Un clásico ineludible en la cinematografía chilena, de lo mejor de su director, para muchos el más importante maestro surgido del cine de ese país. Es una contundente mirada sobre la sociedad chilena, en particular sobre la realidad de la capital, Santiago, y sus habitantes como reflejo de un país. Inspirada en la obra de teatro homónima de Alejandro Sieveking, se centra en el errático deambular de sus cuatro personajes principales por diversos sectores de la ciudad y se siente como un memorable fresco de esos años, al mostrar tanto las convenciones sociales y diferencias de clase como los divertidos excesos de la vida nocturna y la juerga permanente; y es necesario elogiar lo bien capturado que está el ritmo de las conversaciones, esos diálogos tan ricos y agudos, incluso aquellos que en apariencia no revisten la menor importancia.

La forma en que esta estructurada la historia en "Tres tristes tigres", su cadencia, va en paralelo a la forma de ser de sus personajes, en su mezcla de patetismo y humor absurdo, en el impagable marco de un Santiago que en apariencia ya no existe, pero a la vez cuya esencia se conserva porfiadamente hoy mas allá de los muchos edificios ya derrumbados, locales cerrados y barrios modificados. El film es definitivamente una joya que nadie interesado en el cine chileno debería dejar de ver.

Este exitoso debut como cineasta del guionista Edoardo Maria Falcone, quien por este film obtuvo dos de los premios más importantes del cine italiano como mejor nuevo director -el David di Donatello y el Nastro d'Argento- es uno de los ejemplos más recientes de los habituales intentos por mantener viva la valiosa tradición de la comedia fílmica en ese país, en este caso con la historia de Tommaso, un prestigioso y estricto cardiólogo cuya vida y la de su familia se ve alterada cuando su hijo les anuncia que dejará sus estudios de medicina para hacerse sacerdote. Es inevitable advertir que el desarrollo de personajes y situaciones de la película es muy básico y se basa en arquetipos simplistas y sin relieve, pero el resultado se las arregla para entretener, cuenta con buenos actores y tiene un ritmo ágil y dinámico, en especial con la manera en que despliega sus diálogos y las cáusticas frases del protagonista.

Desde su estreno a fines de 2014, esta comedia llegó a convertirse en la película más taquillera del cine hecho en India, industria que cada año produce más de mil nuevos filmes y genera millonarias ganancias. Protagonizado por uno de los actores más reconocidos de India, Aamir Khan, este cuarto largometraje del realizador Rajkumar Hirani se centra en un alienígena que aterriza en India para investigar y conocer nuestro planeta, pero queda abandonado sin poder comunicarse con los suyos, y termina protagonizando una serie de divertidas situaciones luego de conocer a una joven periodista que recientemente sufrió una desilusión amorosa en Bruselas.

El punto de partida de la película es innegablemente ingenuo y liviano, y tanto el argumento como su puesta en escena quizás serán demasiado naif para aquellos no familiarizados con el cine "bollywoodense", pero quienes se relajen, abandonen los prejuicios y traten de no ponerse excesivamente intelectuales, deberían disfrutar sin problemas de "PK": a pesar de su extensa duración de casi dos horas y media, maneja muy bien el ritmo, no abusa más de la cuenta de las escenas de canto y baile habituales en este tipo de producciones, aprovecha las atractivas y coloridas locaciones de Delhi y bajo su ligera superficie cómica desliza buenas observaciones humorísticas sobre las tradiciones religiosas y sociales de India.

Exhibido en certámenes como Venecia y Toronto, este nuevo documental de la realizadora Amy J. Berg -nominada al Oscar en 2007 por "Deliver Us from Evil"- está centrado en la inolvidable cantante estadounidense fallecida en 1970, cuando sólo tenía 27 años. El film es convencional en su forma, pero a pesar de eso tremendamente revelador y emotivo en su recorrido biográfico de una estrella musical compleja, única e irrepetible. Al fin una película logra reflejarla como artista y ser humano, y más allá de las luces y sombras de su personalidad y su vida privada, lo que prevalece es su energía interpretativa y su inmenso talento.

Ya en 1982 llamaba la atención la recreación de Santiago de Chile en locaciones mexicanas para un film ganador en Cannes y nominado al Oscar como "Missing" de Costa-Gavras, y en los años 90 la sensación se acentuó cuando una serie de producciones internacionales ambientadas en Chile eran filmadas en otras latitudes -al menos "Rapa Nui" sí se filmó en Isla de Pascua- y protagonizadas por conocidas figuras extranjeras, como en el caso de "La casa de los espíritus" y "De amor y de sombras". Siempre quedaba la impresión de que era difícil reconocer o imaginar Chile en esas imágenes, y eso mismo era lo que muchos temían en relación a este publicitado estreno basado en la historia real de los mineros de la mina San José, que impactó al mundo en 2010.

Afortunadamente, este tercer largometraje de la realizadora mexicana Patricia Riggen, por muy "hollywoodense" que sea, no sólo demuestra una preocupación por que "lo chileno" esté presente más allá del uso de locaciones como el Palacio de La Moneda y el desierto (las escenas del encierro en la mina fueron registradas en Colombia), o la reiterada presencia de Don Francisco. Más allá de los prejuicios y las quejas de quienes no conciban que una película que transcurre en Chile esté hablada en inglés -recurso que el cine mundial ha practicado durante casi toda su historia en las más diversas latitudes-, se agradece el intento de que el país esté reflejado en distintos detalles, desde comidas como las empanadas y el charquicán, hasta la banda sonora: la efectiva música incidental es uno de los últimos trabajos del fallecido James Horner ("Titanic"), pero además desfilan oportunamente canciones de emblemáticos músicos chilenos como Víctor Jara (en versión de Joe Vasconcellos), Violeta Parra, Inti-Illimani (con su ya clásico "Alturas") y Los Bunkers.

A partir de un guión elaborado por cuatro escritores (incluyendo a dos nominados al Oscar, Craig Borten, de "Dallas Buyers Club", y José Rivera, de "Diarios de motocicleta") basados en el libro de Héctor Tobar "En la oscuridad", Riggen se sumerge con éxito en un mundo mayormente masculino y logra llevar a buen puerto una producción compleja, y aunque su puesta en escena sea funcional y nos recuerde a muchas cintas similares, hay que reconocer que logra manejar el ritmo y mantener el interés salvo ocasionales altibajos en la segunda mitad, además de conservar el siempre difícil equilibrio al contar historias paralelas y simultáneas. "Los 33" pudo ser un fiasco, pero es digna y funciona mucho mejor de lo que más de alguien hubiera imaginado, cumple con lo que el público masivo podría esperar de ella y hace atractiva y hasta emocionante una historia que ya conocemos y cuyo desenlace sabemos bien.

Por supuesto que hay estereotipos, clichés y soluciones discutibles -como esa secuencia onírica acompañada por la inconfundible voz de Maria Callas cantando "Casta diva"-, pero Riggen y su llamativo y curioso elenco internacional, que incluye a algunos chilenos interactuando con ganadores y nominados al Oscar y el Globo de Oro, sacan siempre a flote a la película. A estas alturas, parezcan o no chilenos, no es sorpresa que Antonio Banderas -quien ya estuviera en las dos ya mencionadas adaptaciones noventeras de Isabel Allende- despliegue su innegable carisma o que Juliette Binoche consiga conmover con su mirada y parecer convincente incluso en un rol menor y haciendo de mujer del norte de Chile, pero además destaca Lou Diamond Philips ("La Bamba") o se lucen actores latinoamericanos como el colombiano Juan Pablo Raba.