Hay películas que pasan sin pena ni gloria y otras que recogen sus ideas y se llevan la fama. Pasó con "Dark City", que inspiró a "Matrix", y le pasó a este clásico, cuyas ideas fueron canibalizadas para "Un hombre llamado caballo", "Las aventuras de Jeremiah Johnson" y también por Kurosawa y su "Dersu Uzala".

El Hombre de una tierra salvaje es un western pionero en su punto de vista naturalista, en la lucha del hombre por sobrevivir en un entorno hostil. Pero no es solo una aventura de supervivencia, ya que el personaje principal, Zachary Bass (Richard Harris), dado por muerto y abandonado inicia tres viajes: el vital, para sobrevivir, el físico, desplazándose por la tierra salvaje en busca de una oportunidad para vivir y, por último, el viaje interior o espiritual, pues es un hombre sentimentalmente destrozado, no quiere amar a nadie para que no le dañe, ha perdido la fe en el ser humano, en la vida y en la religión. Su afán de superación le permite vencer todos los obstáculos y finalizar esos tres viajes, al finalizar la película es un hombre nuevo, un hombre con fe y esperanza, en paz consigo mismo.

Zachary Bass es un hombre torturado, un arbol que resiste a las tormentas y a los rayos, pero que le hacen crecer retorcido y quemado. No es feliz, su vida no ha sido fácil ni de niño, ni como marido, ni como padre. Pero algo le empuja a sobrevivir, incluso cuando lleva años junto a unos tramperos cazando animales y es herido de muerte por un oso y abandonado agonizante. Richard Harris lo encarna magníficamente, vives en su piel el sufrimiento vital del protagonista, su resistencia a morir, como su determinación, su odio, se transforma en amor a la vida, a cualquier vida, sea de una india, de su bebé, de un lindo conejo herido o de sus compañeros sitiados.

No hay nada al azar en esta intensa película; la Biblia que le dejan sus compañeros al abandonarle, es usada para encender fuego (le salva la vida literalmente) pero al finalizar la lee con interés (le salva el alma). El jefe indio, que le encuentra moribundo, le hace ver, al final de la película, que su fuerza proviene de la voluntad de vivir y del Creador, que lo ha hecho fuerte para ello. La india que pare a pocos metros de él, oculto en la maleza, le permite alcanzar la paz consigo mismo, al ver ese milagroso momento de vida que el no vivió con su mujer, al estar lejos, que murió al dar a luz y que, por fin, acepta y ; como dije anteriormente, transforma su odio en amor a toda la vida, a partir de esa escena no hay más flashbacks sobre su familia.

Sigue en spoiler.

Con claras referencias a 2001 (misión de rescate, descubrimiento de los orígenes, escenas en la nave, artefactos dejados por antiguas culturas), Brian de Palma deconstruye en la mencionada película para crear un épico y emotivo film, en la que los sentimientos ocupan la mayoría de la historia, haciéndonos próximos a las vicisitudes de los protagonistas, aquello que le faltaba a la fría y analista película de Kubrick: le faltaba el amor, amor a tu pareja, a tu familia; le faltaba la amistad; le faltaba la esperanza, la fe; le faltaba la ilusión ante lo desconocido. Todo ello se encuentra en este sublime y maltratado film.

Porque Misión a Marte, realizada por un realizador como Brian de Palma, cuyas experiencias con lo fantástico quedan muy atrás (Carrie, La Furia), es una gran película. Apoyada en una gran BSO de Morricone, De Palma, con su habitual maestría en el movimiento de cámara, con gran pulso narrativo y en la dirección de actores, es capaz de crear escenas tremendamente épicas y desgarradoras, como la que tiene como protagonista a Tim Robbins, que es una clara inspiración para la galardonada Gravity, o la larga escena final, con un emotivo Gary Sinise.

Película despreciada, ninguneada en su tiempo, no merece tal castigo. Es una bella película, llena de buenos momentos, gracias a alguien tan capaz de transmitir emociones como De Palma, un maestro del cine.

Otra vez. Ya lo hicieron con Burt Reynolds en Boogie Nights. La Academia de Hollywood no perdona. Les domina su clasismo y progresismo demócrata de baratillo. Stallone no se lleva el oscar, al igual que le pasó a Reynolds, por ser quién es. Da igual que ganase el globo de oro, que lo da la asociación de críticos extranjeros y un sinfín de premios por su papel de Creed, a Stallone no le perdonarán sus ideas y su cine.

Y es que su papel es lo mejor del un filme bastante normalito, tirando a simplón, con un protagonista que parece el primo rico de Will Smith en El Príncipe de Bel air. Un guión convencional, un Black Rocky para satisfacción de la comunidad afroamericana. Pero un guión que rompe el ciclo perfectamente cerrado en Rocky Balboa, auténtico punto y final de la serie. Ya se lo dijo Poli: Rocky, es tu último asalto.

Creed nos devuelve a un Rocky obsesionado de nuevo con el pasado y sin amigos o familia. Gran error. Creed, un niño rico y guapo de origen difícil ha decidido ser boxeador. Toda la sordidez del mundo de Rocky, con una casa cutre en un barrio marginal, trabajando de matón y con una novia cajera en una tienda de animales y no muy agraciada, se transforma en Creed en un afroamericano rico, en un piso de estudiantes y una novia guapa y artista creativa.¡toma sordidez!. No me extraña que el guión no estuviese nominado, es muy poco realista y sin ese toque heroico del perdedor que era Rocky. Sin embargo, tiene detalles de clase en la dirección, con esos planos secuencia en el segundo y el ultimo combate, aunque sobra esa ridícula escena de las motos.

Lo mejor, un gran Stallone. Su personaje de Rocky es su alter ego, aquello que podía haber sido si no hubiese tenido éxito en el cine. Un luchador sin suerte. Nadie mas podría hacer ese papel. Y como a Rocky, los jueces le roban la victoria en los oscars. No aceptan el genio y la brillantez de los outsiders.

En los años de decadencia del spaguetti western, saturadas las pantallas de bodrios infumables de diversas nacionalidades, como alemanas, españolas e italianas, y buscando las vueltas a los mas inimaginables compañeros de armas (mejicanos e irlandeses del IRA, revolucionarios, monjas y pistoleros, etc) a un productor francés se le ocurrió unir en un western a un ladrón de trenes y a un samurái. No era mala idea, pues los mejores spaguettis se inspiraron en películas japonesas de samurais, y los pistoleros buenos se asemejarían a ronins, samuráis sin señor. Además, al año siguiente se estrenó en TV la mítica serie Kung-Fú, ambientada en el oeste, en el que se mezclaba filosofía y tortazos orientales con el Oeste americano.

La película sigue los derroteros de todas las buddy-movies, que son:

1º) hostilidad hacia el compañero de armas impuesto,
2º) aceptación del mismo
3º) complicidad y por último
4º) amistad entre ambos.

Sol rojo cumple estos preceptos, siendo una película entretenida donde Young busca nuevas situaciones y ambientes, desde el desierto a nieves perennes, desde desnudos y mestizas a abrigos de piel, con la colaboración con los villanos ante un enemigo comun, asi como un combate final entre cañas realmente original. Mifune y Bronson cumplen, con un Delon demasiado pagado de si mismo. Acción y un guión tópico pero solvente.

El problema de los documentales sobre personajes con vida trágica es cómo mostrar su historia sin que resulte poco respetuosa, morbosa o crítica sobre el personaje objeto del filme. Y siempre puede el documentalista tomar partido por o contra el personaje, como hacía Michael Moore.

"Antonio Vega. Tu voz entre otras mil" sin embargo, es una película respetuosa, nada morbosa, no condescendiente y que mantiene distancia con el personaje. Ello permite al espectador centrarse en las entrevistas a los personajes que conocieron a Antonio Vega. Escuchas sus experiencias con él y tú, como espectador, puedes formarte una opinión si es lo que pretendes. Magníficamente montada, entre entrevistas y fotografías se añaden hermosas escenas musicales de sus temas más conocidos. También se emplean grabaciones inéditas de conciertos y entrevistas a Antonio Vega.

Es un magnifico recorrido por la vida y desventuras de un puntal de la música pop en España. Conoces su historia. Te asomas a sus vivencias, todas, las buenas y las desagradables. Aprendes de un ser humano. Vale la pena.