La llegada del tren a la estación de La Ciotat es un plano absolutamente acojonante. Pocas veces hablo en estos términos, pero, que en 1985 a alguien se le ocurriera colocar la cámara en ese ángulo, con lo que ello representaba (efectivamente, la llegada de un tren a una estación) es para decirle: Messieurs Lumieres, no sé si ustedes inventaron eso que se llama cine (por ahí andaba Thomas Alva, el amigo americano), pero lo que sí inventaron fue la primera toma perfecta de la historia.

No es colocar la cámara fija como en los otros primeros cortos, porque además desconocían todavía el travelling, no había montaje, porque aún faltaban años por llegar para que en un accidente fortuito de un cameraman, se diese con la primera edición de planos; no sólo es colocar la cámara, sino dónde colocarla. Y en ese sentido cobra especial importancia el qué se cuenta, es decir, el tren cobra un absoluto protagonismo que, con la cámara en otro emplazamiento, quizá hubiera tenido una importancia nimia, tanto como la salida de unos trabajadores de una fábrica.

Puestos en situaciòn, entonces, y nunca mejor dicho, no extraña la reacción de aquellos privilegiadísimos espectadores que tuvieron la fortuna de sentirse arrollados por un tren sin freno (luego se vería que no, que vivirían para contarlo, a sus nietos, cuando ellos ya estuvieran fascinados por el pelo rubio de Marilyn Monroe, y ellas suspirasen por los ojos azules y verdes de Gary Cooper).

Interiores es la primera película dramática de su director. Pocos esperaban de antemano que, tras un comienzo de carrera basado en sus comedias, Allen se decidiese por realizar una cinta tan distante de ella como Interiores. La atmósfera de ésta nos recuerda con harta evidencia a las películas de Bergman. Hay recursos escénicos y estéticos sacados literalmente del modus facendi del director escandinavo. La puesta en escena evoca además a la del teatro, terreno en el que Allen se ha desenvuelto con soltura desde hacía ya años y que domina con maestría. En resumidas cuentas, con Interiores conoceremos el lado serio del Allen director.

El argumento de Interiores habla de las críticas relaciones que mantienen los diferentes miembros de una familia. La situación ha llegado a un punto en el que los personajes sacan a relucir del interior de su ser unas miserias e infelicidades que han permanecido arrinconadas demasiado tiempo.

Allen se rodea para esta película de actores extraodinarios. A su recién oscarizada Diane Keaton se suman nombres como los de Mary Beth Hurt o Geraldine Page, ésta en el papel de matriarca de la familia que ve cómo el hombre de su vida le abandona después de años y años juntos.

Es curioso que en las películas de Allen un mismo tema como la crisis de pareja, según sea tratado en tono de comedia o de drama, resulte tan semejante en el fondo, aunque distinto en la forma. Puede que, incluso en la comedia más desaforada, Allen de repente introduzca el punto de acidez a la historia y todo se venga de forma inesperada abajo. Sin concesiones ocurre así desde el primer fotograma de Interiores. Quizá porque así nos conozcamos mejor a nosotros mismos, debamos de cuando en cuando purgar nuestro interior.

Las magníficas comedias de la vida que Woody Allen de la parte central de los 80 eran el perfecto reflejo de un mundo cotidiano y de a pie, donde el espectador del planeta Tierra podía fácilmente identificarse. Uno de esos mundos fue el de Hannah y sus hermanas, película en la que Allen se sirve de uno de los mejores y más acertados repartos de su filmografía para contarnos las aventuras y desventuras de un núcleo cualquiera de personajes que (mal) viven en sinfonía unas tribulaciones que el amor depara a cada instante.

El gran reparto pasa por Michael Caine o Barbara Hersey, por Mia Farrow o Diane Wiest, por el propio Woody Allen. Toda una serie de relaciones articuladas y entrelazadas, que confluyen y dispersan así como ordenan el capricho de la casualidad. Buena culpa de ello reside en un guión magistral de Allen, quien a base de pequeños relatos construye con apenas unas pinceladas un retrato conciso y preciso de la psicología y la personalidad de cada personaje.

Los diálogos se encuentran ya en las antologías de la mejor imaginaria Allen. El modo en que éste fotografía la ciudad de sus pasiones realza la importancia que en el film tienen los paseos, las salas de cine, las calles. Las tres hermanas están espléndidas y cada una de ellas muestra en su rostro los avatares por los que se encuentran pasando en todo instante. La película tiene momentos increíblemente románticos, especialmente con la pareja Caine-Hersey. El magnífico casting se completa con dos ilustres veteranos de mil batallas: la propia madre de Mia Farrow, Maureen O’Sullivan, y el fetiche bergmaniano por excelencia, Max Von Sydow.

Después terminar un trío de dramas con Delitos y faltas, a Allen se le presenta el reto de mantener a cierta altura el listón, papeleta que el director norteamericano solventa sobradamente con un regreso a la comedia. Día sí, día no, Allen decide desaparecer de la pantalla como alguno que otro de sus personajes, y en Alice lo hace dándole todo el protagonismo de la historia a su todavía musa Mia Farrow. Allen le regala a Mia lo que se llama un papel bombón para el lucimiento exclusivo del artista. Mia soporta brillantemente todo el peso de la película: la actriz californiana demuestra ser en manos de Allen una magnífica comediante.

Farrow se convierte además, como sucede en otras ocasiones en que Allen no aparece en el reparto, en un émulo de la personalidad del realizador: las penas y sinsabores de un ser neurótico y moderno y, por consiguiente, frustrado. Hay de nuevo elementos de cine fantástico en Alice. El nombre de la la protagonista no ha sido elegido por casualidad. Allen realiza una adaptación del clásico de Lewis Carroll
Alicia en el país de las maravillas. Aparecen pócimas milagrosas, vuelos por encima de la orbe, Mia Farrow se vuelve invisible... Hasta una extraordinaria musa encarnada por una Bernardette Peters que emplea asombrosamente bien sus cinco minutos de gloria en la película.

Alice pertenece a esa serie de películas no suficientemente valoradas por la crítica pero que una segunda visión deja apreciar sus reales cualidades. El espectador reconoce en Alice muchos de los tradicionales ingredientes de la filmografía de Allen, aunque puede quedar descolocado por la introducción del componente mágico. Porque lo que en definitiva transmite la película es justamente esa evasión de la realidad que Alice vive al otro lado del espejo.

La película divierte y hace pensar y entretiene:

Porque parece que estés leyendo un relato de Paul Auster, y el que haya leído a Auster sabrá por qué lo digo. Quiero decir que Smoke tiene su toque literario, pero en el buen sentido. Supongo que será la aportación de Auster a la película, que no es poco.

Porque nos muestran que la otra América “unofficial”.

Porque se demuestra que hay americanos que no son tontos.

Porque fuman, y fuman mucho y eso en el cine queda muy bonito.

Porque sale Forest Whitaker, y Harvey Keitel y William Hurt. Y el chico negro.

Porque el Nueva York de Smoke es una esquina a las 8 de la mañana. Y un partido de béisbol en una televisión en B/N que se estropea. Y un cuento de navidad. Y el tipo que está al fondo en el bar cuando Harvey Keitel le cuenta el cuento a William Hurt.