Bajo una hipnótica atmósfera sensual, misteriosa y ambiguamente perturbadora, se sacrifica la estricta construcción dramática del guion a favor de un lirismo más cercano a la poesía, adquiriendo todo ello un cariz de gran plasticidad que oscila entre lo idílico, lo melancólico y lo escalofriante.

El hábil manejo de las sombras y las medias luces a base de claroscuros, en planos fijos y en cámara rápida, confieren al filme esa atmósfera inquietante y subrayan el hecho de que nada es lo que parece.

Ciertamente, los espacios parecen estar situados en unas coordenadas espacio-temporales indeterminadas, entre la vigilia y el sueño. El espectador tiene así la sensación de que el espacio posee vida propia, como si unas fuerzas paranormales lo animaran y se tratase de un sitio fantasmagórico.

La fuerza lírica de los largos pasajes silentes, la música o los escenarios es lo que hace tan interesante a esta película altamente espectral y vaporosa, de gran magnetismo e imaginación, en la que se hace patente la primitiva creencia caribeña del vudú.

Con un lenguaje más propio del videoclip y de la realización televisiva y a pesar de su perturbadora trama (los efectos de la adicción a la heroína en un grupo de colegas de Glasgow), se convirtió en una de las películas británicas más taquilleras de todos los tiempos. La poderosa creatividad de su fotografía y su actitud nihilista encajaba perfectamente con el espíritu de los noventa.

La película muestra una presentación sórdida y carente de estilización de la rutina del drogodependiente. El abuso de las drogas se presenta como una opción llena de atractivo. Es así como la mugre y el detrito invade los espacios donde se mueven los yonkis. Degradación del entorno que es un reflejo de su propio interior, cuya única razón para existir es conseguir dinero como sea para la próxima dosis. La ausencia total de esperanza lleva a los toxicómanos a una espiral de autodestrucción y a un círculo vicioso, en donde la droga está por encima del amor y del sexo.

Fundamentalmente, la narración en off del protagonista impone su punto de vista de los hechos contados.Todo gira en torno al personaje protagonista principal, Renton. Desde la ironía y el cinismo, Renton significa la denuncia a la miserable uniformidad burguesa consumista. Su propia vida es parecida, ligada a la adicción a la heroína y a la renuncia de cualquier esperanza de futuro. La negativa del director a adoptar una postura moral es de lo más acertado de la película.

Con una narrativa tensa, formas estilizadas y sentido verista (no exento de ritualizada belleza), el director condujo al espectador a la primera línea de fuego. Con intención de exorcizar su doloroso pasado belicista, Oliver Stone realizó esta obra, pero, para el público, significó una película “mantra”, una experiencia con la que los espectadores vivieron más emociones de las que el propio director esperaba.

Al captar objetivamente los horrores de la muerte en combate, fue esta la primera película realista sobre la guerra de Vietnam, más allá de la expiación de sus demonios personales. Oliver Stone creó un “alter ego” para redimirse: el idealista soldado Taylor. Y así pudo testimoniar su amarga participación en el infierno vietnamita, llave de paso para retraer la política militar e intervencionista americana.

Momentáneo viraje desde la mirada del terror psicológico “poeniano” hacia la poética “shakespereana” (especialmente de “Ricardo III”), a la par que se vislumbra a sí misma como “remake” imposible de “La torre de Londres” de Rowland V. Lee (propone claros nexos comunes con dicha pieza de la Universal (incluso llega a “robarle” fragmentos) aunque optando por unos derroteros que, en última instancia, no se hallan demasiado lejanos de las adaptaciones de Poe).

La obra de Shakespeare (no solo “Ricardo III”, sino también “Macbeth” o “Hamlet”) será, pues, el constante referente en la película, si bien lo que el largometraje logra es realizar una versión de la pieza teatral gracias a la pericia de Price y la dirección de Corman. No obstante, el director se apropia de la vertiente más fantasmagórica del relato con el fin de no perder totalmente la línea “poeniana” y dar un mayor sentido sobrenatural y terrorífico a la trama.

Cabe señalar que la imposición de la película en blanco y negro acabaría (según palabras del propio Corman) restando potencia y tono a la trama del filme. Richard está construido con una notable deformidad física acorde con el texto “shakespereano”, exteriorizando así la maldad que guarda en su interior y creando un maniqueo personaje de fisicidad inquietante.

Esta composición del protagonista está llevada por Price más allá del vestuario y la prótesis que le hace las veces de joroba. El actor muestra una notable cojera, un brazo inútil, entrecierra uno de los ojos, frunce el ceño y deforma los labios para dar un aspecto aún más aberrante del personaje. Esta interpretación no deja de ser reseñable en el dúo Corman/Price, puesto que el actor abandona la elegancia y la sutileza que le caracterizaba y se sumerge en uno de los más retorcidos y desquiciados.

Fiel trasposición a la pantalla de la novela de Delibes con la que el cineasta consiguió plasmar con fuerza expresiva algunos de los peores conceptos de la condición humana. Bajo un clima digno de la España más negra se denuncia con dureza el sistema caciquil español.

En un microcosmos casi feudal de señores y vasallos, poco a poco va creciendo la semilla de la tragedia social que rezuma veracidad, miseria, pobreza, servilismo, humillación, ignominia, abuso de poder, bondad e injusticia.

El filme constituye una reflexión crítica sobre aquello a lo que puede llegar a convertirse el ser humano cuando la escala de valores no viene establecida por criterios de igualdad entre las personas.