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Críticas de burton
27 de octubre de 2006
40 de 52 usuarios han encontrado esta crítica útil
Publicitada con el admirativo slogan ("tagline" que dicen los sajones) "¡Garbo ríe!("Garbo Laughs!"), (debido a que se afirma que fue la primera película hasta entonces, en la que vimos sonreír por vez primera a una Greta Garbo hasta entonces encasillada en papelones dramáticos y demasiado grandilocuentes), fue una adaptación en tono satírico de una historia del escritor y guionista húngaro Melchior Lengyel por parte del gran Billy Wilder junto con su amigo Charles Brackett y Walter Reisch...
Unos años antes, Wilder de origen semita se vio obligado a emigrar de Alemania debido al ascenso nazi, y sus primeros contactos en su país de adopción (EEUU) fueron los de colaborador y guionista de su amigo, maestro y mentor berlinés y también de origen hebreo Ernst Lubitsch...
Una espléndida película en tono satírico de un genio pionero de la sátira como fue el maestro berlinés...
Si bien los méritos artísticos quedan en un segundo plano...la extraordinaria puesta en escena y sobre todo un descomunal talento y ritmo narrativo aderezado por unos diálogos sublimes, casi rozando la perfección, hacen de esta cinta una de las muestras del séptimo arte de obligado visionado para comprender y captar la esencia del talento creativo elevado a la enésima potencia...
Una ácida, corrosiva y despiada crítica en tono satírico del régimen comunista en época Stalinista, con la reciente muerte del gran líder bolchevique, Lenin, aún en la memoria...
En 1957, el cineasta americano de origen armenio, Rouben Mamoulian, revisitó musicalmente esta obra titulándola "La bella de Moscú", con Fred Astaire y Cyd Charisse como protagonistas...
Inolvidables escenas como el primer encuentro fortuito entre la agente de la Junta de Comercio Rusa, Nina Ivanovna 'Ninotchka' Yakushova (Greta Garbo) y el cínico y simpático conde Leon d'Algout (Melvyn Douglas)..., cuando éste le sirve como cicerone a la hora de encontrar la torre de Eiffel...ella subiendo a pie los 1665 escalones, mientra él se queda perplejo al llegar a la cima de la torre, ya que ha llegado allí más tarde, y ¡¡subiendo en ascensor!!...Y desde allá arriba; La ópera, Montparnasse, Montmartre, etc...
...O la deliciosa secuencia en el humilde restaurante parisino de obreros, "Permatie", cuando el conde la agasajaba con lisonjeras artimañas del pícaro empedernido...contando chistes ininteligibles para una conciencia demasiado fría, y encorsetada como la de Ninotchka , mientras los comensales del lugar se retorcían en interminables muecas de hilaridad desenfrenada...
"Esta película está rodada en París, en aquellos maravillosos días cuando una sirena era una jovencita y no una alarma, y si un francés apagaba la luz no se debía a un ataque aereo..."
I M P R E S C I N D I B L E.
Unos años antes, Wilder de origen semita se vio obligado a emigrar de Alemania debido al ascenso nazi, y sus primeros contactos en su país de adopción (EEUU) fueron los de colaborador y guionista de su amigo, maestro y mentor berlinés y también de origen hebreo Ernst Lubitsch...
Una espléndida película en tono satírico de un genio pionero de la sátira como fue el maestro berlinés...
Si bien los méritos artísticos quedan en un segundo plano...la extraordinaria puesta en escena y sobre todo un descomunal talento y ritmo narrativo aderezado por unos diálogos sublimes, casi rozando la perfección, hacen de esta cinta una de las muestras del séptimo arte de obligado visionado para comprender y captar la esencia del talento creativo elevado a la enésima potencia...
Una ácida, corrosiva y despiada crítica en tono satírico del régimen comunista en época Stalinista, con la reciente muerte del gran líder bolchevique, Lenin, aún en la memoria...
En 1957, el cineasta americano de origen armenio, Rouben Mamoulian, revisitó musicalmente esta obra titulándola "La bella de Moscú", con Fred Astaire y Cyd Charisse como protagonistas...
Inolvidables escenas como el primer encuentro fortuito entre la agente de la Junta de Comercio Rusa, Nina Ivanovna 'Ninotchka' Yakushova (Greta Garbo) y el cínico y simpático conde Leon d'Algout (Melvyn Douglas)..., cuando éste le sirve como cicerone a la hora de encontrar la torre de Eiffel...ella subiendo a pie los 1665 escalones, mientra él se queda perplejo al llegar a la cima de la torre, ya que ha llegado allí más tarde, y ¡¡subiendo en ascensor!!...Y desde allá arriba; La ópera, Montparnasse, Montmartre, etc...
...O la deliciosa secuencia en el humilde restaurante parisino de obreros, "Permatie", cuando el conde la agasajaba con lisonjeras artimañas del pícaro empedernido...contando chistes ininteligibles para una conciencia demasiado fría, y encorsetada como la de Ninotchka , mientras los comensales del lugar se retorcían en interminables muecas de hilaridad desenfrenada...
"Esta película está rodada en París, en aquellos maravillosos días cuando una sirena era una jovencita y no una alarma, y si un francés apagaba la luz no se debía a un ataque aereo..."
I M P R E S C I N D I B L E.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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27 de agosto de 2006
35 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
A pesar de la opinión generalizada de la crítica y del público que la ha visto, esta cinta ha sido una de las que mejor me lo han hecho pasar, a lo largo de sus 97 minutos de metraje.
Es cierto que Allen siempre toca los mismo temas con los mismos personajes, tan sólo variando las situaciones, pero no deja de ser cierto también que sus cintas nos sientan como una bocanada de aire fesco en medio de un panorama actual de películas de dudosa entidad...
Uno siempre se acuerda de esos largos paseos por Central Park que los protagonistas, Jerry Falk (estupendo Jason Biggs) y David Dovil (W. Allen) solían frecuentar en largas sobremesas soleadas, hablando de la vida desde dos perspectivas paralelas; aquella del joven Jerry como un tipo pesimista y existencialista que frecuenta el diván de un psiquiatra ("...¿prefieres el psicoanálisis a una sesión de realidad!!!???, ¿te has vuelto loco?, ¿eres inframental o qué?), y la de su mentor y amigo, Dovil, teóricamente más optimista con sus visiones sobre lo saludable de los chistes y su perspectiva paranoico-vital y con un vocabulario en la mayoría de los casos inaccesible para Jerry...
La fotografía en esta ocasión corre a cargo de Darius Khondji, y la estupenda y habitual ambientación sonora de su obra tiene un cartel de lo más variado; Diane Krall, Billy Holliday, Cole Porter e incluso el vanguardista Moby!!!
Para muchos esta cinta es una obra menor..., y puede ser cierto dependiendo de con que la comparamos; si la comparamos con sus propias obras (las de Allen) puede salir perdiendo, pero si las comparamos con la mayoría de las obras contemporáneas sin duda ésto es una obra maestra.
En cualquier caso, si lees alguna crítica de esas negativas que finalmente te echan para atrás, que sepas que estás perdiéndote una estupenda cinta llena de los estupendos gags habituales del maestro semita... con un guión y una puesta en escena no tan sólidos como en ocasiones anteriores, pero una gran película sin duda alguna...
R E C O M E N D A B L E.
Es cierto que Allen siempre toca los mismo temas con los mismos personajes, tan sólo variando las situaciones, pero no deja de ser cierto también que sus cintas nos sientan como una bocanada de aire fesco en medio de un panorama actual de películas de dudosa entidad...
Uno siempre se acuerda de esos largos paseos por Central Park que los protagonistas, Jerry Falk (estupendo Jason Biggs) y David Dovil (W. Allen) solían frecuentar en largas sobremesas soleadas, hablando de la vida desde dos perspectivas paralelas; aquella del joven Jerry como un tipo pesimista y existencialista que frecuenta el diván de un psiquiatra ("...¿prefieres el psicoanálisis a una sesión de realidad!!!???, ¿te has vuelto loco?, ¿eres inframental o qué?), y la de su mentor y amigo, Dovil, teóricamente más optimista con sus visiones sobre lo saludable de los chistes y su perspectiva paranoico-vital y con un vocabulario en la mayoría de los casos inaccesible para Jerry...
La fotografía en esta ocasión corre a cargo de Darius Khondji, y la estupenda y habitual ambientación sonora de su obra tiene un cartel de lo más variado; Diane Krall, Billy Holliday, Cole Porter e incluso el vanguardista Moby!!!
Para muchos esta cinta es una obra menor..., y puede ser cierto dependiendo de con que la comparamos; si la comparamos con sus propias obras (las de Allen) puede salir perdiendo, pero si las comparamos con la mayoría de las obras contemporáneas sin duda ésto es una obra maestra.
En cualquier caso, si lees alguna crítica de esas negativas que finalmente te echan para atrás, que sepas que estás perdiéndote una estupenda cinta llena de los estupendos gags habituales del maestro semita... con un guión y una puesta en escena no tan sólidos como en ocasiones anteriores, pero una gran película sin duda alguna...
R E C O M E N D A B L E.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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18 de junio de 2006
41 de 55 usuarios han encontrado esta crítica útil
Richard Donner retomó la antorcha de las grandes películas de terror con el tema satánico de por medio.
Pues bien, esta efectista cinta, acompañada en su día de una enorme publicidad de marketing, como lo sucedido con el reciente remake ahora en nuestras pantallas, fue estrenada un día 6, del mes 6 de un año acabado en 6 (1976), y posteriormente se continuó con la mastodóntica campaña publicitaria, recopilando toda una reputación de cinta maldita apoyada en supuestas leyendas urbanas, tales como la muerte en accidente de tráfico de un técnico de sonido de la película en el kilómetro 166,6 de la carretera hacia Omen (localidad norteamericana), el suicidio días antes de un hijo de Gregory Peck, o la carrera truncada del niño protagonista (Harvey Stephens).
En la peli también todo se inicia un día 6 del mes 6, a las 6 de una madrugada con una destacada personalidad del mundo de la política norteamericana y amigo íntimo del presidente americano, el señor Robert Thorn (enigmático y brillante Peck) metido en un taxi romano de camino al hospital de San Patricio, donde su mujer va a dar a luz...
Finalmente, el hijo de la pareja es un niño con una cara de lo más inquietante y maléfica que jamás se se recuerde, salvo si exceptuamos, la cara standard del niño en la cinta "Los Niños del Brasil".
La pareja de protagonistas, el señor Robert Thorn y su esposa Katherine( una Lee Remick menos sensual que en "Anatomía de un asesinato", y menos caústica y más contenida que en "Días sin huella"), se trasladan a Londres donde Robert prosigue su vertiginoso ascenso hacia la presidencia de la Casablanca al ser nombrado embajador norteamericano en la capital británica.
Inolvidables escenas así mismo, como la del niño en triciclo (más explícitamente terrorífica que la misma del "Resplandor", aunque bastante menos sugestiva también que aquella), los desenlaces de personajes como el padre Brenan, Jennings y la nany inicial, así como el sorprendente e impactante final, o la escena en el cementerio etrusco a 50 kilómetros al sur de Roma.
Altamente interesante y recomendable. T E R R O R Í F I C A.
Pues bien, esta efectista cinta, acompañada en su día de una enorme publicidad de marketing, como lo sucedido con el reciente remake ahora en nuestras pantallas, fue estrenada un día 6, del mes 6 de un año acabado en 6 (1976), y posteriormente se continuó con la mastodóntica campaña publicitaria, recopilando toda una reputación de cinta maldita apoyada en supuestas leyendas urbanas, tales como la muerte en accidente de tráfico de un técnico de sonido de la película en el kilómetro 166,6 de la carretera hacia Omen (localidad norteamericana), el suicidio días antes de un hijo de Gregory Peck, o la carrera truncada del niño protagonista (Harvey Stephens).
En la peli también todo se inicia un día 6 del mes 6, a las 6 de una madrugada con una destacada personalidad del mundo de la política norteamericana y amigo íntimo del presidente americano, el señor Robert Thorn (enigmático y brillante Peck) metido en un taxi romano de camino al hospital de San Patricio, donde su mujer va a dar a luz...
Finalmente, el hijo de la pareja es un niño con una cara de lo más inquietante y maléfica que jamás se se recuerde, salvo si exceptuamos, la cara standard del niño en la cinta "Los Niños del Brasil".
La pareja de protagonistas, el señor Robert Thorn y su esposa Katherine( una Lee Remick menos sensual que en "Anatomía de un asesinato", y menos caústica y más contenida que en "Días sin huella"), se trasladan a Londres donde Robert prosigue su vertiginoso ascenso hacia la presidencia de la Casablanca al ser nombrado embajador norteamericano en la capital británica.
Inolvidables escenas así mismo, como la del niño en triciclo (más explícitamente terrorífica que la misma del "Resplandor", aunque bastante menos sugestiva también que aquella), los desenlaces de personajes como el padre Brenan, Jennings y la nany inicial, así como el sorprendente e impactante final, o la escena en el cementerio etrusco a 50 kilómetros al sur de Roma.
Altamente interesante y recomendable. T E R R O R Í F I C A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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16 de diciembre de 2006
30 de 33 usuarios han encontrado esta crítica útil
Narrada en un tono de similar cadencia narrativay estética a la de sus grandes obras maestras del post-neorralismo del corte de "Amarcord", "8 y 1/2" ó "Giulietta de los espíritus", la película es todo un alarde del genio creativo del de Rímini...
Sólo al genio italiano se le ocurrían este tipo de imágenes fetiches llenas de sutil lirismo y de una belleza plástica pluscuamperfecta, plagadas de grotescos personajes llenos de poses y actitudes genuinamente felliananas...
Con una fotografía mayoritariamente en color, si exceptuamos el tramo inicial grabado en el desaliñado y grueso blanco y negro del cine mudo de comienzos de siglo XX a cargo de todo un fenómeno de la fotografía transalpina, europea y mundial como Giuseppe Rotunno y una excelente banda sonora repleta de grandes temas de la lírica italiana y alguno en lengua germana, ensamblados por Gianfranco Plenizio con temas de aportación propia como el que da título a la película y que se canta en el momento inicial del embarque, la película es toda una agradable sorpresa máxime si tenemos en cuenta que Fellini sólo completaría tres obras más después de ésta, incluyendo su inmediatamente posterior y espléndida "Ginger e Fred"...
Llena de mágicos momentos, sobretodo en la cubierta del faraónico trasantlántico de principios de siglo XX y de estandarte italiano, el "Gloria N", donde en el famoso tramonto (o puesta de sol) italiano se solapaban sol y luna en aquellas APABULLANTES imágenes de una belleza y plasticidad ÚNICAS, ante la atenta mirada de la selecta y artística tripulación a bordo primero, y plagada de aquella turba de exiliados serbios escapados del imperio austro-húngaro después..
La pomposidad y pretenciosidad del selecto mundo de la ópera a bordo de aquel gran trasantlántico zarpado desde territorio italiano y rumbo a la isla de Érimo para rendir tributo y esparcir las cenizas de la incomparable diva del bel canto, Edmea Tetua (Janet Suzman)...
...Desde la lujosa y paradisíaca cubierta, hasta los hornos del barco, donde los voluntariosos carboneros solicitaban a la sustituta de la difunta Edmea, la vanidosa y sensible Ildebranda Cuffari que les deleitara con algún breve fragmento del bel-canto, y cómo el resto de cantantes líricos allí congregados rivalizaban entre sí por dar un tono más poderoso con el tema de "La donna è mobile" del Rigoletto de Verdi...ó aquella otra imagen del domador turco con el hediondo rinoceronte enfermo en los bajos del transatlántico...ó la selecta tripulación mezclada con la turba de proscritos serbios bailando en la cubierta...ó aquellos ancianos sacando música de vasos y copas...Ó aquella breve aparición al final de la obra del propio maestro de la Romagna rodando los últimos planos de la obra...
I M P R E S C I N D I B LE.
Sólo al genio italiano se le ocurrían este tipo de imágenes fetiches llenas de sutil lirismo y de una belleza plástica pluscuamperfecta, plagadas de grotescos personajes llenos de poses y actitudes genuinamente felliananas...
Con una fotografía mayoritariamente en color, si exceptuamos el tramo inicial grabado en el desaliñado y grueso blanco y negro del cine mudo de comienzos de siglo XX a cargo de todo un fenómeno de la fotografía transalpina, europea y mundial como Giuseppe Rotunno y una excelente banda sonora repleta de grandes temas de la lírica italiana y alguno en lengua germana, ensamblados por Gianfranco Plenizio con temas de aportación propia como el que da título a la película y que se canta en el momento inicial del embarque, la película es toda una agradable sorpresa máxime si tenemos en cuenta que Fellini sólo completaría tres obras más después de ésta, incluyendo su inmediatamente posterior y espléndida "Ginger e Fred"...
Llena de mágicos momentos, sobretodo en la cubierta del faraónico trasantlántico de principios de siglo XX y de estandarte italiano, el "Gloria N", donde en el famoso tramonto (o puesta de sol) italiano se solapaban sol y luna en aquellas APABULLANTES imágenes de una belleza y plasticidad ÚNICAS, ante la atenta mirada de la selecta y artística tripulación a bordo primero, y plagada de aquella turba de exiliados serbios escapados del imperio austro-húngaro después..
La pomposidad y pretenciosidad del selecto mundo de la ópera a bordo de aquel gran trasantlántico zarpado desde territorio italiano y rumbo a la isla de Érimo para rendir tributo y esparcir las cenizas de la incomparable diva del bel canto, Edmea Tetua (Janet Suzman)...
...Desde la lujosa y paradisíaca cubierta, hasta los hornos del barco, donde los voluntariosos carboneros solicitaban a la sustituta de la difunta Edmea, la vanidosa y sensible Ildebranda Cuffari que les deleitara con algún breve fragmento del bel-canto, y cómo el resto de cantantes líricos allí congregados rivalizaban entre sí por dar un tono más poderoso con el tema de "La donna è mobile" del Rigoletto de Verdi...ó aquella otra imagen del domador turco con el hediondo rinoceronte enfermo en los bajos del transatlántico...ó la selecta tripulación mezclada con la turba de proscritos serbios bailando en la cubierta...ó aquellos ancianos sacando música de vasos y copas...Ó aquella breve aparición al final de la obra del propio maestro de la Romagna rodando los últimos planos de la obra...
I M P R E S C I N D I B LE.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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26 de diciembre de 2006
36 de 46 usuarios han encontrado esta crítica útil
Excelentemente narrada y elegante y sobriamente filmada, Kiéslowski vuelve a hacer alarde de su excelso dominio técnico del asunto.
Segunda entrega de la trilogía del cineasta polaco sobre los colores de la bandera francesa, representando el azul de la monarquía (monárquicos legitimistas) y el blanco y rojo de la ciudad de París y que el difunto cineasta quiso asociar simbólicamente con cada uno de las famosas palabras contenidas en aquella celebérrima divisa proclamada durante la revolución francesa allá por el año 1790, y expuestas entre otras muchas ideas por los legendarios Voltaire, Rousseau o Montesquieu, como eran: libertad (simbolizado para Kiéslowski en la primera de las entregas de su famosa trilogía; color azul) ,igualdad (simbolizado según Kieslowski el color blanco que nos compete) y la fraternidad (a la que Kiéslowski rebautizó como solidaridad en la tercera y más completa entrega de la trilogía, el color rojo).
Excelente planteamiento sobre la igualdad, esta vez con el exclusivo tono de comedia de tinte azabache, y al igual que en el resto de la serie el cineasta polaco se encarga de impregnar el asunto cincelándolo con sus pinceladas del color representado, es decir, en esta ocasión de un blanco alternativamente esperanzador (representado en su claridad, su inocencia y su éxtasis intrínseco) y/o áspero (en algunas de las escenas en la nieve, en los pañuelos y trozos de papel blancos con los que Karol interpretaba canciones populares de su país natal, o en los excrementos del pájaro que le caen de forma premonitoriamente humillante antes de afrontar su divorcio..."¿La igualdad?, ¿qué igualdad?..."Hoy en día todo se compra con dinero...").
Y es que el cineasta polaco acabó finalmente desencantado con su posterior elección del libre mercado después de apoyar los estertores del régimen comunista bajo el que fue criado...de esta forma Kiéslowski nos lo hace saber a través de las peripecias de este peluquero polaco, Karol (Zbigniew Zamachowski), quien después de ser humillado por su propia esposa "con la ley en la mano" en un paradigmático país de la libertad como Francia, se ve indefectiblemente impelido a volver a su raíces en Polonia para renacer de sus cenizas y pergeñar un plan maquiavélico y de tintes muy negros que le sirviera para saciar sus deseos, instintos y orgullo para con su esposa y a la vez vengarse de tamaña afrenta moral.
Si bien la estupenda fotografía intrínsecamente colorista de la trilogía corre a cargo de tres camarógrafos distintos, la textura cromática musical de la misma fue creada por el mismo autor, Zbigniew Preisner, en esta ocasión a base canciones populares polacas que Karol solía cantar en su breve etapa de mendigo en el metro parisino con un trozo de papel, o más tarde convertido ya en un afortunado hombre de negocios en su Polonia natal, extraída de una pañuelo blanco.
N E C E S A R I A.
Segunda entrega de la trilogía del cineasta polaco sobre los colores de la bandera francesa, representando el azul de la monarquía (monárquicos legitimistas) y el blanco y rojo de la ciudad de París y que el difunto cineasta quiso asociar simbólicamente con cada uno de las famosas palabras contenidas en aquella celebérrima divisa proclamada durante la revolución francesa allá por el año 1790, y expuestas entre otras muchas ideas por los legendarios Voltaire, Rousseau o Montesquieu, como eran: libertad (simbolizado para Kiéslowski en la primera de las entregas de su famosa trilogía; color azul) ,igualdad (simbolizado según Kieslowski el color blanco que nos compete) y la fraternidad (a la que Kiéslowski rebautizó como solidaridad en la tercera y más completa entrega de la trilogía, el color rojo).
Excelente planteamiento sobre la igualdad, esta vez con el exclusivo tono de comedia de tinte azabache, y al igual que en el resto de la serie el cineasta polaco se encarga de impregnar el asunto cincelándolo con sus pinceladas del color representado, es decir, en esta ocasión de un blanco alternativamente esperanzador (representado en su claridad, su inocencia y su éxtasis intrínseco) y/o áspero (en algunas de las escenas en la nieve, en los pañuelos y trozos de papel blancos con los que Karol interpretaba canciones populares de su país natal, o en los excrementos del pájaro que le caen de forma premonitoriamente humillante antes de afrontar su divorcio..."¿La igualdad?, ¿qué igualdad?..."Hoy en día todo se compra con dinero...").
Y es que el cineasta polaco acabó finalmente desencantado con su posterior elección del libre mercado después de apoyar los estertores del régimen comunista bajo el que fue criado...de esta forma Kiéslowski nos lo hace saber a través de las peripecias de este peluquero polaco, Karol (Zbigniew Zamachowski), quien después de ser humillado por su propia esposa "con la ley en la mano" en un paradigmático país de la libertad como Francia, se ve indefectiblemente impelido a volver a su raíces en Polonia para renacer de sus cenizas y pergeñar un plan maquiavélico y de tintes muy negros que le sirviera para saciar sus deseos, instintos y orgullo para con su esposa y a la vez vengarse de tamaña afrenta moral.
Si bien la estupenda fotografía intrínsecamente colorista de la trilogía corre a cargo de tres camarógrafos distintos, la textura cromática musical de la misma fue creada por el mismo autor, Zbigniew Preisner, en esta ocasión a base canciones populares polacas que Karol solía cantar en su breve etapa de mendigo en el metro parisino con un trozo de papel, o más tarde convertido ya en un afortunado hombre de negocios en su Polonia natal, extraída de una pañuelo blanco.
N E C E S A R I A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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