Voy a salir del armario cinéfilo: me gusta el cine español. Ya está, lo he soltado. Muchos os escondéis en las sombras por vergüenza al que dirán, y el mejor piropo que sois capaces de echar a una película española es: «no está mal...para ser española». Tu argumento es inválido. España tiene muy buenas películas en su haber, que realzan el cine español. Ahora mismo no caigo en ninguna, pero cuando las recuerde os callaré la boca. ¡Já!
Vivir es fácil con los ojos cerrados nos cuenta la historia real —aunque con muchos matices—, de un profesor inglés de la España de la post-guerra (sí, otra película más de la post-guerra), que enseña a sus alumnos el idioma a través de canciones de los Beatles. Todo muy romántico. Este profesor recopila estas letras (lo que ahora la gente cool llamamos lyrics), a partir de los audios, y debido al mal estado de estas, no es capaz de comprender algunas de las canciones. Aprovechando la estancia de John Lennon en Almería, para rodar Cómo gané la guerra, nuestro protagonista se adentra en una aventura en busca de este, para preguntarle por las letras de sus canciones. En el camino conocerá a dos chicos que pasaban por allí convenientemente para la trama.


La naturalidad vs la sobre-actuación

Ver actuar a Javier Cámara suele ser un placer visual. En esta película, vuelve a mostrarnos una de esas actuaciones marca de la casa, en la que se desenvuelve con total naturalidad. Un papel a su medida. Es cierto que muchos critican que siempre haga de feo bonachón, pero es que el tío lo calva clava. No olvidemos que ganó el Goya.
Por otro lado, la también ganadora del Goya por actriz revelación, Natalia de Molina, también ejerce esa naturalidad que parece que pide la historia, dejándonos un personaje muy entrañable, aunque un poco planote y sosito. No he llegado a distinguir de dónde era el acento que a veces ponía.
El tercer protagonista de esta historia semi real es un niño que escapa de casa porque ha visto a su padre, Jorge Sanz, sobre-actuar de manera escandalosa. Sin olvidarnos del papel olvidadizo de su madre, Ariadna Gil, que lee un guión sin más. Este niño, al ser hijo (ficticio) de Jorge Sanz, también se pega una sobre-actuación de las buenas.
Aunque el que más destaca es un personaje catalán que no tiene nada que ver con la trama y que era colega del director o algo así. Ese, ese es el que más sobre-actúa.

Pidiendo peras al olmo

El director, David Trueba, creyó ver un filón en la historia de este profesor de inglés de los sesenta, y se decidió a contar su historia en forma de película española. Cuando se puso a escribir el guion se dio cuenta de que la historia no daba para hora y media, y le introdujo subtramas que no le importan a nadie.
Nos encontramos ante una road-movie tan típica que no nos cuenta nada nuevo, que intenta centrarse en los personajes y que no llega con ninguno, exceptuando al protagonista, quizás gracias a la buena actuación de Cámara, quizás porque está basado en alguien real y el resto no.
Este lío de personajes y tramas nos lleva a que la película sea aburrida e irreal en aquellos momentos donde la trama principal no está presente. De ese modo nos meten un romance sin ningún sentido, o la historia de un cateto violento que no dice nada a la película más que lo bruto que somos los andaluces.

David Trueba también se llevó el Goya a mejor director, y la verdad es que no veo nada destacable para ello. Aunque es cierto que la fotografía es bastante bonita.

En definitiva, una película que nos deja un poco el sinsabor de pensar que no hemos visto nada, o al menos nada nuevo, y que nos deja con las ganas de un cameo ficticio del maestro Lennon.
Aunque parezca que la he puesto a parir, he de decir que no la considero mala, más bien pasable. Vamos, que no está mal...para ser española.

Mi puntuación: 5/10

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Elijah Wood es un actor que me gusta mucho, y él era el principal aliciente para ver este thriller español de los creadores de la original Buried. Tras este visionado, creo que a los creadores se le acabó la originalidad.

Tom Selznick lleva cinco años sin tocar el piano, instrumento que toca como muy pocos en el mundo. En su último concierto, Selznick falló algunas notas, y la crítica le atacó por ello. Tras insistencias de su esposa, Tom volverá a dar un concierto. Durante su interpretación, el pianista recibe una amenaza: si falla una sola nota, será asesinado.

Una vez más, Elijah se echa todo el peso de la actuación a la espalda y saca lo mejor de sí, como ya vimos en anteriores películas como Open Windows. Tengo una debilidad por este actor por lo que todo lo que diga sobre él no será del todo objetivo. Aparte de todo esto, creo que muy pocos me negarán que la película se salva gracias a su gran interpretación, pues por lo demás, la cinta es una sucesión de clichés y giros argumentales esperadísimos.

Por otra parte, la aparición de John Cusack en los créditos iniciales borra cualquier rastro de misterio que pueda llegar a tener, puesto que a medida que pasa el tiempo, tenemos más claro qué papel va a desempeñar.

Del resto del casting poco más que añadir, pues son meros instrumentos que el director usa para dar un poco de sentido a la trama.
Y es que esta peca de poca fiabilidad, pues desde el comienzo de la acción se está viendo que todo está cogido demasiado con pinzas, y que en una situación un poco más real, la historia se habría desmadrada en pocos minutos.

De la dirección se puede destacar los planos del concierto, bastante bonitos, y las mezclas que hace entre estos y el interior del teatro. Aunque de esto último hay bastante poco.

En definitiva, una película muy pobre en cuanto a guion y suspense, que Elijah Wood se salva por los pelos.

Curiosidades:
Elijah Wood ensayó con un profesor de piano para las escenas en las que toca y habla al mismo tiempo. Wood declaró que fue muy estresante.
Los créditos finales ocupan 12 minutos de los 90 que la película tiene.
Frases:
«Recuerda: solo es música.»
«Tú no tienes el controlo, Tom. El público tiene el control. Y ahora mismo, yo soy tu público.»
Mi puntuación: 5/10

Cuando uno pretende analizar este tipo de películas —reboots de los 80s/90s—,es inevitable comparar con su película predecesora. Por lo que yo no voy a evitarlo, y voy a comparar, pues no creo que se pueda comentar si no es de esta forma.

El Clan del Pie tiene amenazada a la ciudad de Nueva York. La policía ya no sabe qué hacer con estos malechores. Con el fin de vender un fármaco regenerativo, el Clan del Pie crean un virus con el que pretenden contagiar a toda la ciudad. Nuestros cuatros héroes, y la reportera April O'Neil, intentarán salvar a los neoyorquinos de este clan maléfico y su terrible líder, Shredder.

Como veos, la trama principal sobre la que gira la película es prácticamente la misma que en su primera versión, pero tiene algunas diferencias que para mí son las claves de esta nueva entrega.
En primer lugar, el origen de las tortugas está mucho más ligado a la reportera protagonista, April O'Neil (a la que interpreta Megan Fox), cosa que no sucedía anteriormente, en la que era una simple reportera que se encontraba con estos peculiares héroes de casualidad. Esto le puede dar un motivo más claro al personaje para inmiscuirse en el problema que el simple hecho de hacer un buen reportaje.

Al igual que April, nuestras queridas tortugas tienen una historia mucho más cercana a la historia principal, por lo que el conflicto interno de estas es mucho más creíble. Nuestras tortugas siguen con el mismo humor de siempre que, pese a tener poca gracia o un humor muy infantil, en muchos momentos nos recuerdan a esas tortugas adolescentes con las que echamos tantos buenos momentos los de mi generación.

La personalidad de estas también ha sufrido un cambio drástico, encontrando a un Michelangelo mucho más torpe e infantil, un Donatelo nerd, un Leonardo líder y un Rafael mucho más brusco y serio. Sus rostros también han cambiado, cosa que muchos criticaron pero que yo defiendo, pues parecen mucho más tortugas que en las anteriores y les añade expresividad.

El maestro Astilla —en esta versión Splinter, pues conserva su nombre original—, también ha sufrido un cambio: es mucho más joven, actuando más de padre de estas tortugas que de abuelo o maestro. Esta renovación le hace ser participe en la acción, cosa que en las anteriores jamás vimos, pues se dedicaba únicamente a dar lecciones de sabiduría.

En el apartado visual, la película es bastante bonita y mucho más colorida que las antiguas. Se deja notar la mano de Michael Bay (productor de la cinta), pues la película está llena de acción exagerada y explosiones desmesuradas.

Por todos estos elemento podríamos decir que estamos ante un reboot mejor que el original, pero los productores no contaban con ese otro elemento del que las antiguas están impregnadas y que en esta ocasión no han conseguido: la nostalgia. Esta nostalgia que no nos deja olvidar esas marionetas robóticas que tanto nos impresionaban a los niños de los noventa hace que esta nueva versión se quede en una película más de acción que no logrará calar ni en niños pequeños ni en niños adultos.


Una curiosidad: En un principió se le quiso dar origen extraterrestre a estas nuevas Tortugas Ninja, pero con la cantidad de críticas recibidas, los productores recapacitaron.

Una frase con la que me quedo: «¡COWABUNGA!»

Lo mejor: El humor y los efectos especiales.
Lo peor: Las escenas de acción demasiado exageradas y el poco espíritu que trasmite.

Mi puntuación: 4/10

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Por fin pude ver una película que, por su idea quizás demasiado explotada, no llame la atención en un principio, pero que con el reparto con el que cuenta, me cautivó desde que la vi anunciada. Al final el casting es lo que menos me ha sorprendido.
Un monstruo ha nacido, producto de radiaciones provocadas por bombas atómicas usadas por el hombre en el pasado para intentar matar a otros. Este monstruo es una gran amenaza para la humanidad, y solo con la ayuda del monstruo supremo nos salvaremos.


El reparto de esta película es lo que me llamó la atención, como ya he comentado, pero al final resultó rana pues en este tipo de películas, las grandes estrellas son lo menos importante. Lo importante son los monstruos.
El guapísimo Aaron Johnson—del que mi amiga Saru está enamorada—protagoniza esta película, eclipsando totalmente a las otras dos estrellas del elenco: Elizabeth Olsen y Walter White Bryan Carston. El papel de Aaron Johnson no lo alzará como un gran actor, pero si le va a ir dando esa fama que merece, pues tiene grandes dotes de actor. Un protagonista que quiere ser el héroe (como todo buen militar americano), pero que no lo conseguirá debido a la magnitud de la hazaña.


Como ya he comentado, el reparto no ha sido lo que más me ha sorprendido, sino el ritmo y el agobio que te crea durante toda la cinta el director, mostrando lo catastrófico que puede ser que dos (o más) monstruos se pelean entre ellos eligiendo como campo de batalla una ciudad americana. He tenido que aguantar la respiración en varios momentos, algo que no conseguía una película desde hace mucho.


Otro de los puntos que destacaría es que, aunque como siempre todo el caos transcurra en Estados Unidos (o casi todo), tiene un porqué, y eso es de agradecer, pues estamos hartos de que cada vez que hay un ataque alienigena o un apocalipsis (zombi o divino), todo vaya a parar a esta parte del mundo, como si en otros sitios no pasara nada. A mí me importa lo que ocurra en Andorra o Barbate, por ejemplo.
Poco más que decir de este blockbuster que consigue lo que pretende y del que auguro más partes, con o sin sus estrellas. Pues son bastante reemplazables.



Una curiosidad: Akira Takarada, actor japones que participó en la película original y en tres de sus secuelas, hace un cameo en la escena del aeropuerto de Hawai, sin embargo, dicho cameo fue cortado en la versión final.

Una frase con la que me quedo: «La arrogancia del hombre está en pensar en que controla a la naturaleza, cuando es todo lo contrario. Que se enfrenten».

Lo mejor: El agobio y la ansiedad que te crean varias de sus escenas.
Lo peor: El poco protagonismo de la bestia que da nombre a la película.

Mi puntuación: 6/10

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Jason Segel y Ed Helms son un reclamo suficiente para que me atraiga una película, por lo que cuando supe que protagonizaban Jeff Who Lives at Home, me dispuse a verla.
La trama de la película transcurre por tres historias, una para cada protagonista.
Jeff, interpretado por Marshall Jason Segel, es un treintañero sin porvenir en la vida. No tiene trabajo, no tiene pareja y aún vive con su madre. Una mañana, el teléfono lo despierta y alguien pregunta por Kevin. A partir de ahí, Jeff se dedicará a seguir las pistas de ese nombre y buscar su destino.
Jason Segel me encantó desde que lo vi en la aclamada serie Cómo conocí a vuestra madre en el papel de Marshall. Más tarde me volvió a enamorar en Los Muppets y Bad Teacher. En esta película, Segel hace un papel que le viene como anillo al dedo y del que he oído que se quiere desmarcar, pues no quiere encasillarse.
Ed Helms interpreta a Pat, hermano mayor de Jeff que está pasando por una mala racha con su pareja. Cuando la descubre de casualidad con otro hombre, Pat intetará averiguar qué está pasando, y seguirá a su mujer cueste lo que cueste.
A Ed Helms lo conocí en la mejor serie de comedia que he visto, The Office, donde hacía el papel de Andy Bernard. Pero el papel que le ha dado la fama ha sido sin duda el que hacía en la trilogía Resacón. Me ha gustado mucho en esta película, aunque creo que podría haber sido un personaje menos serio, pues su cariz cómica es muy grande, y aquí está desaprovechada.
La última línea argumental es la protagonizada por la bellísima Susan Sarandon, de la que ya se ha hablado aquí en la crítica de Thw Rocky Horror Picture Show.
Susan es la madre de estos hermanos, que desde que murió su marido, no ha encontrado pareja. Mientras trabaja, un compañero anónimo empezará a mandarle mensajes de amor.
No me olvido de Judy Greer, que hace de la esposa de Pat. Esta actriz es una cara frecuente de series americanas, siendo Californication en la que más ha participado. Le veo grandes capacidades. No la perderé de vista.
La dirección a cargo de los hermanos Duplass me ha encantado, y a pesar de no ser una película memorable, me ha dejado con ganas de ver más del trabajo de esta pareja de directores, por lo que me apunto su filmografía para futuros visionados.
Como todas las comedias independientes de Estados Unidos, el humor inteligente y sutil no te sacará ni una carcajada, pero si varias sonrisas, e incluso lágrimas.
Una película que nos habla sobre la familia y el destino, y que marca los inicios de unos directores a los que les veo un buen futuro por delante.
Si, como yo, eres fan de alguno de los actores que participan aquí, te la recomiendo, pues cada uno de ellos dan lo mejor de sí.


Una frase con la que me quedo: "Nos sentaremos aquí, y esperaremos una señal."
Mi puntuación: 6/10

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