Tras esa primera parte que debería haberme tenido atado al asiento tirándome de los pelos y que sólo consiguió hacerme dudar del estado de ánimo del colega al que yo había “arrastrado” a la sala, debido a mis deseos de ver lo nuevo del catalán, el esperado giro formal llega en el momento adecuado con una meticulosa y excelente formalidad cinematográfica. Insisto en la idea de que si obviamos el guión, la composición formal de la cinta es de un maravilloso thriller clásico, pero mientras el director se esfuerza en componer ese ritmo tan delicioso, las situaciones propias de la historia suenan a vistas y oídas hasta la saciedad.

La tensión narrativamente chabacana de la primera parte rompe a gusto en el momento preciso mientras la cámara espera con inteligencia y excelentes planos medios y travellings, a un ascensor al que se le podría haber sacado mucho más partido. Esta segunda parte carece de eso que estamos hartos de ver, que son golpes de efecto, ya sean mediante luz, sonido o música, lo que le aporta una naturalidad y credibilidad muy necesaria en el cine género y que harían del personaje de Tosar un infame y delicioso “cabrón”, si se le hubiera dado una mayor profundidad al personaje.

Otro de los defectos aplicables a la narrativa es la de no haber aprovechado el buen hacer de Luis Tosar, a la hora de encarnarse en los personajes más deleitablemente bastardos del cine español de los últimos años. Todos hemos recordado al execrable y gozoso “Malamadre” y yo al menos he sentido el trabajo de Tosar deslucido y falto de creatividad. La idea clásica del ama de llaves, de ese personaje que se imbuye en nuestras intimidades cuando no estamos y que se esconde en las sombras para acechar y doblegar nuestra felicidad es simplemente magnífica, pero se deja llevar en devaneos sobre una idea de maldad por momentos demasiado obvia y fácil. Echo de menos la retorcida y sarcástica perversidad de mi admirada “Funny Games” (Juegos Divertidos, 1997) de Michael Haneke y esta idea daba para ello.

Entiendo que Pablo Rosso también ha desaprovechado una gran oportunidad para haber diseñado una dirección de foto, mucho más compleja, donde unos contrastes y juegos de luz, más acentuados habrían hecho mis delicias y acentuado la maldad del vengativo portero. El rodaje prácticamente exclusivo en interiores daba mucho más juego, pero el tipo de fotografía utilizado reafirma esa idea de naturalidad frente a golpes de efecto, que pretende, en mi opinión sin conseguir, ensalzar la iniquidad del personaje, buscando la magnificencia cinematográfica que tiene el cine Polanski o Haneke, frente a la vulgaridad efectista que impera en el cine comercial, cosa que, repito, consigue sólo formalmente.

El guión separa a esta obra de su vocación de obra maestra, para convertirla en una película, y no es poco, simplemente interesante.

Está muy lejos de ser una película de género al uso. Fusiona los géneros de terror y fantástico con el documental, mezcla apetecible por una originalidad lograda mediante un inteligente trabajo de recapitulación y unión de muy diversas influencias. La diferencia que tiene con esos clásicos del falso documental como “El proyecto de la Bruja de Blair” (The Blair Witch Project, 1999), es sencillamente el romanticismo. Cambia por completo la intención de causar terror por una clara intención evocadora que trata de modernizar los cuentos de Shetland y Orkney entre otros, otorgando a su visionado un cierto placer infantil para adultos, del todo disfrutable.

El uso de la Handycam desde el punto de vista de los jóvenes, de forma considerablemente relajada y exenta de brusquedad, le permite al director mantenerse dentro del marco del falso documental y al mismo tiempo participar del sosiego al que nos consignan tan solitarios y evocadores paisajes y así crear otro hermoso contraste con las escenas de acción que por otro lado resultan sobrias y creíbles. Ese diseño de escenarios y la implementación de los colosos en los paisajes, son las mayores virtudes del largometraje, gracias a un trabajo excepcional de efectos especiales.

El hecho de carecer de música en su banda sonora, salvo varias canciones que escuchan los propios personajes, refuerza la intención de documental de Ovredal. Un acierto pleno, ya que cualquier inclusión musical para reforzar cualquiera de las escenas lo único que habría provocado es un aumento de espectacularidad a costa de la propia credibilidad de la película haciéndole perder valor considerablemente.

No hay motivo ninguno para entender esta historia como un “Mockumentary”, en su sentido más clásico, porque se aleja en su definición de la comicidad o sátira en la que insisto que consigue no caer en ningún momento, aún planteando una idea del todo imposible desde el punto de vista documental. Lo bello de esta historia es dejarnos engañar y dejarnos llevar por una bonita mentira, entre cuyos antecesores más clásicos podemos considerar entre otros, a la versión radiofónica que hizo famoso a Orson Welles sobre “La guerra de los mundos” (“The War of the Worlds”, 1898) de H.G. Wells.

Pero como todo buen director de cine o persona que se precie, el estilo propio y personal debía aparecer para dejar rúbrica, así que en la tercera parte el realizador se despoja de toda influencia para dejarse llevar por sus instintos cinematográficos y divertirnos con ultrajantes y ensangrentadas degollinas. Si en la primera parte se tomaba alguna licencia para introducir ciertos personajes de su propia y terrorífica cosecha, en esta da rienda suelta a su imaginería para orquestar espadazos, acción violenta y luchas imposibles. La curiosidad de esta parte crece concienzudamente si hacemos una comparativa con los clásicos y con la magnífica templanza de la acción de Kurosawa, que aquí queda rota por completo en pos de una espectacularidad elemental y fácil, pero lejos de convertirse en una película trivial, se precia como un excelente ejercicio de estilo y una película casi redonda.

La dirección de arte es realmente apasionante y apasionada, ya que utilizando las últimas técnicas de la paleta virtual de Postproducción en vídeo y logrando bellísimos paisajes y épicas batallas bajo la lluvia, coloreadas con inteligencia y mucho sentido común para contextualizar la época de la historia y la del estreno de la cinta, denota una preciosista intención de emular los paisajes de Mizoguchi y Kurosawa. Perdiendo originalidad, pero haciendo resurgir un género que yo mismo echo de menos profundamente.

Espero que Miike siga por mucho tiempo en este rumbo y deseo con premura el estreno de Seppuku. Un digno placer, ver al prolífico camaleónico dedicarse a hacer resurgir las más altas alternativas cinéfilas de su país.

No tiene nada que merezca la pena, no es creíble y no divierte, ni siquiera entretiene y por no tener, carece de efectos especiales decentes que siempre ayudan a amenizar cualquier aciago largometraje de acción carente de historia.

No es recomendable ni para aquellos amantes de deplorables y repudiables actores como Chuck Norris o el musculoso belga Jean Cloude Van Damme. La más incoherente de las batallitas.

Lo que sí consigue dotar a la cinta de un tono metafóricamente salvaje, que la dirección busca sin conseguir, es la inclusión de la mítica canción “Horses” de Patti Smith. La canción se desenvuelve tan bien en la historia, que sirve para descubrirnos de alguna forma, secretos y motivaciones de algunos de los personajes.

Un largometraje al que no le sobra ni un solo plano en las dos horas que dura, capaz de explorar lo mejor y lo peor de nuestros demonios interiores y cuyos giros de guión son capaces de recordar a nuestro admirado Lynch.