Eloy de la Iglesia siempre tuvo mano para retratar los ambientes urbanos más sórdidos y oscuros de las grandes ciudades españolas, de eso no hay duda. En esta ”La Semana del Asesino” lo vuelve a demostrar otra vez contando la historia de Marcos, un carnicero que por circunstancias de la vida se transforma en un asesino en serie. Un primer asesinato un tanto fortuito es seguido por una cadena de homicidios a cuál más bárbaro y sangriento. Básicamente este es el argumento de un film que poco más aporta en un guión más simple que el mecanismo de un sonajero.

Sin embargo, es en la ambientación, en los detalles, donde de la Iglesia consigue hacer de su película una muestra muy importante de su dilatada filmografía. La puesta en escena, los continuos cambios de música, la oscuridad que envuelve la casa de Marcos (donde se producen los asesinatos) en contraste a su presencia entre los grandes edificios de apartamentos de las afueras de Madrid, la aparición del perro como animal carnívoro (y lo que ello supone) o simplemente la perfecta actuación de Vicente Parra, convierten la película del cineasta vasco en un buen retrato de thriller español de los setenta.

La presencia siempre perturbadora de Poncela y algunos detalles cachondos para la época (el perro de Poncela se llama Trotsky, recordar que es 1972) también le dan un toque más de interés a esta película del género “kinki” y subgénero “cutre” pero que se ríe de las mil y unas patochadas que se estrenan cada año en este país. Y es que antes, incluso en aquellos complicados tiempos, había un estilo; por lo menos Eloy lo tenía y lo ejercía.

Tuvo Richard Fleischer una habilidad innata para saber congeniar un argumento típicamente noir, como el atraco de un banco, con pinceladas claramente melodramáticas como es el ratrato que aquí hace de una sociedad herida y cuyos miembros se precipitan inevitablemente al fracaso. Y no solo lo hizo con este "Violent Saturday"; "The Clay Pigeon" o "Follow Me Quietly" son también claros ejemplos.

Basada en la novela de William L. Heath, de la que se respetan todos los personajes, la acción se situa en un pueblecito minero de Arizona donde llegan tres atracadores para asaltar el banco del pueblo. Paralelamente a los preparativos del atraco Richard Fleisher nos presenta con una gran habilidad a los habitantes de Basdenville: Shelley Martin (Victor Mature) y Boyd Fairchild (Richard Egan) dos propietarios de una mina de cobre. Su éxito profesional oculta dos grandes tragedias. Mientras Boyd tiene que lidiar con un matrimonio infeliz y las múltiples infidelidades de su mujer, Shelley se encuentra con la incomprensión de su hijo pequeño que descubre desilusionado como su padre fue un desertor de guerra. También está Harry Reeves (Tommy Noonan) un banquero que persigue obsesivamente a la bonita enfermera Sylvia Sidney (Elsie Braden) quien también se cruzará en la vida de Boyd. Completan este escenario una familia Amish que sin quererlo entrará a formar parte definitiva del desarrollo y desenlace del atraco.

La maravillosa puesta en escena de todo este cuadro es sin duda lo mejor de la película. Tras un desarrollo inical lento pero sólido sustentado en los excelentes trabajos realizados por prácticamente todos los actores ,gran reparto por cierto (señalar también la aparición de Lee Marvin en uno de esos papeles para los que nació), la última media hora adquiere un ritmo frenético y es en este tramo donde el director saca lo mejor de sí mismo para redondear una historia y regalar al espectador un desenlace primoroso otorgando a cada uno de los protagonitas su justo lugar y su justa medida. Así pues, nuevo acercamiento de Fleisher a esta especie de obra de serie B de complicado encuadre pero que sin duda dominó como otros muy pocos lo hicieron. Totalmente recomendable.

Esplendorosa cinta noir dirigida por uno de sus maestros, Mervyn LeRoy, y que cuenta con innumerables detalles de calidad y de buen cine tan escasos hoy en día. El reparto es sensacional. Encabezado por un sublime Robert Taylor y una bellísima Lana Turner la película cuenta con la aparición y consagración de uno de los secundarios con más calidad de la época: Van Helfin. Ganador de un Óscar por esta interpretación borda su papel de un tipo alcohólico, mano derecha del gángster y que empapa de reflexiones el discurrir de los acontecimientos llegando en ocasiones a tutear y sobrepasar la presencia de Taylor en la pantalla. Genial e inovidable interpretación.

Por otra parte la historia, sencilla en sí (otra más de gángsters), cuenta con un guión bastante atractivo y que dota al argumento de innumerables giros y sorpresas que, unidos a la maravillosa dirección de Mervyn LeRoy, hacen mantener la atención hasta el último y definitivo fotograma. De nuevo maravillosa utlización de las sombras y de los primeros planos que consiguen llenar de fuerza la fatídica relación, en este caso de Robert Taylor (Johnny Eager) y Lana Turner (Lisbeth).

Así pues gángters, fiscales, amores fatales, asesinatos, engaños y diálogos con gran carga dramática y emocional se vuelven a entremezclar en este clásico americano y que sin duda no deben perderse si son amantes de este género.

Que un tipo como Errol Flynn fuera capaz de interpretar a otro como Wade Hatton habla de la desfachatez y la poca vergüenza del personaje. De Errol, claro. Me gustaría saber cómo fue la propuesta de Curtiz y de la Warner: “oye Errol ¿quieres interpretar a un vaquero que se mete a sheriff y que acaba con el alcohol, el juego y las mujeres de una ciudad pionera del far west?”. Supongo que Errol pensaría que mientras no se lo exigieran en la vida real pues él encantado. Así podría seguir “golpeando el piano” y siendo el rey de las noches hollywoodienses.

Porque luego Errol era un gran actor. De los carismáticos. Y si tenía a su “niña” Olivia al lado pues mejor. Ambos, juntos, brillaban como muy pocos. Muchísima química y compenetración la de dos actores que con su sola presencia llenaban la pantalla. Y eso que no hacía demasiada falta porque estamos ante una film colosal, que no ahorra en medios de producción, ni en vestuario, ni en escenarios, ni en extras…ni en nada que minimice en un ápice el estilo del director, de los estudios y de la época. Además, está adornada con la espectacularidad del Technicolor para darle al film una dimensión pictórica inigualable y para regalar estampas de esas que no se olvidan.

Y es que esos colores…hacen de las puestas de sol, de las siluetas, de las infinitas praderas, de las peleas de salón, de los interminables rebaños o de un simple riachuelo donde Olivia recoge agua, algo espectacular, vivo, lleno de pasión y que respira cine por todos sus poros. Luego está la idealización y demás tópicos wensterianos (que a mí me encantan, claro) que indudablemente hacen su aparición. Pero es que esto es Curtiz, Errol y Olivia. Cine de después de comer, para ver con una sonrisa en la boca y para imaginar disfrutándola en un sala de cine con una súper pantalla, con la música de Steiner atronando, y pensar: ¡qué grande es el cine!

El guionista, productor y director televisivo David Hollander debuta en la gran pantalla con una cinta que se caracteriza principalmente por la cantidad de temas de difícil tratamiento que plantea y que pone en juego. Lo hace además alrededor de dos actores de muy diferentes generaciones cosa que en algún momento de la cinta, sobre todo al principio, suscita alguna que otra duda.

La venganza, la adapatación a la sociedad de chicos con dificultades físicas y mentales y con una infancia complicada, las relaciones entre personas de muy diferente edad, la validez de ciertos mecanismos de funcionamiento del sistema jurídico, la superación de pérdidas irreparables de una forma violenta, la presencia de las armas de fuego en la vida diaria de los americanos...todas estas disyuntivas, y alguna más, pululan alrededor del encuentro de Linda y Walter. Sin embargo todo empìeza a funcionar cuando una excelente Pfeiffer y un notable Kutcher se combinan. En este momento Hollander centra su cámara, sus sonidos en una relación que personalmente creo que deprende un halo de encanto y que alcanza su cima cuando Linda toma las riendas del asunto momento para el cual, de una manera u otra, todos queremos ser Walter.

Así que superado ese momento inicial denso de la cinta donde Hollander prentende ahondar en tanto y además al mismo tiempo, la película se ve bastante bien y se termina disfrutando del encuentro de esas dos personas tan marcadas por unos acontecimientos fatales y que juntas consiguen superar esa fragilidad e inseguridad en la que se habían establecido sus vidas. Lo mejor: el final y los siempre increibles ojos azules de Michelle Pfeiffer.