De su director no tengo ninguna referencia, sin embargo debo reconocerle ciertas virtudes. La principal es llegar a convencer a un equipo de trabajo tanto técnico como actoral, de participar en una historia bastante compleja e inexplicable.

Conociendo que la historia está basada en una novela de Gombrowicz, sin haberla leído, reconozco además que es acto de osadía por parte de Zulawski llevarla al plano cinematográfico, pues intuyo que de esta surgieron muchos de los matices filosóficos, confusiones y banalidades contenidas en la historia.

Y aunque no logré conectarme nunca con el argumento, que por cierto es cambiante y fuera de molde, debo reconocerle algo más al director; el trabajo con los actores. Un disparate creíble en la expresividad actoral. Desde la primera escena, los actores se muestran tan convencidos de las sandeces que interpretan, que por momentos hacen sentir al espectador confudido en la realidad que plantean.

Eso sí, admito también algunos fallos de dirección. Siendo una película surrealista, la propuesta narrativa es bastante pobre. Un arte visual irrelevante. La atención recae desproporcionadamente sobre los diálogos reflexivos y confusos, especialmente del inspirado y fallido escritor. Haría falta una desproporción igual en la acciones oníricas, forzar la realidad de los personajes en esta casa, y en la otra, a una mezcla surreal más definida, como lo hecho por ejemplo por el director surrealista checo Jan Švankmajer en Šílení, que también plantea reflexiones de terror filosófico y que sí se da libertad en términos visuales para representarlas.

Una película de un argumento trivial que parece más una suma de esquizofrenias, de puntos altos y bajos en el comportamiento de sus personajes, de raros que se juntaron para confundirse y confundirnos.

De entrada las expectativas son altas, luego de un trailer emotivo, que como muchos otros, resume los mejores momento de la pieza. Ver qué sucede detrás de la cocina del “mejor restaurante del mundo” guarda cierto morbo, que lastimosamente se va extinguiendo con el transcurrir del relato. La misma presión que recae sobre el lugar y sus innovadores platos, es la que recae sobre el documental y la historia que nos cuenta, donde se ahonda muy poco sobre lo importante: la comida.

Los documentales se han convertido en una poderosa herramienta para contar una realidad, indagar y profundizar sobre ella. Noma, my perfect storm pretende narrar un drama con las situaciones que se esconden tras la fama y el prestigio. Más allá de ser un documental intimista con testimonios sinceros y sin tapujos por la forma coloquial en que se expresan los protagonistas, de apostar por una propuesta visual cercana, de planos cerrados que hacen sentir al espectador parte de la rutina del lugar, y de un tono contemplativo y observador con rostros sonrientes y cámaras lentas; resulta un documental sobre un drama forzado que no conecta totalmente, donde la apuesta narrativa supera el argumento y los recursos crean un universo drámatico sobre ninguna incertidumbre.

La labor del restaurante en sí, la reinterpretación de la cocina nórdica propuesta por sus fundadores no tiene ninguna discusión. Muchos menos para los que no hemos desgustado sus recetas. Lo que sí deja muchos cuestionamientos es la intención del documental y la veracidad del drama que propone. El carácter de su chef principal, pareciera exagerarse para generar tensión recurriendo al montaje. La música busca generar sensaciones que las acciones mismas al interior del documental no logran generar. El par de hechos relacionados con las recetas que tuvieron problemas en su construcción son magnificados por la narrativo. Lo más catastrófico que le sucede a este sitio, se cuenta como una anécdota superficial, que aunque haya afectado el prestigio del lugar, resulta débil porque se recrea mucho después del incidente. No existe un detonante que atrape lo suficiente como para mantenerse expectante.

Si se observa el panorama general del documental, parece creado bajo la reiterada premisa; detrás de todo gran proyecto hubo un gran esfuerzo. Pero en este el discurso no es lo suficientemente poderoso como para contagiar y conmover, aunque su narrativa sí lo sea, y sí lo haga.

La historia transcurre bajo un contexto bastante conocido y repetido en el cine americano: la transición entre la secundaria y el college, y las implicaciones que suponen la libertad y el desprendimiento de la familia. A esta fórmula, se le agrega una añoranza caprichosa por el lugar de origen de la protagonista; una ciudad llamada Sacramento en California. De forma repetida y hasta circular se menciona a esta ciudad como un lugar común que quiere ser protagonista sin serlo, porque al final no queda una sensación memorable de este sitio. Funciona como un cierto tributo del director que si bien podría conectarse con su habitantes, poco lo logra con el público en general. Causa cierta curiosidad el desprecio de su protagonista por este sitio desde un principio, pero aún tras el final, queda la misma sensación de extrañeza.

En su último año en la escuela, la autodenominada Lady Bird explora varias facetas de su identidad con carencias de aceptación. Ni su lugar de origen, ni su casa, incluso ni la comida en casa parecen gustarle a una confundida niña que se escuda en su rebeldía sin causa. Le va mal en el amor, en el canto, en las matemáticas y hasta en las bromas. Nada parece trascendental en la búsqueda de esta adolescente, y el único problema aparente parece la relación con su madre, que por cierto es bien ambigua e inesperada. Es necesario decir que no hay claridad sobre el drama entre ellas que lo haga creíble, además recurre a una tensión gastada de la mamá ocupada y trabajadora y su hija rebelde y desorientada. Y aunque pudiera ser a propósito, la relación entre estas es tan desequilibrada que no termina de convencer. Así como se quieren, en segundos se odian. Y claro, aparece en medio el papá mediador para reforzar la recurrente y repetida fórmula. Eso sin mencionar al extraño personaje del hermano y su novia de los que podríamos olvidarnos fácilmente sin mayores consecuencias en el desarrollo de la historia.

Tal vez esa inseguridad del adolescente quede igual plasmada como narrativa de esta película, que apenas logra dar unos pincelazos de la intención del director, tan fugaz y voluble como la adolescencia misma, llena de malas decisiones y círculos sin cerrar. Por cierto, una narrativa que además se vuelve tan predecible como la tensión entre las niñas populares del colegio y las raras, que siempre encuentra su giro en la fiesta de graduación. Y ni hablar de la amiga fiel que espera paciente el regreso de su colega tras un fallido anhelo de popularidad.

El vuelo que intenta dar la protagonista es tan corto que no alcanza para descubrir sus motivaciones, si es que las tiene. Lo único cierto es que quiere volar hacia otro destino para alejarse de su realidad. Y cuando por fin lo ha logrado, decide olvidar ese pájaro joven del que se empoderó por rebeldía, para empezar a ser la que su familia quería: la simple Christine. Tan simple como esa sensación que queda tras el final.

Esa dualidad se plantea a través de los ojos de una pequeña con tanto talante y energía que arrastra toda la atención del vecindario, y del público, y deja ver un lado bastante humano de los suburbios de la florida. Para ella, todo es alegría y goce en medio de un colorido motel lleno de buenos vecinos y un manager caritativo que hace las veces de protector, salvador, papá y hasta abuelo. Un mundo ideal para los deseos de Moonee, de compartir siempre con sus amigos del barrio donde ella es centro de atención.

Sus acciones son consecuentes con el entorno social y familiar, marcados por una realidad ausente de núcleo familiar, propios del contexto latino, y que se traslada a aquellos barrios norteamericanos dejando entrever las dificultades a las que se enfrentan las cabeza de familia del aquella comunidad. Actúa con libertad y carácter heredados de su madre, lo que justifica su educación, pero que socialmente incurre en algunas acciones mal vistas. Lo mismo sucede en la otra vía, donde la madre es juzgada por acciones donde el fin prevalece y se cuestionan los medios.

Lo que desencadena la dualidad pasa por la relación madre-hija, tan cercana y querible, que desdibuja lo negativo. Estando ellas juntas, todo es sonrisas y amor manifestado a través de la amistad. Compinches, amigas y cómplices de una realidad sin mucha proyección, donde cada día es una oportunidad para conseguir el sustento. No hay sueños a futuro en estos personajes, y no hacen falta para comprender sus ideales. ¿Acaso es Halley una mala madre? Quisieran muchos tener la confianza y sinceridad en sus relación maternales como sucede con este par. Ella no abandona su responsabilidad y por el contrario recurre a diferentes alternativas, incluso ilegales, para satisfacer a una pequeña que parece más su amiga. Será juzgada por los moralistas por su desfachatez y actitud desobediente aunque esté llena de buenas intenciones.

La película resulta además una historia cercana por su narrativa de seguimiento que involucra al espectador como un colega más del vecindario, entrando incluso hasta la intimidad de los espacios. Allí donde la pequeña se entretiene y se mueve, de igual manera se posa la cámara para vivenciar las experiencias y las reacciones de esta familia moderna.

Más allá de ese otro castillo mágico y colorido de Orlando existe una realidad social, que si bien supo representar su director a través de un condominio, trasciende esos muros de colores e invita a cuestionar unos valores morales que desconocen la particularidad de los contextos, como el de esta niña y su madre, que por más que se quiera, viven su vida a su manera sin atropellar sus convicciones tomando cada derrota como una experiencia más.