“Thriller” dirigido por Tom Shankland, en la que una dispar pareja de detectives compuesta por el amargado y de vuelta de todo Eddie Argo (Stephan Skarsgard) y la novata Helen O’Mara (Melissa George) tienen que resolver una série de horribles crímenes que tienen como nexo común una curiosa ecuación (en realidad es W Delta Z) y un hecho ocurrido en el pasado.

El film tiene dos claros referentes imposibles de eludir: por un lado “Saw”, sobretodo en lo que se refiere a la estética del lugar donde se producen los crímenes y a lo retorcido de éstos, y por el otro “Seven”, ya que sigue un patrón bastante similar, en cuanto a los dos protagonistas que retrata en esta película, y un punto de partida basado en una ecuación (en la famosa obra de David Fincher eran los pecados capitales).

A pesar que el film se reviste de una cierta, estudiada y cuidada sordidez, y que a pesar de los paralelismos con las citadas obras intenta no parecerse a ellas, desmontando rápidamente la posible intriga de saber quien es el asesino, a favor de buscar una mirada desencantada hacia el mundo, lo cierto es que no lo consigue. Los personajes del film, incluso los protagonistas, son excesivamente planos y muy desdibujados, quedando absorbidos a favor de la tétrica y sórdida puesta en escena.

Sin apenas profundidad, ni en los personajes ni en el tema de fondo, el film deriva hacia su resolución de forma un tanto lánguida y excesivamente lenta, por cuanto el único interés que le quedaba al film era resolver los asesinatos y a pesar de algún que otro giro de guión, perdemos el interés por el film tan pronto conocemos la motivación del asesino.

Después de varios años asomando dráculas, hombres lobos y monstruos diversos, el género del terror necesitaba renovar sus contenidos. Fue por los años 70 cuando el género empezó a nutrirse de personajes corrientes y normales (la mayoría de ellos también literarios) que escondían un lado oscuro en su interior. Ya no eran seres fantásticos o malditos los que nos daban miedo sino nosotros mismos (¿Acaso no hay nada más terrorífico que un ser humano?).

De Palma enfoca el film como si fuera un itinerario circular sangriento (comienza con la primera menstruación de Carrie), aunque adoptando un tono de película dramática. En este sentido, no se trata de la típica película de terror de sobresaltos, gritos, muertes y mucha sangre. El terror del film es mucho más psicológico. Carrie es una persona inadaptada, diferente, que es marginada por sus propios compañeros de clase, viviendo a la sombra de su madre.

Las interpretaciones del film resultan notables, destacando la de Pipper Laurie por encima de todos, ofreciéndonos un registro un tanto excesivo e histriónico pero que realmente era el tratamiento que necesitaba el personaje. La joven Sissy Spaceck también realiza una interpretación meritoria, siendo su elección muy acertada por parte del director (o del que fuera responsable), al ofrecernos una intepretación realmente sensacional haciendo muy creibles su personaje.

La planificación que realiza De Palma en esta película es ejemplar. Manteniendo un tono de "película normal", sin ninguna concesión a mostrarnos algo más distendido. Desde el principio somos testigos del montaje, de cómo juegan con los sentimientos de Carrie sus propios compañeros (entre los que podemos reconocer a un jovencísimo John Travolta o a Nancy Allen), al mismo tiempo que sabemos que la joven es una bomba de relojeria que puede explotar en cualquier momento. Sin duda, De Palma le debe mucho a Hitchcock a la hora de construir este tramo de apariencia "normal", pero que prepara los acontecimientos posteriores.

Es al final del film donde De Palma condensa la "acción" del film, el desenlace, y donde realmente es él mismo: un director eminentemente visual, muy efectista y con un gusto estético muy personal y colorista. La secuencia del baile de graduación rompe bruscamente el devenir aparentemente normal del film, pero no sólo temáticamente sino también de forma estética, con un claro dominio del color rojo.

El gran mérito de De Palma es como pasamos de la escenificación de una broma de colegío a algo completamente diferente (en la línea de películas de Hitchcock como "Psicosis" o "Los Pájaros"), y como esa ruptura queda perfectamente integrada dentro de lo que nos están contando. De Palma nos había mostrado una nueva vía de hacernos pasar un mal rato, que posteriormente sería imitada hasta la saciedad.

Dirigida por James Gray, el film nos cuenta las cuitas de Leo Handler (Mark Walhberg) quien recien salido de prisión, e intentando enderezar su vida, se ve envuelto en un asunto turbio de la mano de su amigo Willie (Joaquin Phoenix) y su tío político Fran (James Caan).

El film, tiene un cierto aroma al cine negro clásico mezclado con el “thriller” de los años 70. Ciertamente, lo que nos propone James Gray es un viaje al pasado, no sólo en cuanto a que la historia que nos cuenta no está ambientada en la actualidad (más bien tiene una cierta estética a los años 80), sino que la forma de explicarnos la historia tiene muchos más puntos de contacto con el pasado.

Gray renuncia voluntariamente al efectismo, a mostrarnos vertiginosas escenas de acción y persecuciones. En su lugar, predomina claramente un férreo guión en el que lo importante son los personajes que intervienen en la trama y el estupendo tratamiento que el director hace de ellos. Aunque se podría decir que el film está orientado a tres bandas: con un Leo quien ha estado en la cárcel sin delatar a sus compañeros de correrías, pero que ahora se verá, por fuerza de las circunstancias en una situación similar, mientras que Willie ejerce de poderosa influencia, imagen del triunfador, aunque con pies de barro, y por encima de todo su tío, Fran un persona que desde el principio tiene mucho que ocultar. Pero Gray no descuida a otros personajes importantes en la trama como son la prima de Leo, Erica (Charlize Theron) con poca presencia pero mucho peso argumental (aunque más bien implícito, que solo intuimos a base de pequeños detalles) o la madre de éste Kitty (Ellen Burstyn). Sin olvidarse de la presencia de Faye Dunaway interpretando a la mujer de Fran.

El mérito del guión es que todos los personajes tienen un peso en la historia, favorecido por la excelente dirección de actores que exhibe el director. Todos están fabulosos, aunque es cierto que habría que destacar por encima de todos a Joaquin Phoenix y a James Caan verdaderos monstruos, muy por encima de un excesivamente blando Mark Walhberg.

El tercer pilar del film es la puesta en escena con una fotografía sombría cuando vemos a los personajes en exteriores y un estudiadísimo juego de luces y colores cuando se trata de escenas en interior. Con ello se consigue una atmósfera tenebrosa, turbia que da perfectamente el tono a lo que se nos está contando.

Un film seco, rotundo que sin ser del todo redondo, consigue rememorar los buenos momentos del cine policial y negro.

Gracias sobretodo a directores como Jose Luis Garcia Berlanga, cuando se piensa en un adjetivo para definir el cine español, uno de los que estaría siempre en las primeras posiciones es “costumbrismo”. Aunque también hay que reconocer que bajo ese adjetivo se han escondido productos bien infames. Sin embargo, el director Jose Luis Garcia Cuerda, se vale de ese costumbrismo para tomarse la licencia de retratar el reino de los cielos “a la española” (pecado!). Ya de entrada, ver en la puerta a San Pedro (Paco Rabal) vestido de Guardia Civil es toda una declaración de intenciones sobre lo que vamos a ver.

Cuerda nos ofrece un film que desde luego no creo que se conserve en la biblioteca del Vaticano. Y es que no deja títere con cabeza. El cielo según cuerda es como un tranquilo pueblecito típico español, donde manda un Dios no demasiado contento con su obra (interpretado por Fernando Fernán Gomez), donde Jesús es un personaje resentido con la humanidad por el calvario que tuvo que soportar (interpretado por Jesús Bonilla), donde el arcángel San Gabriel es un ángel descreído y poco dado a volver a la Tierra a hacer más excursiones anunciatorias..... En fin, en resumidas cuentas, que el cielo no es más que una representación de lo que podemos encontrar en la Tierra, con unos santos desanimados y desencantados, al igual que pasa con los hombres. De alguna forma, el cielo no es más que un reflejo de lo que pasa en la Tierra, donde la gente cada vez es más descreída y atea, y la fé sólo está reservada a unos pocos irreductibles. Cuerda rellena la historia de un Dios que duda entre enviar a otro hijo para arreglar las cosas o mandar a los humanos el Apocalipsis, con múltiples chascarrillos a cuenta de la fé y la religión, aunque aparentemente disfrazado de suave comedia costumbrista. Sin embargo a poco que escarbemos en la superficie encontraremos una sátira feroz no tanto contra la Iglesia (institución que apenas es mencionada) sino más bien contra los hombres, y es que visto lo que cuenta, de alguna forma el director nos está hablando de lo mucho que han cambiado los tiempos, y es que el hombre moderno ya no está para religiones, mesías ni Apocalipsis que valgan.

Una película muy divertida, con un reparto lleno de caras conocidas, a los citados hay que añadir a Luis Ciges, Mónica Molina, Juan Luis Galiardo, Alex Angulo, Isabel Serrano, Gabino Diego o Agustín González, que completan este reparto coral, que de alguna forma, sin blasfemias nos hace pasar un buen rato, a costa de temas que se consideran sagrados.

Aunque....acaso no nos hizo Dios a su imagen y semejanza?

Cuando parecía que el género negro ya se había agotado, algunas producciones de los años 70, aunque escasas se encargaron de mantener la llama encendida (aunque sólo quedaba más bien una chispa). Arthur Penn nos ofrece un film atemporal que sigue con inteligencia la senda marcada por otros grandes del cine negro pero llevándolo a su terreno. Su protagonista es Harry Moseby (Gene Hackman) un detective privado, ex jugador de fútbol americano (y otras cosas más que vamos averiguando), que recibe el encargo de localizar el paradero de Delly (interpretada por una joven Melanie Griffith), una adolescente que se ha fugado de casa. Los acontecimientos se irán precipitando y enredando al mismo tiempo. Penn nos presenta un personaje bastante complejo, contrastando su vida profesional (su trabajo como detective) con su vida personal, que es bastante desordenada por sí misma. La mirada de Penn, a traves de Moseby tiene un aire de nostalgia crepuscular, una mirada madura, lúcida y pesimista al mismo tiempo, realizando un relato inteligente que sigue los cánones del género negro, pero que Penn traslada de forma brillante a la sociedad de los años 70, colocando a un típico perdedor del cine negro en una sociedad tan corrompida enferma como lo estaba la de los años 40/50. Estupenda interpretación de Hackman, y sobretodo estupendo el pausado ritmo con que el director va desgranando la investigación que llevará por diversos escenarios pero cuya verdadera finalidad es incitar al espectador a reflexionar sobre el mundo en que vive. Estupendo.