desarrollar una personalidad destructiva. De este modo, Paco vive a la sombra de su mujer que lo mantiene económicamente. Andrade por el contrario no crea lazos afectivos con casi ninguna persona de su entorno, porque su madre lo abandono siendo un niño. Y Ramón, cuyo personaje funciona como una especie de catalizador de los otros dos al tener una personalidad aparentemente calmada y reflexiva, esconde mucho más de lo que parece a simple vista. Es justamente Ramón, quien nos hace llegar a un clímax final en el que el secreto a voces que se llevaba cociendo a fuego lento durante toda la cinta, estalla de pronto de forma insólita y sorprendente.



Este final que nadie espera actúa a su vez haciéndonos abandonar la comedia en la que nos habíamos vistos inmersos para abordar un drama inesperado de rabiosa actualidad. Conectando así la historia con otro tipo de trama. ‘’El plan’’ es un claro ejemplo de buen cine. Porque para hacer cine de calidad no se necesita mucho espacio o un gran grupo de actores. Basta con tener una buena historia, un buen elenco para desarrollarla y una duración acertada. El formato de una hora y diecinueve minutos funciona a la perfección, ya que no le sobra ni un solo minuto de relleno y la cinta no llega a resultar pesada en ningún momento del visualizado. Ya lo dice el refrán. Lo bueno, si breve, dos veces bueno. Y Polo Menárguez con humildad y acierto nos ha demostrado que no se escucha al que grita más alto, sino al que tiene un mensaje interesante que contarnos. No me cabe duda de que se convertirá en un director al que se debe seguir muy de cerca de ahora en adelante.