Abriendo de negro suenan los primeros acordes. Son notas de cuerda desvaídas que van componiendo una inquietante y triste melodía. Con ese arranque, Larraín, en esta primera incursión en el cine norteamericano, nos hace suponer que se pueda tratar de un “biopic” nada corriente, que escapa de lo rutinario. Y menos mal que es así. De hecho “Jackie”, de entrada, es un ejemplo de la utilización de una banda sonora que en todo momento apoya el relato y el sentimiento de los personajes, independientemente de que pueda agradar más, o posiblemente menos, al gran público, más acostumbrados a composiciones más pegadizas. El estupendo trabajo musical de Mica Levi es de primera, consiguiendo una nominación al Oscar, de las pocas que ha obtenido este film. Y afortunadamente hay más cosas reseñables en ella.

Exceptuando cierto “baile” de fechas en algunas circunstancias o hechos de segundo orden, como desajustes de fidelidad atmosférica en algunos momentos emblemáticos, “Jackie” ha sabido recrear en todo momento un ambiente atípico en esta clase de films, habitualmente más luminosos y dulcificados, contados sin mostrar todas las caras posibles. Larraín ha creado una película con buen gusto, tanto en sus movimientos de cámara como en la dirección de sus actores. La película está ideada para el lucimiento total y absoluto de su protagonista, Natalie Portman, posiblemente en uno de los mejores trabajos de su carrera, diría incluso que superior a su portentoso trabajo en “Cisne negro” de Aronofsky (que es uno de los productores) y que le proporcionó el Oscar a la mejor actriz, por tener que ajustarse a un personaje real y en apariencia de menor lucimiento. Ya esto es cuestión de gustos, pero no me dejo llevar por el “mérito” de tener un parecido físico con el personaje real que se trate ya que los “biopics” tampoco son mi preferencia. Pero en este caso, para mí, es una de esas raras excepciones, porque hay más que un trabajo de “parecido”.

Las escenas (y diálogos) con los demás personajes están muy bien tratadas por Noah Oppenheim que ya podrían haber nominado. Peter Sarsgaard como Bobby Kennedy hace un buen trabajo que ha sido ignorado, como el resto del gran elenco, aunque más imperdonable me ha resultado que hayan ignorado para los Oscars a Greta Gerwig como Nancy Tuckerman o al recientemente desaparecido John Hurt, toda una bestia parda de la interpretación, que encarna al sacerdote en un breve pero efectivo papel.

El resto del equipo, sobre todo Madeline Fontaine al vestuario (que con justicia ha sido nominada), su dirección artística o su fotografía, continúan con mucho estilo y dignidad al resto del equipo. El que no hayan nominado a Stéphane Fontaine a la fotografía ha sido un error garrafal. Ha jugado con el blanco y negro, ha realzado el ambiente requerido y se ha acercado con sus planos a los rostros de los actores sin hacer sombra, recogiendo un trabajo orgánico y sincero, acción que nunca teme un actor seguro y propuesta siempre que parte de un director que ha hecho su trabajo previo, que además, sabe dirigir.

Una buena película, que algunos espectadores parece ser no han sabido apreciar o que se han llevado meramente por sus prejuicios, calificándola por debajo de lo que merece, cosa que también ha hecho la propia academia de Hollywoood, por no nominarla lo que hubiera merecido, incluyendo como mejor película del año y destacar otras memeces y vulgaridades impropias de tal privilegio.

La carrera comercial de “El renacido (The Revenant)” ha sido persistente y ha salido triunfante en ese empeño. Todo un ejemplo de marketing, aún a pesar de que estaba colgada en portales de internet antes de su estreno en cualquier país, incluyendo Estados Unidos. Allí tenía una tremenda presión en taquilla con la supuestamente imbatible nueva secuela de “La Guerra de las galaxias”, “Star Wars: El despertar de la fuerza”, que reinaba en el número uno durante semanas, mientras “The Revenant” resistía y lentamente ascendía, presumiendo además de ostentar el mayor número de candidaturas para los “Oscars” de este año, un total de doce. La Fox consiguió su objetivo. Tras tres semanas logra acaparar el número uno, sumando para entonces una notable recaudación hasta el momento, cerca de 140 millones de dólares, suficiente con la recaudación de casa para amortizar lo que costó, 135 millones. En España “Ocho apellidos catalanes”, otra secuela, le hizo frente logrando mayor recaudación que “El despertar de la fuerza”, y para la fecha de su estreno en España, como en otros países, “The Revenant” llega sin rival y con aureola triunfante para el “box office”, el camino despejado para ello y seguir cosechando dinero. Ese es su mayor logro.
Luego el film en sí tiene sus aciertos, desde el estar rodado unas localizaciones impresionantes a, sobre todo, ciertos aspectos técnicos: desde un poderoso ejercicio de montaje a sus efectos especiales (la escena del oso es lo mejor del film para mí), maquillaje, sonido y fotografía, un notable trabajo de Emmanuel Lubezki, trabajo que no eclipsa sus anteriores logros y que no implica un paso adelante. Es más, es la demostración que el director es quien manda y su constante evocación al mundo de Terrence Malick es constante, pero sin su peso. Por cierto, llama la atención que la Academia de Hollywood fuese la que aclarase antes de las candidaturas que la nominación a su banda sonora no sería lícita. Una lástima, porque es un buen trabajo y un apoyo fundamental para su narración, así como el empleo de los sonidos.
Ni que decir que es el turno de Leonardo DiCaprio para conseguir su ansiado y muy buscado Oscar. Pero es que esto de los premios funciona como la cola de charcutería, cada cual con su ticket, previo turno. Se te puede colar obligatoriamente alguien que se escapa de “lo programado”, pero el turno llega, mucho más cuando Leonardo ya anda inmerso en varias producciones como productor y, creo recordar, que es Paramount la que anuncia su próximo gran proyecto, una de ciencia- ficción, comercial, y de la que DiCaprio estará cumpliendo ambas funciones. Su trabajo en esta ocasión no es el mejor de su carrera, pero posiblemente haya sido el más ingrato e incómodo, o sea, que ningún problema. También creo que el pobre se lo merece después de tantos esfuerzos, ¿no?
Lo más difuso es su base: su guión y su dirección. Su guión toma de “Las aventuras de Jeremiah Johnson”, bueno, y de varias más, como “El hombre de una tierra salvaje”, da igual. Pero lo que arranca con fuerza se va diluyendo, quizás por su innecesaria larga duración. Tampoco aporta nada nuevo su desenlace ni nada al género. Su dirección se apoya en la virguería técnica, pero González Iñárritu carece de universo propio, no digo que su función no la cumpla, pero carece de señas de identidad, quizás por eso bebe de Malick o indaga hasta en Tarkovski, pero con más pretensiones que resultados. Creo que se trata de un film para pasar el rato en una sala de cine, eso sí, para su mejor disfrute que sea en pantalla grande, pero que ni por asomo es mucho más, a pesar de tanta nominación y algunas críticas entusiastas.

La filmografía de Lasse Hallström es muy variada, no solo en estilos sino en cuanto a resultados. Las tiene desde excelentes a películas mediocres, las que menos, la verdad, y en zona intermedia algunos títulos que cumplen pero no aportan demasiado. Aunque “El hipnotista” pertenezca a este grupo hay que señalar que desde luego es un producto superior a la media que ofrece el cine actual, como suele ocurrir también en estos casos con Hallström. No se deja llevar por el ritmo del thriller comercial habitual, sino que además se adentra en la vida personal, en los sentimientos de sus personajes, salvándola de ser un mero producto lineal de tres al cuarto. La labor de sus actores está a muy buena altura, y demás factores como su música, sus efectos de sonido o su fotografía sobre todo le dan un clima conseguido, siguiendo esa “moda” de cine nórdico “noir” a pesar de que abunden los escenarios nevados. Bueno, cine nórdico que traslada su literatura al cine, ya que la corriente proviene de ahí. Y conviene recordarlo, de ahí la importancia que le prestan a la psicología de los personajes y a sus circunstancias dramáticas más que al “suspense” en sí. Creo que ese es el nexo con ese cine de Chabrol, por ejemplo, y en este caso había hasta similitudes en este aspecto (que no similitud argumental) con uno de sus títulos menos conocidos y más ignorados por la crítica especializada en su momento como fue “Laberinto mortal (1978)”, aunque, al menos para mí, la de Chabrol era bastante mejor. Quizás esa fusión entre el drama psicológico y el thriller haya quedado en esta ocasión ni bien proporcionada ni tampoco ha quedado ligada como debiera, y más en un director experimentado y listo como Hallström , pero sí que consigue hacer una película digna y que, hasta en un par de momentos, consigue una lograda tensión, no con sobresaltos, que también los tiene, pero secuencias en las que se ha esmerado y logran poner la piel de gallina. A ver si para la próxima Hallström nos trae una película que pertenezca a su grupo destacado, porque puede y hasta debe, no ya porque el cine sea caro, sino por talento desperdiciado.

Ray Müller realizó este magnífico documental de gran éxito fuera de nuestras fronteras y que gira en torno a la controvertida pero también atrayente Leni Riefenstahl, polifacética artista que entre otras facetas era actriz, directora y documentalista. Dotada de un gran ingenio para las composiciones y planificaciones cinematográficas hicieron de ella alguien muy especial, sobre todo para la época. Su vinculación a la Alemania nazi, la admiración que le rendía Hitler y el hecho agravante de ser una mujer, la estigmatizaron y pasó a una marginación drástica y casi obligada. La duración de este documental lógicamente es algo extensa, de tres horas que no pesan, porque además de haber vidas intensas también las hay interesantes y era imposible resumirlo más sin que repercutiera negativamente en su resultado. De hecho es un lujo visionar un documental hecho con tanto respeto y casi cierta admiración, como si se tratara de un ajuste de cuentas a través del tiempo, y donde se hace justicia al reivindicar la importancia y la contribución que hizo Riefenstahl al mundo audiovisual, motivos políticos inciertos aparte. Si tienen oportunidad no dejen de verlo, porque no es sólo interesante para cinéfilos, es un trozo de historia, todo un documento con gran valor que cuenta muchas cosas, todas ellas bajo un acertadísimo punto de vista, la de la misma protagonista.

David O. Russell se ganó el respeto de la crítica americana con su “ópera prima” Spanking the monkey, una buena película independiente arropada en Sundance. Desde entonces sus personajes, seres que no encuentran su espacio en las vidas que ocupan, con mayor o menor acierto, han sido constantes en su filmografía, incluyendo este punto de inflexión que es “El lado bueno de las cosas”, donde parece que ha llegado a una madurez, y aunque a pesar de ciertas licencias que se toma en esta película, su cine ha seguido una trayectoria un tanto coherente. Y no nos engañemos, por ahora no se ha vendido, es un éxito porque detrás anda produciendo los Weinstein que le han dado mayor presupuesto y nombres famosos como reclamo comercial, pero si hubiera sido independiente hubiera pasado con más pena que gloria, aunque no creemos que hubiera repercutido en su calidad. Este encumbramiento académico de Russell (con más éxito que con “The fighter”) puede que origine un cambio en su cine. No sabemos si querrá seguir una línea personal de narrador como en antaño acostumbraba Kasdan, adaptador de novelas de Christopher Bram, o seguir por el camino iniciado, pero lo cierto es que sus personajes han crecido y es un hábil narrador en contar historias supuestamente cómico-románticas pero que se alejan de los típicos productos de este género. Su cine sigue siendo pequeño, intimista y con evidentes formas que nos remiten a su pasado de cineasta “off”. Y la mayor recompensa que se encuentra en la película es esa, que Russell indudablemente destaca como autor por encima de otros creador@s que intentan hablar de seres que pretenden encontrarse, sea en onda Coixet o en modalidad John Patrick Shanley. Su buen guión se apoya en un ajustado y preciso reparto, donde todos sus actores, desde el primero al último, desarrollan con eficacia sus personajes, incluso Robert De Niro se aleja de sus últimos estereotipos, junto a la gran Jacki Weaver en el papel de Dolores, un difícil cometido, testigo casi mudo, de ojos aterrados y acuosos.
Y por último, además de destacar su banda sonora y compartir (por diferentes razones) desquicie con el protagonista por la misma canción de Stevie Wonder, agradecer que en ningún momento en la película se saque a relucir el archimanido concepto de comparar la vida barajando el símil de si tú ves “la botella medio llena o medio vacía” para hablar de cómo ve cada cual realmente su situación, que lleva años rulando por miles, incluso ya, de telefilms.