Esta película fue la primera que dirigió Ana Mariscal en su carrera, una de las únicas mujeres que consiguió dirigir películas en la industria del cine español de los años cincuenta. En pleno franquismo, Ana Mariscal presenta una propuesta bastante insólita, la historia de un analfabeto extremeño llamado Segundo López, que siempre ha estado mantenido por su madre y al morir esta y dejarle en herencia una frutería, Segundo decide venderla por que desprecia el trabajo y no quiere trabajar. Con el dinero sacado de la venta del negocio familiar decide viajar a Madrid, a beber alcohol como un animal, holgazanear y si es posible a echarse una novia. Allí conocerá a un huérfano que se dedica a ganarse la vida con pequeños hurtos, y juntos vivirán aventuras en un Madrid desolado y tremendamente pobre.
Crónica picaresca con claros toques neorrealistas y algunos excelentes momentos de humor absurdo. Maravillosa fotografía en blanco y negro del Madrid de la posguerra. La Mariscal nos presenta una vida desoladora de los desheredados madrileños y de su vida de indigentes. Segundo López, es un bonachón hombre de provincias, casi analfabeto y bastante ingenuo, pero desde un enfoque algo más profundo, resulta ser un librepensador con alergia a cualquier tipo de autoridad, al que lo único que le interesa es conocer la capital para follar un poco, beber y hacer amigos. Como curiosidades, en la peli participa un jovencísimo Tony Leblanc en una única secuencia así como también el director de cine de la época Manuel Mur Oti. La propia Ana Mariscal se reserva un pequeño papel de vedette tristona enferma de tisis.
En definitiva recomiendo esta película bastante insólita para la época en que fue rodada y que es una estupenda tragicomedia costumbrista con toques muy pintorescos y algunos momentos verdaderamente graciosos.

Tal vez el exagerado prestigio que adquirió en occidente John Woo, cuando su cine no llegaba a los espectadores occidentales, y directores como Quentin Tarantino proclamaban a los cuatro vientos sus excelencias, haya finalmente jugado en su contra. Por un lado su carrera emigró a Hollywood donde sus películas perdieron garra y parte de las señas de identidad que las caracterizaban. Por otro lado, sus películas hongkonesas empezaron a llegar en tromba editándose en Dvd con muchos años de retraso, y muchos se sintieron decepcionados por una filmografía que delataba a un director bastante discreto aunque con una innegable pericia a la hora de rodar escenas violentas, sobre todo a la hora de utilizar el escenario como otro elemento integrante de la acción. En la actualidad, el espectador occidental avezado en el cine trash oriental, el Chambara japonés, el género yakuza, el Wuxia chino o el thriller de Hong Kong, ya está más que preparado para poder valorar en su justa medida el cine de este director. En primer lugar, es un cine que no interesara nada a los cinéfilos prejuiciosos que consideren que el cine sólo puede y debe ser un espejo de realidades sociales, una manifestación artística de primer nivel que manufacture únicamente cine de autor, o cine de prestigio artístico. Aquellos espectadores que acuden a las salas de cine con frac únicamente dispuestos a ver clásicos imperecederos u obras de arte, menospreciaran este tipo de cine.
Yo particularmente no he entendido jamás esta postura, puedo disfrutar tanto de una película de Ingmar Bergman, Rosellini, Bresson, Bela Tarr como de una película de John Woo, Dario Argento o Lucio Fulci. Todo depende del momento y del estado de ánimo particular que tenga en ese instante. Lógicamente no exijo las mismas cosas al cine de unos y al cine de los otros.
Para mí, la carrera de John Woo en Hong Kong, está llena de autenticas bazofias, de películas reguleras y de al menos cuatro estupendos y muy disfrutables thrillers descabellados y carnavalescos: A better tomorrow (1986), The killer (1989), Una bala en la cabeza (1990), Hard Boiled (1992).
Estas cuatro películas recogen prácticamente todos los temas, clichés y manías personales del autor, además de contar con la colaboración de su habitual Chow Yun-Fat, actor al que no conocía ni Cristo en su momento, y que empezó a ser conocido a partir de su salto a Hollywood junto a John Woo hacia mediados de los noventa del siglo pasado.
En Hollywood perdió el desparpajo y la frescura sus mejores películas de Hong Kong, frente a las producciones no pobres pero algo desaliñadas que realizo en China, en Hollywood realizó películas mucho mejores técnicamente pero bastantes más aburridas. Sus películas perdieron su sentido del humor, y las secuencias ralentizadas o los planos secuencias memorablemente violentos y llenos de coreografías imposibles dejaron de funcionar en Hollywood. El ritmo de producción acelerado del cine de acción de Hong Kong, resultaba bastante incompatible con las producciones americanas de acción del aquel entonces, mas aseadas en la fotografía y en los efectos especiales, pero menos abiertas a la improvisación y al jolgorio coreográfico de sus escenas de acción. John Woo estaba acostumbrado a encargarse el mismo de la producción, la dirección, el guión, intervenía en pequeños papeles y sospecho que incluso supervisaba personalmente el catering, ya puestos. En Hollywood esto no era posible.
La capacidad ilimitada de los cargadores de las armas que se disparan, las piruetas circenses de los protagonistas, los montajes combinando planos secuencias elaboradísimos y rápidos junto a pequeños intervalos de escenas ralentizadas se hicieron plomizas y aburridísimas en sus películas americanas. Realizo auténticos bodrios como Broken Arrow, Blanco humano, Mision Imposible 2, Windtalkers…
Desde mi punto de vista solo consiguió acercarse a esos thrillers chinos descabellados, demenciales, pero llenos de ritmo frenético y de personajes absurdos pero al mismo tiempo carismáticos y graciosos por sus neurosis y traumas personales en “Cara a Cara” de 1997. Antológicos John Travolta y Nicolas Cage, intercambiando sus roles y ámbitos familiares de criminal y policía, sobreactuando de manera exageradísima para dar vida a unos personajes totalmente frustrados y oligofrénicos, que daban rienda suelta a sus desengaños, fiascos, delirios de grandeza y particulares sentidos del honor , en un enfrentamiento “face to face” violento, brutal y tragicómico.
Tuvo que volver a Hong Kong en 2009, para realizar una película digna, involucrándose en un Wuxia épico titulado Acantilado Rojo.

Hay estupendas películas sobre la infancia y la adolescencia, unas serias y dramáticas, otras nostálgicas y entrañables, cada uno tendrá las suyas, para mí por ejemplo destacan : Verano del 42 de Robert Mulligan, Matar a un ruiseñor de Robert Mulligan, Leolo de Jean Claude Lauzon, La piel dura de Francoise Truffaut, Los cuatrocientos golpes de Francoise Truffaut, El pequeño salvaje de Francoise Truffaut, Neds de Peter Mullan, Orfhans de Peter Mullan, Adios a la inocencia de Richard benjamín, Un lugar en ninguna parte de Sidney Lumet, Paisaje en la niebla de Theo Angelopoulos, Niños robados de Gianni Amelio, American Graffiti de George Lucas, Krampac de Cesc Gay, Buenos días de Yasujiro Ozu, El verano de Kikujiro de Takeshi Kitano, L.I.E de Michael Cuesta, El fin de la inocencia de Michael Cuesta, Cuenta conmigo de Rob Reiner, La princesa prometida de Rob Reiner,………etc, etc.

Lo digo, porque respetando todas las opiniones, a mí, Héroes de Pau Freixas me parece un cagarro de película. En defensa del filme hay que decir que el doblaje al castellano es lamentable y te saca constantemente de la historia. Pero este gran inconveniente no me impide aborrecer la cursilería ñoña y bobalicona de Freixas, sus homenajes sonrosante a películas como E. T de Spielberg, su épica molesta y simplista, y una utilización de una banda sonora grandilocuente y reiterativa que hace imposible que yo me sienta mínimamente conmovido por la historia que cuenta. Todo tan enfático que pierde cualquier rasgo de intimidad. Melaza nostálgica indigesta y proclive al empacho. Únicamente he disfrutado escuchando los himnos ochenteros de Alphaville “Big in Japan” y “ For ever Young”

De la novela e Hemingway : tener o no tener, hay tres versiones cinematográficas, la de 1944 de Howard Hawks, la de 1950 de Michael Curtiz y la de Donald Siegel de 1958. Hoy he visto la versión de Michael Curtiz con John Garfield y Patricia Neal y me parece que está a la altura de la de Hawks.
La película de Siegel, es un mediocre remake con Audie Murphy de protagonista, un actor demasiado blandito para el curtido personaje de Sam Davis creado por Hemingway.
La película de Michael Curtiz es un poderoso filme noir que no tiene nada que envidiar a la versión de Hawks. Siendo las versiones de 1944 y 1950 dos películas cojonudas basadas en una misma novela, sin embargo se parecen la una a la otra como un huevo a una castaña. La de Hawks es una estupenda combinación de comedia y aventuras donde Humphrey Bogart encarna a un héroe cínico y de vuelta de todo que sin embargo tiene sentido del humor y una gran vitalidad. Al final de la película uno se imagina que Bogart seguirá junto a Lauren Bacall y el inseparable borrachín Walter Brenan, viviendo nuevas aventuras.

La película de Michael Curtiz supone el reverso oscuro de la de Hawks .Película pesimista con una visión más tenebrosa del ser humano. Aquí John Garfield es un antihéroe, un hombre que al terminar la segunda guerra mundial creía que se iba a comer el mundo y el mundo se lo comió a él. Es un tipo derrotado que tiene a su cargo una mujer y dos hijas a las que se ve incapaz de mantener. Al final de la aventura, conseguirá salir vivo pero totalmente destrozado, con un brazo mutilado y sabiéndose más incapaz aún de sostener A SU FAMILIA.

Tal vez, Olivier Assayas sea uno de los directores más interesantes del cine actual francés, sobre todo por la uniformidad en la calidad de sus propuestas y por la coherencia de su carrera, donde nunca se ha apartado del cine de autor personal, incluso en las coproducciones en las que ha intervenido. “Paris se despierta”, su tercera película, supone un paso adelante con respecto a sus dos películas anteriores, en las que no podía evitar los tics típicos del cine pedante francés, por fin en esta tercera propuesta, da rienda suelta a su estupenda agilidad narrativa y a su sofisticada planificación técnica a la hora de crear imágenes. Dejando atrás definitivamente los baches narrativos de su anterior película “El niño del invierno” así como la molesta sensación de querer imitar a Bergman o a Eric Rohmer.
En “Paris se despierta” comienza a verse a un director con personalidad propia, y de enorme talento, adentrándose en otra dura historia de personajes desnortados y faltos de coherencia, que no pueden evitar hacerse daño en sus relaciones personales y que demuestran una gran inmadurez emocional. Y todo ello en un ambiente sórdido, un parís marginal que únicamente nos muestra su belleza, en los planos generales que muestran Paris en el amanecer o en el atardecer, planos generales de la ciudad con los que abre los distintos arcos argumentales. Assayas vuelve a interesarse por el reverso oscuro de las relaciones humanas, en este caso entre un padre, su amante de dieciocho años y el hijo de la misma edad.
Assayas demuestra una maestría innegable, tanto en la elección de los encuadres, la elaboración de los planos secuencia, la luz, como en la dirección de los actores. Actores semiprofesionales y desconocidos, salvo la presencia de Jean Pierre Lelaud, el actor fetiche de Francoise Truffaut.
Película premonitoria del enorme talento que atesora Assayas, que encantará a los amantes del cine francés de calidad, y que sin embargo puede no gustar al público más convencional. Cine gafapastil, pero en este caso, buen cine, exento de las pedantería cargantes típicas de este tipo de películas.