Vi “Non essere cattivo” (“Don’t be bad”, 2015, Italia) dirigida y coescrita por Claudio Caligari [1948-2015] y con un reparto que supo hacer muy bien su labor: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Silvia D'Amico y Roberta Mattei. La película está ambientada en la periferia marginal (urbana y socialmente) de Ostia, Italia (el mismo lugar de muchos filmes de Pasolini), en los años 90. Narra (la evolución de) la vida de dos amigos, que habitan la frontera entre la legalidad y la ilegalidad. Se rastrea el efecto de la búsqueda del éxito entre dos referentes: la mafia, de un lado, y la vida afectiva, del otro. Al finalizar, cada uno escoge un camino diferente pero nunca se separan. Para empezar, hay que señalar que la obra logró importantes nominaciones, como en el Festival de Venecia, Sección oficial largometrajes y los Premios David di Donatello, con 16 nominaciones y premio como mejor sonido; entre otros festivales. También fue escogida para representar a Italia en la selección de mejor película en lengua extranjera, para los Premio Oscar. Igualmente, es importante señalar que puede verse la cinta como una continuación del filme “Amore tossico” (1983) del mismo director. Por demás, él murió el 26 de mayo de 2015, a los 67 años, justo cuando terminó el montaje del filme, por lo que no alcanzó a conocer el buen efecto que tuvo su cinta. Ahora bien, como ya puede percibirlo el lector, la película me encantó, entre otros motivos por su buen ritmo y las excelentes actuaciones de Luca Marinelli (Cesare) y Alessandro Borghi (Vittorio). Agrego a esto la buena banda sonora, sumado a la gran factura del sonido y la fotografía. Pasando a otros temas, la cinta no deja en paz al espectador, pues le plantea los dilemas a los que se enfrentan varios jóvenes de las periferias; esto es, los de aquellos que tienen modelos grises a seguir y que deben construir su futuro a pesar de la adversidad. En este sentido, la exigencia moral, si es contextual, debe tener en cuenta las condiciones en las que el sujeto desarrolla su vida. Pero, ¿la exigencia moral es igual para quien nace con todo al alcance de la mano y para quien vive en ambientes desgarradores? Sí y no. Creo que siempre habrá exigencia moral, por lo que explicar el porqué de un comportamiento inmoral no significa justificarlo ni mucho menos premiarlo. Dicho con otras palabras, cintas como esta, podrían darle a entender al espectador que lo inmoral y lo ilegal puede perdonarse plenamente por tratarse de personas en desventaja socio-económica. Pero esto sería revolver dos cosas diferentes como si fuesen iguales, pues de todas maneras, el comportamiento inmoral e ilegal no se vuelve moral y legal dependiendo del contexto del sujeto; aunque la exigencia moral, eso creo, sea distinta para quien lo tuvo todo y para quien no tuvo nada, metafóricamente hablando. Incluso, la propia obra deja en claro los diferentes resultados obtenidos por los amigos, todo por sus decisiones morales. Entonces, la cinta, puede servir para un interesante debate de formación moral, tema que siempre está en boga. Agrego, que con ella se puede rastrear, además, los imaginarios de una “juventud rebelde”, género que, por demás, siempre ha motivado cientos de películas en todos los tiempos, pues representando a jóvenes-problema se garantiza una tensión de fondo en tanto que ellos amenazan lo que se considera “normal” y “sano” en toda sociedad. Tendremos pues filmes sobre la juventud alocada, para mucho rato, en todos los tiempos; en fin de cuentas, la juventud está hecha para romper moldes y reconstruir categorías. La pregunta es hasta dónde y con qué precio. La recomiendo, entonces. 2017-11-22

Vi, de nuevo, “1984” (Reino Unido, 1984), dirigida por el experimentado Michael Radford (esta fue su segunda película, dejando en claro que le vendría una brillante carrera). Esta película se realizó el mismo año del título del gran libro de George Orwell, “1984”. Así el cine le rindió homenaje a este gran autor del género de la distopía. Ahora bien, el filme, digámoslo así, paso sin pena ni gloria, cosa que explico por varios motivos: i) Es muy difícil lograr ser competitivo con una novela tan brillante y tan audaz como la de Orwell, de manera tal que lo más probable es que quien se haya leído la obra (¡y hay que leerla!) se sienta algo decepcionado ante la película; ii) La cinta, por más que lo intentó, tiene que dejar pasar muchos datos, mucha información política pero necesaria para el quid dramático que sí está en la novela, por lo que quien no se haya leído la obra estará en ascuas en muchos aspectos del filme; iii) Los escenarios imaginados por Orwell son casi que imposibles de imitar en formato cine, por lo cual el director, quien quería ser lo más fiel posible, se vio a gatas para generar las sensaciones de pesadumbre que se sienten con las letras. Entonces, tanto quien leyó la novela como quien no lo haya hecho, fácilmente se sentirán decepcionados ante la cinta. Sin embargo, las actuaciones, la fotografía y la banda sonora son muy buenas. Dicho con otras palabras, en cuanto el contenido, muchísimo mejor la novela; pero desde lo estético, la película no se queda atrás de Orwell. Tal vez el filme habría dado más de que hablar si el director se hubiese tomado varias licencias ante la novela, planteando así un producto diferenciado. Ahora bien, a pesar de lo dicho, la cinta puede servir para un excelente cine-foro pues toca de manera importante diversos temas: i) se basa en una de las piezas esenciales de la distopía justo cuando se cimentaba con fuerza luego de la Segunda Guerra Mundial (junto a “Fahrenheit 451” de R. Bradbury y “Un mundo feliz” de A. Huxley); ii) da excelentes puntadas para meditar cómo, ante el superpoblamiento y otros problemas contemporáneos, avanzamos a dictaduras televisadas; iii) permite una crítica contundente a los gobiernos mesiánicos y al manejo de los medios de comunicación (donde la mentira es verdad, la guerra es paz, el odio es amor); y iv) dilucida la naturaleza humana, la cual se nos deja ver con claridad justo cuando es puesta en entredicho. Yo disfruté volver a ver este filme, en especial porque me recordó la lectura que hice hace muchos años de la obra de Orwell que, debo decirlo, me marcó significativamente. Entonces, la cinta permite otro objetivo: no olvidar. La recomiendo con los matices ya hechos. 14-11-2015.

Vi “Quadrophenia” (RU, 1979), dirigida por Franc Roddan (1946-), quien cuenta con una modesta carrera en el cine y una algo más activa en la televisión. Esta película narra la vida juvenil de la década de los 60 del siglo pasado, en Londres, donde dos tribus urbanas disputan entre sí (los Mods y los Rockers) en el contexto de la rebeldía, las drogas y las fiestas nocturnas psicodélicas. Es por ello que esta película se convirtió en un buen retrato de una generación y, justo por ello, en una película-de-culto para todo el que desee rememorar, de un lado, o registrar el pasado, del otro. Hay que señalar que la pasión con la que se representa a los Mods (sus gustos musicales, sus bailes, motocicletas, forma de hablar, etc.) logra cautivar al espectador a tal punto que, como me sucedió a mí, termina por indagar por aquellos que dominaron las calles inglesas y fueron la matriz de muchos otros movimientos juveniles varios de las cuales sobreviven hasta la contemporaneidad. Por ejemplo, no sabía lo importante que fue el movimiento Mod para el mundo de la música. La banda sonora, como era de esperar, es meritoria (anclada especialmente en The Who, de donde toman el nombre de la película) y la trama es atractiva: presenta un drama amoroso no correspondido y el dolor de un joven que sólo se siente bien consigo cuando logra estar en el centro de su mundo Mod. Es un buen relato de la masificación y la búsqueda gregaria. Creo que en esto último reside una buena reflexión que se puede hacer en un cine-foro con esta película, además de que permite analizar que todas las generaciones han tenido sus momentos de rebeldía y censura. Agrego el valor de la escena final: la destrucción del símbolo Mod, la scooter. La recomiendo 21-01-2015.

Vi “Elser: Er hätte die Welt verändert” (comercializada en Hispanoamérica como “13 minutos”, Alemania, 2015) del reconocido y exitosísimo Oliver Hirschbiegel (quien así vuelve a tomar el rumbo luego de su fracasada película “Diana”, 2013) y quien, además, ya tiene experiencia tratando temas del fascismo (con “Das Experiment”, 2001) y de la Segunda Guerra Mundial (con “Der Untergang”, 2004). En este caso, la nueva película de Hirschbiegel narra la vida de George Elser (magníficamente interpretado por Christian Friedel), carpintero alemán quien, preocupado por el rumbo que tomaba el nazismo, intentó asesinar a Hitler en 1939 con una bomba que él mismo fabricó y puso, proyecto solitario que no fue creído por las autoridades policiales que intentaron demostrar infructuosamente que todo era parte de un complot comunista. Hitler se salvó pues abandonó precipitadamente el recinto 13 minutos antes de la explosión. Sin embargo, no es la típica película de acción que se hubiera centrado en el hecho mismo del atentado. La verdad es que el atentado y Hitler son meros pretextos del director para pasar revista, muy políticamente correcta y sin dar lugar a dudas en el espectador, a la vida del carpintero que pudo haber cambiado la historia. La producción es muy buena y eso se refleja en la calidad de la fotografía, el sonido, la banda sonora, el vestuario y las locaciones. El director contó, y bueno por él, con todos los recursos para darnos este buen documento fílmico que nos deja otra lección sobre los peligros del fascismo, en especial su progresividad hacia el mal; esto es, que la potencialidad autoritaria y perversa del régimen no se vislumbra en los días iniciales sino con el paso del tiempo cuando se relajan los parámetros morales y políticos. La cinta ha recibido aplausos por parte de la crítica en especial por su buena producción y la gran actuación de Friedel, pero ha dejado algo de sinsabor en algunos espectadores porque la obra no se centra en el elemento de acción (el atentado y el intento de huida) y algunos críticos cinéfilos porque ofrece una mirada muy correcta, muy impoluta del protagonista, olvidando que todos somos, en alguna medida, santos y demonios. Pero a pesar de ello, sigue siendo un filme que merece ser visto, por sus propios méritos y al que podría añadírselo otro: invita a la reflexión de cómo la mala opción de “buenas personas” (como lo eran los electores iniciales del partido nazi) termina, con el tiempo, generando sistemas de terror masivos de los que ya no hay huida más allá de la muerte (la banalidad del mal). Elser lo advirtió a sus interrogadores: nunca habrá un futuro bueno si dejamos a los tiranos dominar, lo que exige actuar antes de que caiga la bola de fuego que amenaza Alemania (la que cayó, pocos años luego, como racimos de bombas arrojadas por los bombarderos aliados). Es por ello que recomiendo la película, pero no para quien busca entretenimiento mediante el cine acción, sino para quien se dejaría llevar de relatos de verano y cantos locales que dieron esperanza a los pocos cuerdos en una época de locos (de allí los estribillos que aparecen y desparecen continuamente durante el filme). 18-07-2016.

Vi “Ah-ga-ssi” (The Handmaiden, “La Doncella”, Corea del Sur, 2016), dirigida por Park Chan-wook [1963- ], famoso por su trilogía de la venganza: Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2003) y Lady Vengeance (2005). El guion es del propio director y Jeong Seo-Gyeong, basado en una novela de Sarah Waters. El reparto está integrado por: Jung-woo Ha, Kim Min-hee, Jo Jin-woong y Kim Tae-ri, entre otros. La cinta se ubica en la Corea de los años 30 del siglo pasado, bajo control japonés. Una joven coreana, Sookee, es contratada como doncella (dama de compañía) de una rica mujer japonesa, Hideko, la cual está recluida en una mansión esperando ser desposada por su tío, quien solo desea apropiarse de la riqueza de su sobrina. Un estafador aparece en escena, deseando, igualmente quedarse con la riqueza de Hideko. Ahora bien, empiezo señalando que estamos, nada más y nada menos, que ante un espectáculo visual pocas veces visto. La producción cinematográfica y la estética propuesta, son magníficas, todo lo cual puede verse en cientos de detalles, como el manejo de cámaras y la fotografía (por dar un caso, se pasa, magistral y velozmente, del plano americano a un primer plano para dar mayor dramatismo a la escena). El vestuario, las locaciones y la representación de la época son tremendas. Sencillamente, estamos ante una obra-manual de cómo hacer cine. Pasando a la trama, a la narración, esta no se queda atrás. La primera parte de la cinta es sencilla, armoniosa y entretenida, pero a mitad de la película todo da un giro inesperado y resulta que estamos ante un rompecabezas, muy bien armado, que rompe abruptamente, causando una gran sorpresa, con la serenidad inicial: aparece por la puerta grande el suspenso. Las tres historias (la de la joven coreana, la de la joven japonesa y la del estafador), que giran sobre una misma historia (una riqueza que todos quieren y el amor salvador), se entrecruzan astutamente produciendo un efecto inesperado en el espectador que no ve venir todo lo que se le muestra. Resalto que la historia, una vez armada en sus tres partes, resulta compleja pero no es complicada. La complejidad es comprensible, si se le ve con ojos atentos. La complicación sería la exageración intolerable o la narración llena de detalles inverosímiles. Tal vez, si en la tercera historia, el estafador hubiera terminando siendo alguien diferente a quien e creía (como paso con las dos jóvenes), habría aumentado la tensión dramática y el suspenso. El estafador terminó siendo el más ingenuo de todos. Puntualizo otro asunto: el erotismo y la exuberancia, en un marco de crueldad, que atraviesa el relato, desencadenados por la lectura de pasajes de Sade, entre otros. En cierto sentido, hay un homenaje a los libros (y especialmente los eróticos), aunque luego, en la película, las protagonistas le pasan factura a la bibliófila del tío. Pasando a otros temas, el filme incita, como suele hacerlo el buen cine, a reflexiones en varios frentes. Se me ocurre, dos: la redención del oprimido, mediante la astucia, y el colonialismo del opresor, mediante el saber erudito. Me explico. El opresor, representado por el tío, quien a su vez es un colaborador de la ocupación japonesa, está representado como el hombre culto, pero en este caso la cultura es la posesión de libros y saberes fundamentalmente foráneos, pero saberes que no son usados para incrementar el conocimiento sino para el placer sádico y la fortuna. La oprimida, que es la bella sobrina Hideko, logra soportar e incluso superar la opresión por medio de la astucia ofrecida por el estafador, pero termina usando esta misma arma contra su salvador. De allí que destruye la representación del saber opresor, pero deja en el aire la estela de la pregunta sobre los medios: ¿cualquier medio es válido? Y, ¿estafar al estafador, es diferente a simplemente estafar? Aquí entra un componente de género: el estafador del estafador, victorioso, es femenino; mientras, lo castigado es masculino. Estos dos aspectos dan pie a más reflexiones, que las dejo en manos del lector. Muy recomendada. 2018-02-08.