*Cuando Ryan encontró a Emily

He hecho un poco de trampa al colgarle a El especialista la etiqueta de "acción". Pese a que la hay (y mucha, y muy bien dirigida), lo que subyace no es ni más ni menos que una comedia romántica, una screwball entre los personajes de Ryan Gosling y Emily Blunt, complementada con una trama de thriller centrada en el personaje de Aaron Taylor-Johnson, que es la que da pie a toda la parte de acción, en la que David Leitch demuestra que, por encima de todo, es un gran coreógrafo y director de este tipo de escenas.

Esta romcom se sustenta en el carisma infinito de sus dos protagonistas, y en su química, y nos da grandes momentos, especialmente aquellos más ácidos en los que ambos se tiran puyas sin fin, abiertamente cómicos, y momentos algo más sonrojantes, en los que la película intenta ponerse "seria" y jugar con lo más puramente romántico, pero que naufragan por genéricos y por salirse del tono que el propio Leitch ha marcado. Blunt y Gosling, especialmente este último, son dos devoradores de pantallas con un gran talento, además, para la comedia.

*Suélteme el brazo, David

El especialista también es una película empeñada en "molar". Desde su comienzo, con el 'I Was Made for Lovin You' de Kiss, mientras Ryan Gosling hace cabriolas en el set, su director se convierte en ese amigo que no para de darte golpecitos en el hombro, para reafirmar lo graciosa que ha sido su última ocurrencia. El problema es que, aunque la película acierta más veces de las que falla, aquellas en las que no lo hace pueden resultar petardas al espectador. Muchos gags están alargados de más, como si nadie le hubiese dicho a Leitch un "corta" a tiempo.

Precisamente, sus mejores chistes son aquellos que tienen que ver con lo meta, con lo cinematográfico, en los que la peli demuestra mala baba para reírse de la industria actual ('Dune' sale escaldada, con una parodia divertidísima). De hecho, cuanto menos se toma en serio a sí misma, mejor funciona, como ocurre con la trama más de "suspense", que cuando intenta ajustarse a los códigos pierde interés.

*Conclusión

El especialista es, hablando un poco bruto, cine cuñado químicamente puro. Es consciente de que divierte, de que "mola", y te lo recuerda insistentemente, y está llena de explosiones, hostias, rock y personajes chulos. Esta apuesta es arriesgada, pero si sale bien, y teniendo dos actores con mojo y gags que funcionan, te queda una película entretenida y disfrutable, a la que quizá le sobre un poco de todo, pero que no te deja falto de nada.

Escrito por Adri Cámara

*Sobre el Grishaverso

Sombra y hueso se ambienta en Ravka, un país de inspiración rusa y dividido por la Sombra. La población grisha se divide en tres gremios según sean Etherialki o invocadores -con subcategorías como inferni, vendavales y agitamareas-, Materialki o hacedores, y Corporalki -como sanadores y mortificadores-. En un contexto político -interior y exterior- convulso, Alina Starkov se alza como Invocadora del Sol, la única esperanza de Ravka para acabar con la Sombra.

Jessie Mei Li (Alina) demuestra gran potencial y está a la altura de Ben Barnes (El príncipe Caspian, Westworld, Dorian Grey), quien interpreta al Oscuro. Alina sigue el clásico viaje del héroe al crecer y desarrollar sus habilidades mientras su lealtad baila entre su pasado y su futuro prometedor, ambos personificados por Mal y el Oscuro respectivamente.

Como sucede en los libros, al apostar por un elenco coral hay un sacrificio en la profundidad de los personajes a favor de la construcción del universo y la acción. Se consigue una atmósfera concreta donde los personajes de Inej, Kaz y Jesper aportan un tono diferente, más dinamizador y divertido.

*Quien mucho abarca…

Alina entrena, evoluciona y se desarrolla no solo como personaje sino también como grisha. La serie da espacio a tramas y escenarios diferentes que han beneficiado a personajes como Mal, el amigo de la infancia de Alina, que tiene un desarrollo más profundo que en el libro. Pero perjudica a otros como Matthias y Nina, quienes parecen ser olvidados en ocasiones, o cuya trama tiene menor recorrido que el de sus compañeros.

Aún así, la serie es bastante fiel al libro original, prueba de ello son los personajes de Baghra y Genya, retratados en ciertos diálogos casi palabra a palabra. A partir del sexto episodio la serie aporta escenas diferentes e innovadoras para el público seguidor, no es negativo ya que aporta una creatividad aprobada por la autora, cuyo desenlace está ligado al del libro.

Sombra y hueso será comparada con otras series juveniles como Las escalofriantes aventuras de Sabrina o Fate: La saga Winx, al lado de ellas esta serie saldría ganando; por su estética más madura y oscura quizás se podría pensar en The Witcher. El gran acierto de la serie ha sido mantener el tono que Bardugo ya retrató en los libros, su narrativa contiene nacionalismo, racismo, trata de niños o abuso de poder. El guion de la serie contiene los clichés propios del género young adult, pero también hay una inversión narrativa en el desarrollo de idiomas como el fjordano.

*Aciertos: ambientación, tono y dinamismo

La factura de Sombra y hueso (Shadow and Bone) es solvente, destaca la ambientación y construcción del universo, el dinamismo, actuaciones creíbles y un tono maduro, aunque muy Netflix. La plataforma se toma en serio al público young adult y ofrece alta fantasía sin edulcorar, mezcla amor, amistad y aventura, pero también de ciertas oscuridades. No solo villanos obvios, también otras éticas.

Escrito por Alba Puerto Martín

*Utopía colombiana

Mi primer acercamiento al cine colombiano fue con ‘La vendedora de rosas’ (Víctor Gaviria, 1998), la vi gracias a una mujer colombiana que me quiso enseñar la que era, según ella; ‘’La mejor película de mi país’’. Han pasado muchos años, pero ese fue un punto de inflexión de mi vida, ahí empezó a gustarme el llamado cine social. Esta película, al igual que Los reyes del mundo, estaba subtitulada, algo que me extrañó en el momento, pero que enseguida comprendí al no llegar a entender nada de lo que decían los protagonistas, hablábamos el mismo idioma, pero éramos desconocidos, estos recuerdos me vinieron a la memoria nada más comenzar a ver la cinta de Laura Mora Ortega.

Está claro que la directora colombiana bebe de muchos referentes, pero, lo más importante, es que se centra en los de su país para renovarlos y reinventarlos. Esto no es algo nuevo, ya lo hemos visto en otras películas como la increíble ‘Monos’ (Alejandro Landes, 2019). Esta nueva corriente cinematográfica, trata de reconducir la historia reciente de Colombia, creando nuevos referentes audiovisuales que traten los distintos sucesos traumáticos del país, que actualmente se encuentra en reinvención tras querer dejar atrás el estigma que ha supuesto el narcotráfico.

Un camino que emprenden en busca de una tierra prometida, donde se encuentra una Colombia nueva en la que todos son libres e iguales. Lo deja bien claro cuando nos muestra un burdel bastante decadente en el que apreciamos una bandera colombiana roída, como símbolo de aquel pasado oscuro. No obstante, son los tres protagonistas los que entran en ese espacio, buscando redención y por ello, podemos ver a mujeres mayores, que seguramente han perdido a sus hijos por el narcotráfico, y a jóvenes adolescentes, bailar juntos como si fueran madre e hijo, unas madres que ellos nunca tuvieron y unos hijos que ellas perdieron.

*Abrazar al caballo blanco

El simbolismo inunda la pantalla de Los reyes del mundo. Comenzamos y acabamos con escenas simbolistas, y entre medias tenemos secuencias que evocan a ello, pero lo que está siempre presente es el caballo blanco y puro, como la visión que tiene nuestro protagonista de su abuela, que va acompañando a los protagonistas. Inicialmente empezamos en la ciudad, con una cámara muy agresiva que hace sentir al espectador la presencia del exceso y la violencia del entorno, para luego pasar a una parte en el campo más simbólica, reflexiva y observacional.

La estructura no es nada nueva, la hemos visto muy repetida en el cine de este tipo, sabemos en todo momento lo que va a suceder y eso es algo que va en contra de la película, sin embargo, la dirección de Laura Mora Ortega es lo que le aporta ese grado de valor que la hace tan especial. Además, toma la decisión de ir a la contra y contar la historia a través de personajes que tratan de huir de la violencia, y no la emplean como tal, como sí se había visto en numerosas películas semejantes.

Ese carácter reflexivo, es el que le da el toque de interés a la obra, que cuenta con momentos tan sencillos, pero épicos, como la ruptura de las bombillas de farolas, el encuentro en el burdel o la acogida de un señor al que todo el mundo repudia. Momentos en los que Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano paran su camino, para aprender algo nuevo y continuar hacia su tierra prometida, en la que quizá encuentren esa libertad que tanto ansían.

*Conclusión

Laura Mora Ortega consigue realizar una película coherente y creativa, a pesar de su estructura clásica en la que todo lo que va a suceder es predecible de principio a fin. Sin embargo, el toque observacional, reflexivo y simbólico de la obra, aporta un grado de interés excepcional. Cabe mencionar que dentro de este simbolismo podemos encontrar también algunas relaciones excesivamente obvias, pero por lo general, están muy bien integradas y son bastante evocadoras.

Los reyes del mundo cuenta con escenas que se quedarán grabadas en la retina del espectador que ame un cine reflexivo, que consiga romperle todos los esquemas. Una obra que representa esa búsqueda de libertad que todos hacemos cuando somos jóvenes, pero que, quizá, se nos va olvidando por el camino. Un canto a la igualdad de todos que nace con la proclama; ‘’Todos los hombres seremos iguales’’, en el futuro o en el paraíso, quién sabe lo que nos deparará esta amarga existencia.

Escrito por Santiago Varela Antúnez

*Perdidos

Cuando una serie o película consigue atraparte, por poco que estés entendiendo la trama, es señal de lo buena que es. En Fragile, por ejemplo, pasan más de tres episodios hasta que te haces una composición de lugar y cinco hasta que finalmente descubres la relación que une a los personajes. Sin embargo, la serie es tan fascinante que no puedes dejar de mirar a la pantalla, buscando claves que te ayuden a encajar las piezas y adivinar qué secretos esconden los protagonistas.

La inteligencia con la que el guionista Serge Boucher desarrolla esta historia a cinco bandas es admirable. Boucher nos suelta en medio de la acción, en una pequeña ciudad canadiense donde dos familias esconden secretos que vamos descubriendo al mismo tiempo que lo hacen los personajes. Curiosamente, además, no sentimos ninguna prisa por desvelar todos los misterios que moldean la trama. Eso significaría llegar al final de la serie y abandonar el universo de ficción creado por Boucher, apacible e inquietante a partes iguales.

*Contención

Aunque destila ficción por cada uno de sus poros, Fragile tiene una asombrosa carga de realismo que nos permite conectar con las historias que se entrelazan en ella. Esto es posible, sobre todo, gracias a la sobria interpretación del fabuloso elenco encabezado por Pier-Luc Funk (Matthias & Maxime) y Marc-André Grondin (C.R.A.Z.Y.). El drama está muy presente en las vidas de los personajes a los que dan vida, pero los actores no se dejan sofocar por él.

En Fragile no hay espacio para la sobreactuación y Claude Desrosiers, con una larga carrera como director en el medio televisivo, se asegura de que los actores no pierdan contacto con la realidad. Consigue así que nos creamos todo lo que nos cuentan y sienten, avivando nuestro interés por ellos episodio a episodio.

*Posos

Fragile no es una serie de usar y tirar. Después de haberlos acompañado durante diez episodios, sus protagonistas acaban por hacerse un hueco en nuestra memoria. Especialmente, Dom y Félix, los dos jóvenes en torno a los cuales giran las muchas tramas que van dan forma a su amistad.

La dinámica entre estos dos personajes, interpretados a la perfección por Pier-Luc Funk y Marc-André Grondin, resulta tan especial y sincera que tenemos la impresión de que están compartiendo con nosotros algo muy valioso para ellos. Sus conversaciones y encuentros son enigmáticos. Sus gestos y emociones están cargados de serenidad. El misterio que encierra su muerte es solo una excusa para acercarnos a ellos y conocerlos.

Conclusión

*Entre tanta oferta televisiva, es difícil encontrar una producción que, como Fragile, destaque por su fuerza, calidez e inteligencia. Aún más especial la hace el hecho de poder sentirla más tuya que las series que están en boca de todos. De hecho, egoístamente, te lo pensarás dos veces antes de compartirla con nadie. Así te será más fácil engañarte a ti mismo y pensar que Dom y Félix solo te han contado su historia a ti.

Escrito por Esther Alvarado

*Una lección a los blockbusters de los grandes estudios de Hollywood

Gareth Edwards acaba de darle un bofetón a Hollywood y sus blockbusters con The Creator ya que la película, de tan solo 80 millones de dólares de presupuesto luce mejor que cualquier blockbuster estrenado este año. Posiblemente con la excepción de Guardianes de la Galáxia 3 que parece la única película que se ha tomado el tiempo en post-producción para poder darle un acabado impecable. The Creator nos transporta a un mundo muy inventivo, con muchas referencias ya conocidas pero en el que el director encaja perfectamente los fondos y los efectos digitales con el metraje rodado. Es cierto que precisamente Gareth Edwards empezó su carrera con Monster, una pequeña película que jugaba muy bien con los fondos digitales. Visualmente es una auténtica maravilla. Y no ha costado ni la mitad que cualquier blockbuster de un gran estudio estrenado este año.

*Excelente diseño de producción y creación de mundo

Gareth Edwards acaba de crear un mundo visualmente muy atractivo, que ya prometía des del primer póster. Las referencias son claras: el retro-futurismo de Star Wars, los militares del cine de James Cameron y el diseño artístico de juego de rol (y la serie de amazon prime) Tales From the Loop. La historia, pese a que ahora hablemos de IA en vez de robots o androides, podría haber formado parte perfectamente del universo de Blade Runner. Con una clara influencia de El lobo solitario y su cachorro, una historia que ha vuelto a estar muy de actualidad gracias a The Mandalorian y The Last of Us.

Lo bueno es que pese a que el mundo creado por Edwards tenga estas claras referencias consigue crear su propio universo, con sus propias reglas y algunos elementos muy interesantes. Pude que el que esté menos acertado en toda la producción sea Hans Zimmer, que tarda mucho en presentar un tema realmente emocionante.

*Muerte por hype

Mi gran problema con The Creator está en su historia. A priori parecía una película bastante más sesuda de lo que ha acabado siendo y pese a que no soy muy fan de dejarme llevar por las expectativas la historia ha acabado decepcionándome un poco. Y creo que es más por su narrativa y su montaje que por lo que cuenta en sí. No acabo de conectar emocionalmente con ella. Puede que sea porque a lo mejor no me ha acabado de convencer Edwards en su guion. Puede ser que en el guion nunca tenga la necesidad de ir a favor de la inteligencia artificial y en realidad esté casi más del bando de la humanidad en este caso.

También hace muchas cosas buenas el guion de The Creator. Sabe ponerte en contexto rápido, el protagonista y sus secundarios no te caen mal. La historia es previsible, y eso no debería haberme importado tanto ya que el acto final me ha gustado mucho. Y en este acto en parte ha sido porque parece que de repente se ha despertado Hans Zimmer.

*Conclusión

The Creator es una gran película de ciencia ficción. Al menos en escala. La historia (y sobretodo como está contada) no me ha convencido ni emocionado pero admito que es uno de los mejores espectáculos visuales del año. Si algo queda claro es que Gareth Edwards tiene un sello visual muy atractivo.

Escrito por Daniel Buron