Servidor no se distingue por ser uno de los mayores admiradores de Adam Sandler. Aunque reconozco que sus películas me han sacado carcajadas en mayor o menor medida, la gran parte de las veces las disfruto por inercia, sin mayor interés que despejar la cabeza de los problemas mundanos y sin llegar a reconocer por qué este chico es el más exitoso en taquilla y el mejor pagado allá por las colinas de Hollywood.

Con ese interés acudí a ver Desmadre de padre, la última comedia del susodicho, con menos expectativas de las habituales tras ver críticas y, sobre todo, datos de asistencia a las salas desde su estreno.

Adam Sandler encarna a Donny Berger, un chaval que alcanza el éxito y la popularidad cuando consigue tirarse a una de las profesoras más atractivas que hemos visto pasar por el celuloide (Eva Amurri, luego Susan Sarandon, que además son hija y madre en la vida real). Normal, no todos los días se ve a un adolescente cumplir una de las fantasías más comunes de todos los adolescentes. Pero la fantasía se torna en pesadilla cuando acusan a la profesora de abusar del chaval (claro, es menor), y, para más inri, se ve que lleva un bombo muy avanzado. Donny se hace cargo del crío hasta que éste cumple la mayoría de edad y, a partir de ahí, pierden el contacto. Un punto de partida curioso que, cómo no, desemboca en que Donny sigue con una vida de adolescente a pesar de sobrepasar los cuarenta y, arruinado, retoma el contacto con su desaparecido hijo, ahora millonario y triunfador, que está a punto de contraer matrimonio.

A diferencia de la mayoría de películas de este género, comedias irreverentes a más no poder, en este caso no es el protagonista (Adam Sandler) el que sufre las escenas más embarazosas para vergüenza ajena del espectador, sino que es su hijo Han Solo (sí, ése es el nombre que Donny le puso a su hijo), encarnado por el tierno Andy Samberg el que las padece. Tal vez ese punto de complicidad que se establece con Donny es el que nos facilita disfrutar de las continuas chorradas que éste le hace y le ha hecho a su hijo. Entre los secundarios, cabe destacar la actuación de Vanilla Ice interpretándose a sí mismo como uno de los mejores amigos de Donny, con unos puntos de autoparodia bastante meritorios.

Se entiende el cansancio del público con este, cada vez más abundante, humor pajillero, donde las bromas resultan repetitivas y los protagonistas demasiado conocidos. Pero, una vez superado este filtro, te ríes con esos dos puntitos verdaderamente graciosos.

http://diarioenred.com/2012/09/desmadre-de-padre/

Casi a escondidas, discretamente, y con un maravilloso título como Vacaciones en el infierno, se estrena en España una película que ya tiene un tiempecillo y que en origen se titulaba “Get the gringo”. De nuevo, los gurús del márketing cinematográfico haciendo maravillas en las traducciones de los títulos, a ver si consiguen espantar a alguien más de las salas de cine, que parece que lo del IVA no ha sido la puntilla todavía. Ver esta traducción y acordarse de “Olvídate de mí”, la última comedia de Jim Carrey, es algo que viene natural. Claro, como también es algo natural que te caiga mal Jim Carrey y por eso le hagas esa desgracia en la que, probablemente, sea su mejor película. Sí, lo sé, también es natural que te caiga mal Mel Gibson, y aunque esta guarrada no sea comparable a la que le hicieron nuestros amigos de South Park, es una bonita faena desprestigiar prejuiciosamente uno de sus títulos con más interés en los últimos años, en el que, además, cofirma un guión ágil y fresco.

La película comienza muy bien, con una persecución digna de telediario de la Fox americana, y con Mel Gibson como un atracador de bancos que huye de la policía en busca de la frontera mejicana. Corre tanto y tan bien con su coche que consigue llegar a la frontera, para ser capturado allí por unos corruptos (cómo no) policías. De ahí al infierno, sí. ¿Como si fueran vacaciones? No. Le internan en una prisión (que parece que está inspirada en un caso real) cuyo modo de vida no difiere mucho de un pequeño poblado en el que vale todo lo que el más matón de los presos quiera que valga. De hecho, es tan matón que manda más que muchos policías. Y Mel Gibson tiene que sobrevivir allí. A mí me habría dado más asco que miedo, viendo el percal. Para explicarlo, es como la parte panameña de Prison Break, pero más repugnante.

Parece que, con estas premisas aportadas hasta ahora, bastante tópicas además, la película ha de ser carne de estantería oculta en un videoclub a punto de cerrar, allí alojada junto a fantásticas producciones ochenteras como “McQuade, lobo solitario” o “Snake eater”. Mejor entonces, porque las sorpresas serán más gratas. Mel Gibson hace de Mel Gibson, pero sin dar esa sensación de pena o grima que da últimamente, y la película es muy digna, o casi mejor que eso. La dirección del novato Adrian Grunberg sorprende para bien, bastante bien, con un montaje atrevido, y ayudado por un guión coherente, perfecto para una ración de entretenimiento, acción y humor.

Lo dicho, que no tire para atrás la mierda de traducción que le han hecho, ni que el protagonista sea un Mel Gibson con las cotas de popularidad bajas. La película está bien, tiene acción y tiene ritmo. No es un truño ni mucho menos, aunque en español tenga un título capaz de avergonzar al mismísimo Chuck Norris.

http://diarioenred.com/2012/10/vacaciones-en-el-infierno/

Dos años después de su estreno en las pantallas alemanas, llega a España Silencio de hielo, una película sencilla y dura, sin grandes pretensiones ni logros, que no se sale ni un ápice del modelo de cine e historias narradas en esas regiones durante los últimos años.

En un pequeño pueblo alemán, de esos en los que lo más extraño que puede pasar es que un habitante no sea de raza aria, desaparece una niña, en el mismo lugar y con detalles muy parecidos a un crimen sin resolver veintipico años antes. La policía empieza a moverse y a investigar, a través de pequeñas pruebas y testimonios de la época, aunque sin tener realmente demasiada convicción de poder resolver el caso.

La atmósfera de agobio, de inquietud, de soledad, y de lentitud encierran a los personajes en su interior, y lo trasladan a los desafortunados que esperen un poco de chicha y movimiento. Ya sabemos que no vamos a ver CSI, pero tampoco queremos algo que invite a la siesta.

Últimamente se está imponiendo la moda y el gusto por lo pausado y silencioso, que puede resultar muy artístico gracias a las críticas resabiadas de culturetas y plumas que gustan de llamar la atención destacando bodrios que, en tantas ocasiones, acaban de resultar infumables pero admirados por gente que ni las entiende ni haría una película así si estuviera en sus manos la dirección.

Si hacen un par de cintas más como esta, o incluso compartiendo algún personaje, podrán sacarlo en un pack para que le haga la competencia a Wallander o Montalbano, pero un poquito low cost, claro. Si no, directa a las estanterías de la sobremesa prescindible.

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Para los amantes del cine de acción y artes marciales, si el nombre de Quentin Tarantino aparece relacionado con una película que lleva como título El hombre de los puños de hierro, eso significa prácticamente un sello de calidad. Ya se sabe que Quentin es un reconocido fan de ese género tan setentero conocido como exploitation, a cuyos títulos suele hacer homenaje en sus películas. Pero no nos equivoquemos, aunque su nombre salga en los créditos, no hay que fiarse jamás, porque ésta no es una película como las que él dirige. No es por falta de acción, ni falta de sangre; simplemente, es por falta de carisma, por falta de actitud, por ausencia de esa chispa que hace a las películas de Tarantino diferentes. En definitiva, ni por asomo es tan buena aunque intenten engañarnos.

El guión y la dirección corren a cargo de RZA, un rapero afroamericano que, a través de una historia muy tópica en las películas de artes marciales ambientadas en la China medieval, nos muestra un videclip de enorme duración, gigantesca producción, y excelente reparto. Pero esos ingredientes, unidos a lo que antes comenté sobre Tarantino (bueno, y también Eli Roth) no son suficientes. Claro, es que, si te llamas RZA y eres un rapero de la costa este, ¿por qué te flipas y te metes a dirigir una película con argumento típico de un Jackie Chan adolescente, pero con un look y una dirección artística pseudo Blade? Al menos, eso, el reparto mola, porque Russell Crowe es difícil que no cumpla por muy chorras que sea lo que hace, y Lucy Liu mantiene ese encanto recatado sólo accesible a algunas actrices hoy por hoy. Mención especial para Dave Bautista (Batista), famoso actor de esa pseudo lucha libre americana tan popular y que realmente parece alguien imposible de vencer.

A los incondicionales del género les parecerá entretenida, pero tampoco creará legión de seguidores y fanáticos. Con los medios que hay en escena, se le podría haber sacado más partido, pero seguramente que RZA no pensó demasiado en eso, sino que se conformó con un sello de garantía que, de seguir así, perderá valor a marchas forzadas.

http://diarioenred.com/2012/11/el-hombre-de-los-punos-de-hierro/
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Normalmente, las únicas películas que tienen el honor de ser rehechas (remeiqueadas) son películas de atractivo para el gran público, sobre todo porque, en origen, disfrutaron de éxito comercial o, más posteriormente, se convirtieron en títulos de culto. Hara Kiri: muerte de un samurai se encuadra más en el segundo tipo. Pero ojo, su original, Seppuku, no es la clásica película de culto. De hecho, no es tan adorada porque tampoco es tan conocida, pero los que hemos podido disfrutarla vemos en ella una de las mejores películas de la historia del cine, no solo japonés, sino mundial. Es de esos clásicos que, aunque hayan pasado cincuenta años de su estreno, siempre agradan, siempre enganchan, y nunca da pereza volver a verlos.

Por eso, y sólo por eso, la labor de Takashi Miike es muy meritoria, ya que hay que echarle un par para afrontar tal reto, superior en todos los aspectos a lo de volver a hacer un Spiderman o un Desafío total de turno. Miike es un director talentoso, y le da un toque especial a la película, cuyo argumento es prácticamente idéntico al original, salvo en la manera en la que los hechos narrados se presentan al espectador.

Es esto lo que menos me convence, ya que sacrifica algunas incógnitas agradables en favor de un mayor drama y un acercamiento a eso que tan poco me gusta del cine actual que es restregarnos los sentimientos de los personajes de manera excesiva. Soy de los que prefiere la sutilidad a la evidencia, pero en este caso lo puedo disculpar porque no sólo no es cuestión de hacer una película clavada a la primera, sino porque los tiempos y el público han cambiado, y la manera de hacer cine y expresarlo también.

Que nadie espere una sucesión de peleas espectaculares y sangre a borbotones, porque no las hay. Y no las hay porque no son necesarias. Se cuenta la historia y se hace a través de los personajes y las costumbres japonesas del siglo XVI, hasta en los más mínimos detalles, que los hay, y muchos.

Recomendable para conocer el actual cine japonés si no se ha visto la original, y recomendable como ejercicio de curiosidad si se ha visto aquélla. Por una vez, un remake no llena de mierda el nombre de la película original, sino que le hace bonito homenaje, aunque, una vez más, no le llega ni a la suela.

http://diarioenred.com/2012/08/hara-kiri-muerte-de-un-samurai/