En esa gloriosa camada de nuevos directores que remecieron el cine estadounidense de los años 70 -Ford Coppola, Scorsese, Lucas, Spielberg, De Palma, Ashby, Friedkin, entre otros- quizás los que sufrieron un destino más lleno de altibajos, por diversas razones, fueron Michael Cimino (ganador del Oscar por "El francotirador"), Bob Rafelson (autor de cintas tan emblemáticas de esos años como "Mi vida es mi vida") y Peter Bogdanovich. Pero mientras el primero no filmaba un largometraje desde 1996 y ya falleció en 2016 y el segundo no filma desde 2002, el tercero, que ha sabido de elogios y premios pero también severas caídas personales y profesionales, regresó en 2014, y afortunadamente en buena forma.

Quizás más conocido por las nuevas generaciones como actor en series como "Los Soprano", Bogdanovich es un nombre fundamental en la renovación de ese Hollywood setentero, aunque en vez de ser rupturista, curiosamente su rol funcionó siempre más como un eslabón entre el cine clásico y las nuevas generaciones; ya sea como crítico de cine y programador siempre dispuesto a resaltar el legado de autores a quienes entrevistó y conoció en persona como John Ford y Orson Welles, o principalmente como director de un puñado de memorables producciones: la bella y notable "La última película", la frenética y divertida "¿Qué pasa doctor?" o la entrañable "Luna de papel". Títulos que no se quedaban en el simple homenaje nostálgico, sino además a través de su puesta en escena respiraban vida, sensibilidad y un enorme talento.

Pero una serie de tropiezos comerciales y fiascos derrumbaron rápidamente el prestigio de Bogdanovich, y aunque la crítica elogió trabajos posteriores como "Saint Jack", "Y todos rieron" o "Máscara", desde los años 80 su carrera como cineasta nunca volvió a levantarse del todo. En las últimas dos décadas trabajó más en televisión, y aunque en 2007 tuvo buena recepción con un extenso documental sobre el músico Tom Petty, hasta el estreno de este film no dirigía un largometraje de ficción desde 2001. Por eso, tenerlo de vuelta aunque sea con una comedia en tono menor como "Enredos en Broadway", fue una gran noticia para los cinéfilos.

Producido entre otros por dos colegas actuales como Wes Anderson y Noah Baumbach, este film sumerge al espectador en el backstage de un estreno en Broadway, incluyendo los líos pasionales del director, el dramaturgo y los actores, pero de manera muy distinta a la premiada "Birdman". Bogdanovich ya abordó en 1992 las bambalinas del proceso teatral en otra comedia, "Noises Off...", y acá a través de una hilarante y refrescante serie de enredos, coincidencias y confusiones, mantiene un ritmo ágil y ligero, demuestra que conserva vigente tanto su precisión, el pulso cómico y su talento como guionista (algunos diálogos son geniales), como su habilidad como director de actores, al frente de un sólido elenco (donde incluso hay lugar para algunas reconocidas figuras de su filmografía previa). Claro, también se recarga la tinta en algunos estereotipos y situaciones, y además de sus numerosos guiños al Hollywood clásico la película nos recuerda a otros directores, como los momentos más inspirados de Woody Allen; pero aunque no llegue demasiado lejos, de todos modos el resultado es grato y encantador, no tiene mayores pretensiones que entretener, y nos trae de regreso a un director que esperamos no vuelva a alejarse por tanto tiempo... ¿y por qué no? ojalá aún nos depare una nueva obra maestra.

Ya en 1982 llamaba la atención la recreación de Santiago de Chile en locaciones mexicanas para un film ganador en Cannes y nominado al Oscar como "Missing" de Costa-Gavras, y en los años 90 la sensación se acentuó cuando una serie de producciones internacionales ambientadas en Chile eran filmadas en otras latitudes -al menos "Rapa Nui" sí se filmó en Isla de Pascua- y protagonizadas por conocidas figuras extranjeras, como en el caso de "La casa de los espíritus" y "De amor y de sombras". Siempre quedaba la impresión de que era difícil reconocer o imaginar Chile en esas imágenes, y eso mismo era lo que muchos temían en relación a este publicitado estreno basado en la historia real de los mineros de la mina San José, que impactó al mundo en 2010.

Afortunadamente, este tercer largometraje de la realizadora mexicana Patricia Riggen, por muy "hollywoodense" que sea, no sólo demuestra una preocupación por que "lo chileno" esté presente más allá del uso de locaciones como el Palacio de La Moneda y el desierto (las escenas del encierro en la mina fueron registradas en Colombia), o la reiterada presencia de Don Francisco. Más allá de los prejuicios y las quejas de quienes no conciban que una película que transcurre en Chile esté hablada en inglés -recurso que el cine mundial ha practicado durante casi toda su historia en las más diversas latitudes-, se agradece el intento de que el país esté reflejado en distintos detalles, desde comidas como las empanadas y el charquicán, hasta la banda sonora: la efectiva música incidental es uno de los últimos trabajos del fallecido James Horner ("Titanic"), pero además desfilan oportunamente canciones de emblemáticos músicos chilenos como Víctor Jara (en versión de Joe Vasconcellos), Violeta Parra, Inti-Illimani (con su ya clásico "Alturas") y Los Bunkers.

A partir de un guión elaborado por cuatro escritores (incluyendo a dos nominados al Oscar, Craig Borten, de "Dallas Buyers Club", y José Rivera, de "Diarios de motocicleta") basados en el libro de Héctor Tobar "En la oscuridad", Riggen se sumerge con éxito en un mundo mayormente masculino y logra llevar a buen puerto una producción compleja, y aunque su puesta en escena sea funcional y nos recuerde a muchas cintas similares, hay que reconocer que logra manejar el ritmo y mantener el interés salvo ocasionales altibajos en la segunda mitad, además de conservar el siempre difícil equilibrio al contar historias paralelas y simultáneas. "Los 33" pudo ser un fiasco, pero es digna y funciona mucho mejor de lo que más de alguien hubiera imaginado, cumple con lo que el público masivo podría esperar de ella y hace atractiva y hasta emocionante una historia que ya conocemos y cuyo desenlace sabemos bien.

Por supuesto que hay estereotipos, clichés y soluciones discutibles -como esa secuencia onírica acompañada por la inconfundible voz de Maria Callas cantando "Casta diva"-, pero Riggen y su llamativo y curioso elenco internacional, que incluye a algunos chilenos interactuando con ganadores y nominados al Oscar y el Globo de Oro, sacan siempre a flote a la película. A estas alturas, parezcan o no chilenos, no es sorpresa que Antonio Banderas -quien ya estuviera en las dos ya mencionadas adaptaciones noventeras de Isabel Allende- despliegue su innegable carisma o que Juliette Binoche consiga conmover con su mirada y parecer convincente incluso en un rol menor y haciendo de mujer del norte de Chile, pero además destaca Lou Diamond Philips ("La Bamba") o se lucen actores latinoamericanos como el colombiano Juan Pablo Raba.

Las comedias de parejas disparejas han sido parte del repertorio hollywoodense durante décadas, y si siguen funcionando y entreteniendo es en buena medida en base al acierto de los actores elegidos y a un realizador que les saque buen partido. Lamentablemente, nada de eso aparece en este film predecible y que aunque en un principio se deja ver con mucha buena voluntad, por el camino se va sintiendo cada vez más prescindible y escasamente divertido. Quizás en el papel era buena la idea de juntar a dos probadas comediantes como Reese Witherspoon y la voluptuosa Sofía Vergara, pero aunque en principio ambas tienen buena química, al final llegan a ser insoportables y la directora Anne Fletcher ("La propuesta") se muestra torpe y convencional, abundando en estereotipos de escasa gracia y entregando un producto que apenas funciona para pasar el rato.

Existe cierto tipo de producciones francesas que muchos espectadores usan como sinónimo de la tan manoseada expresión "cine arte" y otros, a menudo despectivamente, como "cine de qualité"; cintas generalmente ambientadas en épocas pretéritas y basadas en historias reales, que abordan temas, personajes o circunstancias históricas "importantes", muy atractivas de ver por su ambientación pero tan asépticas, pulcras y predecibles que llegan a ser aburridas, por mucho que lleguen a la cartelera llenas de prestigio o premios en festivales internacionales. Ejemplos hay muchos, y en apariencia "Violette" era uno de ellos, pero a pesar de cumplir con algunas de esas mismas premisas, afortunadamente posee suficiente interés y atractivo para ser más que eso.

Este quinto largometraje de Martin Provost, director de cintas como "Séraphine" (ganadora de siete premios César incluyendo mejor película), guarda varios puntos en común con ese anterior trabajo: basada en la vida real de una mujer tremendamente talentosa pero cuya intensidad bordea la locura, además de su cuidada y exquisita visualidad, ofrece una gran actuación protagónica. Así como en el otro film el centro era la pintora Séraphine Louis, acá es la escritora Violette Leduc y su atormentado proceso interno para superar sus problemas de autoestima y sus fallidas relaciones sentimentales con hombres y mujeres, hasta aceptarse como mujer y autora, lo que la llevaría a relacionarse con emblemáticas figuras literarias e intelectuales de la Francia del período de la ocupación y la posguerra, como Maurice Sachs, Jean Genet, Albert Camus, Jean-Paul Sartre y muy particularmente Simone de Beauvoir, quien no sólo la alentaría en su carrera como escritora e icono feminista, sino además se convertiría en el no correspondido objeto de su afecto.

Aunque no profundiza por completo en los distintos temas que plantea una historia tan rica y fascinante, de todos modos Provost desarrolla una película atractiva y estimulante, tanto como exploración de tópicos como el feminismo, la sexualidad y sensibilidad femenina y el descubrimiento creativo que supone indagar en la propia historia personal, como por sobre todo un potente y doloroso retrato de una mujer de personalidad compleja y obsesiva, pero notoriamente talentosa y adelantada a su tiempo. Dividida en capítulos como si fuera una novela, "Violette" se luce especialmente por la sólida dirección de arte y por la preciosista fotografía del belga Yves Cape, que captura desde los interiores parisinos a la formidable belleza de la Provenza. Y el film se hace imborrable gracias al espléndido desempeño de su protagonista, Emmanuelle Devos, quien quizás no es conocida por el público masivo pero es una de las mejores actrices del cine francés, como lo ha demostrado en una carrera de más de veinte años con en actuaciones en títulos como "Lee mis labios", "Las hierbas salvajes" y "El tiempo de los amantes".

Con películas como "El pejesapo" y "Mitómana", los realizadores José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola han destacado en la última década abordando de manera directa y naturalista, casi documental, diversas aristas sociales de la realidad chilena que hasta ahora prácticamente estaban ausentes del cine de ese país. Este tercer largometraje, el primero completamente documental en su filmografía, sigue la evolución del Comité por la Justicia para Manuel Gutiérrez, con el que un grupo de personas encabezado por su hermano Gerson, intentan conseguir una respuesta legal no sólo por la comentada muerte de un joven de 16 años por la bala disparada por un carabinero durante una noche de protesta en 2011, sino además porque el oficial posteriormente quedó libre. Doloroso, revelador y valioso como mirada a una ingrata realidad en Chile, el film es además inteligente y lúcido al esquivar la manipulación política, mientras indaga en la pena de una familia y las contradicciones a las que se enfrenta en el camino.