Podría haber muchas aproximaciones a una historia de amor entre una chica con cáncer que lleva toda la vida en estado terminal y un chico con la misma enfermedad pero en remisión. Aquí tenemos la más adolescente, la más “cheesy”, empalagosa y comercial. Eso no tiene que ser necesariamente malo, únicamente hay que saber verlo como lo que es, y eso es una cinta de romance creada para adolescentes de entre 12 y 17 años o gente que disfrute llorando como una magdalena. El libro lo era, la cinta lo sabe llevar perfectamente a la pantalla.

En Bajo la misma estrella (The fault in our stars, 2014), conocemos a Hazel Grace, una joven que lleva prácticamente toda la vida como enferma terminal de cáncer. Su madre le obliga a salir de su cascarón de libros y cinismo y conoce en el grupo de apoyo a Gus, el chico popular al que el cáncer le truncó su carrera como jugador de baloncesto; juntos van forjando una amistad que se desarrolla en una historia de amor cocida a fuego lento y con la tragedia como telón de fondo.

El libro tenía un arranque poderoso lleno de un humor cargado de cinismo e ironía y cuando llegaba la historia de amor todo se volvía ligeramente convencional y adolescente antes de un final poderoso que me hizo girar la páginas de casi medio libro en una noche entera. La novela era un best-seller comercial para adolescentes que no tenía gran calidad, y sí conteníacada elemento para hacerte llorar y se esforzaba en ello, pero funcionaba y resultaba agradable de leer. Como un inspirado capítulo de Anatomía de Grey.

La cinta es lo mismo, podía tener más nervio, más humor y más cinismo hacia la vida real y menos momentos lacrimógenos, pero entonces sería otra película diferente y ésta es la que hay y no la que queremos que sea. Y seamos sinceros esta es la película que su target específico quiere ver y no la que un crítico académico desearía. Así que hay que saber verla en su contexto, en su entorno y apreciarla y quererla por ello. Es un filme adolescente que nunca pretende disfrazarse de otra cosa.

Como actriz principal y alma máter tenemos a Shailene Woodley, la actriz que nos conquistó en Los descendientes y que lleva aspiraciones de ser la nueva Jennifer Lawrence en un año con dos importantes éxitos (ésta junto a divergente) y que sabe inflar de vida a Hazel Grace, sabe dar a cada frase la credibilidad necesaria y consigue llevar todo el peso de la película perfectamente.

Su pareja en la ficción, Gus, está interpretada por Ansel Elgort que muestra ciertas carencias interpretativas. Seguramente su aire de chico bueno con aspecto chulesco fulmine a las adolescentes pero me costó muchísimo entender y respetar su interpretación y falta de carisma, sobre todo en la primera parte de la cinta.

Como secundarios tenemos también a Nat Wolff como Isaac, un personaje que en el libro me pareció ligeramente desdibujado y que el actor no consigue dar con él. En muchas escenas me parecía que se estaba como riendo, e incluso en sus momentos lacrimógenos no sabía dar con el tono y la convicción. Ambos actores me irritaron en bastante momentos y me hacen rebajar la nota final de la película.

La que sí que lo borda es Laura Dern que consigue construir un personaje que en el libro está casi de adorno y que ofrece una construcción admirable. Laura Dern está perfecta en cada una de sus frases y momentos sabiendo dar completamente en el clavo en todo momento. Ella y Shailene Woodley son el alma, la magia y la simplicidad de la cinta.

Willem Dafoe como el escritor Van Houten también demuestra que sabe lo que quiere y que lleva años haciendo esto. Hace lo que puede en su escaso tiempo en pantalla, pero lo hace francamente bien.

Todo ello está adornado con una dirección muy adecuada, ideas y grafismos modernos y una dirección artística y fotografía luminosa y en muchos momentos cargada de magia y que te hace sonreír como un idiota pensando que eso es bonito y tierno, gracias a una selección de canciones de pop muy avanillado y una bada sonora que sabe subrayar cada emoción y transportarte (y manipularte) a través de los sentimientos.

En comparación con el libro, han sabido hacer un gran guión y descartar las cosas que realmente aportaban bastante poco a la narración (la amiga de Hazel, la ex de Gus, todo lo relacionado a videojuegos o el libro de guerra que él lee) en pro de las buenas ideas del mismo (la granada, el miedo a morir por no herir a los que te quieren). Ambos se defienden bien como best seller juvenil y como película adolescente, saben moverse bien en sus aguas y mostrar argumentos sólidos para gustar a su público objetivo.

En resumen, Bajo la misma estrella es una cinta adolescente con todo lo que ello conlleva, pero es una bien hecha con rasgos de talento y buenas ideas que, aunque sea una lástima que no estén más y mejor desarrolladas, siempre son un placer encontrar en las cintas. Bajo la misma estrella es dulce, tierna, fresca, llena de calidez y luminosidad sobre un tema que podría haber sido un desastre. Es cierto que es manipuladora en las emociones pero sabe tocar las teclas del piano correctamente para que la melodía funcione.

Valoración: 7/10

Lo mejor: Las actrices

Lo peor: Los actores

Invasión a la tierra no es ni más ni menos que una americanada bélica cargada de todos los tópicos posibles y que no consigue integrarte en la acción de la pantalla en ningún momento, una película que sin embargo se ve sin dificultad y se escucha mejor desde la sala de al lado.

La película se alimenta del miedo americano surgido post 11S, ese pavor a ser atacados de nuevo por sorpresa, de hecho en su título original esconde menos este matiz (Battle: Los Angeles) y es que en esta cinta lo mismo da que hubiesen sido alienígenas que islamistas (salvo por la tecnología) ya que los aliens batallan cuerpo a cuerpo y bombardean aéreamente la ciudad de Los Ángeles. la opción estética y argumental de la cinta hace que su experiencia sea lo más similar a ver a alguien jugar a un videojuego sin coger el mando.

En la cinta tratan de ensalzar continuamente a los Estados Unidos de América y a su equipo militar (mucho ojo a la música épica) pero sin embargo la galería de tópicos es tan nutrida y variada que al final parece que el único ser inteligente de todo el planeta sea el protagonista. Por eso la cinta no acaba de coger el tono apropiado ya que trata de ser una epopeya y hay un batiburrillo de géneros (ciencia ficción, bélica, drama, comedia improvisada) que te deja absolutamente frío.

Además las escenas espectaculares que deberían estar ahí no terminan por despuntar ni por dejarte la boca abierta a golpe de efectos. Para entendernos está más cerca de la acción de Michael Bay que de la de Roland Emmerich.

Pero sobre todo lo que me cabreó de la cinta es que los protagonistas se pasan todo el puto rato gritando. Es horroroso. Ver esta película en el cine con sus sonidos THX, surround y toda su paranoia es la experiencia más dolorosa que pueden pasar tus oídos (a nivel físico). Es terrible, no hacen otra cosa que vocear y gritar y te exponen a tal nivel que cuando termina la cinta estás absolutamente agotado y agradeces salir de la sala.

Los envenenamientos de Salisbury (The salisbury Poisonings) es la nueva producción de la BBC de tres episodios que recrea los eventos sucedidos en 2018 en Salisbury donde dos agentes del MI6 (Sergei Sktipal y su hija Yulia) fueron envenenados con elementos químicos en suelo británico por espías rusos.

La serie se centra en la investigación policial del evento pero también en la crisis sanitaria que se desembocó con ello (¿es segura la ciudad? ¿Cómo se contagia? ¿es mortal?) y claro dos años después y en pleno confinamiento por el CoVid-19 resuena como una alegoría terrorífica de la realidad que vivimos hoy en día.

Realizada tras una intensiva documentación y entrevistas esta recreación de los hechos se anuncia cómo lo más cercana posible a la realidad de cómo se desencadenaron lo hechos. Y lo hace desde diferentes narrativas que confluyen alrededor del caso.

Por un lado tenemos a la directora de salud pública de Wiltshire, Tracy Daszkiewicz, que se encuentra en el corazón de la respuesta al ataque y la vemos intentar tratar algo que se puede escalar rápidamente (por un momento temen que se haya filtrado al abastecimiento hidráulico) y cómo gestionar a una ciudad a la que le dicen que no tenga miedo mientras ven químicos y analistas en casi trajes espaciales alrededor de ellos.

Otra trama se centro en el policía que acudió en respuesta y se contagió en casa de los afectados, y la otra tercera historia y quizás la más interesante es la historia de Dawn Sturgess, la verdadera gran víctima de todo, una madre de clase obrera que lucha contra sus adicciones y con poner un pie delante del otro y se ve lateralmente involucrada en el asunto.

En cierta manera es un homenaje a la historia de Dawn Sturges, la mujer de la que todo el mundo se olvidó porque estábamos más interesados en el conflicto geopolítico y las consecuencias de ello y nos olvidamos de los individuos reales, de carne y hueso que había detrás.

Los actores que tenemos son muy solventes en sus papeles con MyAnna Buring (Downton Abbey, Ripper Street), Anne-Marie Duff (Shameless) y Rafe Spall (Trying, Jurassic World Fallen Kingdom) grandes actores que llevan a la perfección el papel.

El problema de esta mini-serie es que los acontecimientos son excesivamente recientes y todos sabemos la conclusión de los mismos, entonces resulta muy difícil mantener el suspense sobre algo que ya sabemos y al mantener una narración clásica de los eventos en lugar de alternar las líneas temporales no podemos evitar levantar la ceja porque ya sabemos de qué viene la cosa y hacia dónde va. Aún así es una serie que resulta muy entretenida por mantener el foco en tierra, en los personajes y no irse por las nubes a elementos políticos o desencadenantes.

En resumen, Los envenenamientos de Salisbury es una recreación certera, robusta y entretenida de uno de los grandes misterios recientes que en estos tiempos de virus hace una alegoría involuntaria de la realidad que vivimos en 2020. Recomendable

Tracker es el nuevo procedimental que seguramente ya has visto varias veces: un hombre con un pasado traumático (usualmente relacionado con problemas paternofiliales) que compensa su dolor con una notable inteligencia en un área específica. A veces son genios informáticos, otras veces físicamente fuertes, y en esta serie, nuestro protagonista destaca por su habilidad para seguir rastros.

Por supuesto, este personaje no presta sus servicios al Estado ni a una profesión en particular; suelen ser solitarios que más tarde desarrollan vínculos con algún personaje femenino, estableciendo raíces y ayudando a la gente. La serie es tan evidente en lo que está haciendo que en cierto momento incluso lo narran como: "Tu padre desapareció, y por eso ahora ayudas a la gente...", como si el guionista odiara tener que seguir un procedimiento tan básico.

Seamos honestos: Tracker es esa serie procedimental que ya has visto. Cada episodio presenta un caso de desaparición (al estilo de "Sin rastro") y nuestro protagonista utiliza su inteligencia para llegar donde los inútiles policías nunca llegan, porque si lo hicieran, no habría serie. ¿Debemos creer que la policía ni siquiera revisa las cámaras de seguridad en el lugar donde un niño desaparece? Aunque parezca imposible, ese es el nivel de superpoder que tiene el protagonista.

El otro superpoder es ser increíblemente atractivo e irresistible para cualquier ser humano que menstrúe. Todas las mujeres caen rendidas ante sus encantos. Justin Hartley se lleva toda la producción a sus espaldas, lo conoces por la serie "This is Us" y sobre todo por ser el exmarido de Chrishell de Selling Sunset. Es un actor bastante limitado, pero la serie es tan consciente de lo que es que tarda apenas 3 minutos en quitarse la camiseta, como si fuera indispensable llevar poca ropa para resolver el caso.

De hecho, todo es tan previsible que cada episodio termina con un tono inspirador y una moraleja del tipo "tienes gente a tu alrededor que te quiere", en un aire muy propio de las series americanas, con una pareja lésbica para la inclusión y jefes de policía negros para que todo sea políticamente correcto. Aún así, no todo lo que he dicho es malo. A pesar de ser un cliché, la serie es efectiva, se pasa rápido, tiene una buena selección de música americana y es efectiva cuando y donde debe serlo.

¿Es suficiente para destacar en el actual panorama televisivo, donde se estrenan nuevas series semanalmente? Creo que no, pero si te gusta lo que he descrito, la serie no tiene nada que impida recomendarla.

La decepción de pre-mediana edad cuando llegas a los 35 y te das cuenta de que muchas de tus metas no se han cumplido y debes aceptar no solo que probablemente nunca se cumplan sino que tu vida no se ha terminado convirtiendo en lo que esperabas, mientras al mismo tiempo vas viendo cómo tus coetáneos van “sentando cabeza”. Dentro de esta historia “típica” hay algo radical en la forma en la que Saint Frances toca estos temas.

Aquí Bridget (una brillante Kelly O’Sullivan que también ejerce de guionista) es una camarera que sobrevive sin preocupaciones y cuya vida no parece dirigida hacia ningún lugar hasta que tiene un embarazo no deseado y termina de rebote aceptando el trabajo de niñera de Frances, una niña de una pareja lesbiana católica acomodada que acaba de tener otro bebé.

A partir de ahí la película trata temas muy serios y de los que el cine Mainstream no habla como el aborto, la menstruación, la crisis post parto, la falta de tacto… La película está llena de detalles y consigue que todo esté tratado con tal normalidad que no te das cuenta de las reflexiones que estás teniendo y llega donde el cine nunca se suele atrever a llegar.

Lo que más me ha gustado (aparte de la genial química entre Bridget y Frances) es el tono conseguido, entre la comicidad y las conversaciones casuales con la que se tratan estos temas que tienen un trasfondo muy serio pero la cinta consigue nunca ceder al efectismo o dramatismo, todo se mantiene en un equilibrio ejemplar gracias a lo bien escrita que está con diálogos naturalistas, y la sutilidad con la que se tratan temas como la religión, la raza, la homosexualidad, los celos, las relaciones millenial… mientras Bridget empieza a construir errores y rectificaciones sobre los que pondrá los cimientos de su nueva etapa de madurez asumida.

Hay una escena en el confesionario donde Frances ejerce de Dios, confesar realmente emocionante y cargada de verdad, repito sin caer en ningún efectismo barato.

En resumen, Saint Frances es un retrato auténtico, realista y tridimensional de la vida actual al llegar a esa marca. Una película que, como “Podría destruirte” ha realizado en TV, está construida sobre un guión tan sólido que no parece una lección sino una reflexión cargada de matices. Es honesta, divertida, sincera, natural y en gran parte radical en cómo toca los temas.