Una de las principales virtudes del séptimo arte es la de conseguir forzar una perspectiva al espectador, sin que pueda huir de la misma, y cada director tiene ese as al comenzar una película. La magia del cine es que cada director puede utilizar esta oportunidad para hacer algo totalmente distinto. Puede enfrascarte en un viaje mágico capaz de agarrarte y no soltarte viviendo mil y un aventuras, haciéndote olvidar tu mundo durante dos horas. Pero también puedes inmiscuir al espectador en una realidad de la que él no podía haberse fijado antes, atarle durante dos horas para mandarle un mensaje, una idea… una perspectiva distinta. Antes de “12 años de esclavitud” es obvio que hubo muchas películas que han tratado temas escabrosos, históricos o sobre el racismo en Estados Unidos. Pero Steve McQueen, director de las impresionantes “Shame” y “Hunger”, ha creado una visión de una historia real de una forma cruda alejada del sentimentalismo. La frialdad del terror más humano.

Como director, McQueen ha sido capaz de generar en su breve, pero intensa, filmografía personajes principales en la situación más crítica de su vida. También una de las marcas de su cine sería el utilizar los conceptos cuerpo y alma como unos elementos esenciales ante la caracterización del protagonista. En “Hunger”, Bobby Sands elige destruir su cuerpo en pos de la supervivencia de su alma. Mientras que en “Shame”, Brandon complace los deseos más viscerales de su cuerpo pero degenerando así su alma. Solomon Northup intercambia estos elementos a lo largo de la película, ya que no se basa en un concepto como las anteriores, sino en una evolución. Una realidad escabrosa que tortura a Solomon y lo hará cambiar para siempre.

Siendo un hombre libre, Northup es engañado y vendido como esclavo. Lo considero una gran manera de empatizar con el personaje por el mero hecho de que un espectador medio que vea “12 años de esclavitud” será un hombre libre. Eso ayuda a comprender su perspectiva, sin entrar en razas, ahora comprendes como es que te arrebaten tu familia y te adentren en un verdadero infierno.

A lo largo de los doce años que dura la esclavitud de Solomon, esté pertenecerá a dos amos. Interpretados por Benedict Cumberbatch y Michael Fassbender. El primer esclavista conseguirá transformar a un hombre con un espíritu luchador, en un perrito faldero. Solomon se convence a sí mismo de que es un buen hombre, sólo es esclavista por las circunstancias. Su alma queda amoldada y desecha por el suelo, sólo por vivir un día más. El personaje interpretado por Cumberbatch saca a relucir lo fácil que es ser aliado de una situación histórica deplorable, tanto para el amo como para el esclavo. Porque este es uno de los puntos más fuertes de la película y es su falta de caracterizar a los esclavistas como villanos y a los esclavos como mártires. Aquí conocemos una verdad, no de forma sensiblera ni buscando el horror fácil, sino aludiendo al mismo. Es la representación más realista de esta injusticia, por ello la película se vuelve una obra de terror, en especial con la llegada del personaje interpretado por Fassbender.

El segundo amo es insensible, violento, sanguinario... “un rompedor de negros”. Él con su mujer forman un matrimonio que representa el auténtico mal. Si el anterior esclavista era hipócrita, este reconoce su mano dura y su desprecio ante personas que considera objetos. Con él, Solomon dejará su alma atrás por salvar su cuerpo, dudando en todo momento sobre si hace lo correcto o prefiere salvar su alma abandonando su propio cuerpo. La intensidad de las escenas va creciendo a la vez que va avanzando la película.

Para sumergirte, “12 años de esclavitud” tiene varias opciones. No solamente consigue que empatices con el protagonista, también cuida la creación de una atmósfera cargada de tensión, creando sucesiones de escenas llevadas por la angustia y los golpes directos a la garganta del espectador. Todo ello con una sobriedad y una frialdad aterradoras. En la película hay varias escenas capaces de sacarte el corazón del pecho, momentos en los que la cámara sigue rodando y el terror no para. La dirección fotográfica es increíble, las secuencias que genera solamente con la imagen sin necesidad de diálogos son arrebatadoras. Se utiliza el poder visual de las escenas sin miedo.

Sobre el plantel de actores sólo puedo destacar la gran representación de sus respectivos personajes. Durante momentos estos actores olvidan su verdadera personalidad consiguiendo hacer desaparecer su identidad para convertirse en el personaje. Demuestran la calidad que tienen todos, destacando especialmente la sorprendente actuación de Chiwetel Ejiofor, la potencia de Fassbender, la arrebatadora Lupita Nyong’o, la capacidad para transmitir prepotencia y la doble moral con Benedict Cumberbatch además de la capacidad de Paul Dano para ser un grandísimo actor interpretando a los seres más insufribles del celuloide.

Podemos entrar en el debate de si es ético crear una película así sobre una experiencia real y trastocarla. La historia original de Solomon fue retratada por él mismo y es la fuente en la que se basa esta película. Esta autobiografía se centra más en el costumbrismo que en los momentos más duros de su vida, como retrata Steve McQueen en “12 años de esclavitud”. Creo que hay casos y hay casos, en este caso confío plenamente en que la representación de la esclavitud ha sido realmente honesta y respetuosa. Pero no deja de ser una historia de terror capaz de desolar, una realidad incomoda cercana a ser la mejor película del director. Una autentica maravilla.

Richard Curtis es uno de esas personas en la historia del cine contemporáneo que sabe perfilar una historia de amor. Un romance que se siente tan real como mágico. Sabe jugar con las emociones de los personajes, producir un eco con ellas y hacerlas llegar al espectador. Con comprobar su filmografía puedes señalar películas que han creado escuela como “Cuatro bodas y un funeral”, “Notting Hill” y “Love Actually”. Es importante resaltar sus obras anteriores, ya que “Una cuestión de tiempo” es su obra más personal y pone a juicio a sus anteriores películas.

Con una premisa simple pero a la vez original (las tramas de viajes en el tiempo me fascinan y con esta premisa más) consigue empatizar con el clásico personaje masculino en el cine de Curtis. Pero ya con el primer acontecimiento referente a la utilización de sus poderes, nos enseña que el propio director va a luchar por alejarse de las ideas preconcebidas de su propio cine, del género romántico que él perfiló. Cuando intenta conquistar a la primera chica que entra en su vida, este conoce que aún con sus poderes, no puede forzar al destino ni al amor. Basándonos ya en su temática de viajes en el tiempo (clásico en las películas de este género el demostrar las consecuencias de tus actos) la obra genera varias líneas temporales, pero estas son rápidamente desechadas y arregladas. Con estas premisas, tenemos claro que los viajes en el tiempo son normalizados pasados los minutos de la película y no dejan de ser una metáfora sobre el protagonista y su camino a la madurez, es una película sobre el amor, no sobre viajes en el tiempo, es una mera excusa para desarrollar a los personajes. En Spoiler explico por qué Curtis huye de su cine y me adentró más en la evolución del protagonista.

No siento que este desaprovechado la temática de viajes en el tiempo. Utilizarlo en exceso la perjudicaría más y perdería la pureza que denota la obra. Repito, no es una obra basada en la técnica, es una película de género con esta técnica. “Una cuestión de tiempo” es una representación de un amor puro y meloso. A la vez sobre el proceso del madurar y tomar responsabilidades de tus actos. La química entre los actores es soberbia y su actuación estupenda, los secundarios de Curtis son conocidos por simpáticos y buenos comic-relief. Pero al ser el estilo más puro del director, nos encontramos con su película más ñoña y pastelosa. Yo no he tenido problema en sumergirme en ella, pero seguramente habrá espectadores que la rechacen. Además tiene un ritmo apagado ante el poco conflicto que se genera en ella y cuando ocurren se rechazan rápidamente. Pero si consigue enternecerte y conmoverte, te ha hecho suyo.

“You’re Next” abre con una escena tradicional del cine slasher, ninguna novedad, sencillamente lo de siempre. No es malo, sí ello no te impide poder disfrutar de la película con los tópicos clásicos, mientras no bochornosamente mala. Pero cuál fue mi sorpresa al descubrir unos personajes trabajados que con la ayuda de las ideas preconcebidas del género se renuevan. Es paródica y terrorífica a partes iguales, además inteligente en sus cambios de guión. Un verdadero ejercicio de originalidad en un género del cine, tan interesante para este tipo de experimentos, como es el terror.

Cuando comienza la película nos da a comprender sus dos bazas para sumergir al espectador: atmósfera y personajes. Las dos se complementan, la elección de planos y los movimientos de cámara producen tensión a la vista del espectador, pero eso no es suficiente. Lo complementa una familia con unos vínculos entre ellos bastante marcados, debe quedar clara la personalidad de cada uno de ellos antes de que empiece la masacre. Por ello los momentos de conocer a los personajes resultan muy destacables, sus relaciones con cada miembro de la familia además de conocer así su máscara ante la gente y detrás de ella. Todo ello causa una atmosfera tensa que proviene de un gran trabajo previo, recomendaría que tomasen notas otras películas de género. Estas se limitan a dos cosas: O empezar la acción cuanto antes, haciendo que veamos un mero ejercicio de efectos especiales o alargan tanto la presentación de unos personajes vacuos que no te importan su futuro en ella. Esta acierta en el punto exacto.

Los asesinatos llegan y empiezan a destruir a la familia uno a uno. La técnica funciona, la justificación de los personajes previa ayuda a entender las decisiones de los mismos, las quejas sobre las decisiones estúpidas que toman me parecen absurdas teniendo en cuenta: a) Los personajes no saben que se encuentran en una película de terror por lo tanto no pueden obrar en consecuencia conociendo los tópicos del género b) en esa situación es difícil tener unas decisiones totalmente claras. En ese punto b) podemos hablar de la protagonista, ella consigue dar la vuelta al tono de “You’re Next”, volviéndola una versión más gore de “Solo en casa”. Retuerce todo lo conocido de la obra y cambia el tono de la película a placer, de comedia a terror. Pero claro eso crea unos momentos realmente discutibles, volviéndola algo desigual. El problema de ellas no es por separado, si no la transición entre ellas. Funcionan más como escenas a parte que como una detrás de la otra, no funcionando una escena de terror tan bien después de una cómica y viceversa.

Debo destacar la increíble sensación de ver una mujer inteligente y luchadora como protagonista. Es increíblemente raro ver algo así, cosa que me choca del cine actual, pero con este tipo de películas se redime del sexismo clásico en estas obras de género. También tenemos un guión bastante estructurado, con conexiones entre todos los personajes haciendo que sus giros de guión sean buenos y funcionan a nivel dramático, pero se vuelven predecibles cuando captas las intenciones de la obra. No deja de ser una brisa de aire fresco en un panorama de tópicos repetidos. No os la perdáis.

A lo largo de la historia del cine, sobretodo en el actual, hay ocasiones en las que dos estrenos comparten temática. Eso causa una discusión entre fans y una comparativa tanto de calidad como de box office. Y en este caso, que dos favoritas de los Oscars sean películas en contra del racismo protagonizadas por negros y como les afecta un mundo dominado por blancos…. es difícil evitar las comparaciones. Steve McQueen ("12 años de esclavitud") ha demostrado con sus anteriores películas el gran talento que subyace en su cine, pero luego tenemos a Lee Daniels y su bochornosa carrera de melodramas. No quiero pecar de favoritismos, aunque lo parezca, la criticaré como un ente individual, sin más comparaciones.

Lee Daniels decide prostituir rápidamente a su propia raza en los primeros cinco minutos, demostrando ser un maestro en el arte del melodrama barato. El director de “Precious” mata a la familia del protagonista con las decisiones de guión más melancólicas posibles, con las frases más desgarradoras y encadenando las desgracias en muy poco tiempo. En cinco minutos, de manera tosca y demasiado estructurada, no dejando momento para la inmersión en la historia, demuestra que Lee Daniels no conoce las reglas básicas de la narrativa y se aferra a la habilidad del espectador para empatizar con el personaje echándole desgracias una tras otra. Lo interesante de este comienzo es que, si se hubiera realizado una película centrada en esos momentos de la historia del protagonista en vez de la época de mayordomo, hubiera ganado bastante. La primera parte referida dura casi veinte minutos, sigue unas reglas narrativas que permiten al personaje evolucionar como persona. Pero Lee Daniels considera que sería desaprovechar el potencial de Oprah, por lo tanto la mayoría de la película es el mayordomo sirviendo a presidentes y dando referencias a acontecimientos del pasado. Utiliza la misma técnica que “Forest Gump” sin comprender porque en ella sí funcionaba y en esta no. Por ello el cambio del personaje sucede detrás de la cámara y no delante para luego tener todo el metraje a un aburrido protagonista que no evoluciona.

El apartado a las referencias es caótico teniendo una estructura argumental basada en presidentes históricos de Estados Unidos paseándose por la escena y teniendo una frase o dos. En el resto de la película se podría aclarar que el film es capaz de contradecir en su mensaje. Hablando de sus mensajes podríamos entender los sub temas y citar algunos: Si el tema del racismo se ha apaciguado, que no disipado, debes conformarte y entender que podríamos estar peor (siendo este el viaje emocional de su hijo). Entendemos la valentía de los Panteras Negras y los movimientos pro-negros para luego decir: son una panda de salvajes, no entienden la suerte que tienen. Un mayordomo da mejores consejos que todo el parlamento y puede influir más que nadie en las decisiones de los presidentes, un mayordomo que de vez en cuando le decía algo al presidente, normalmente una nimiedad, puede volverse leyenda. El racismo ha desaparecido del mundo, ya que hay un presidente negro en la casa blanca, o al menos eso se entiende al final de la película. La desigualdad entre razas está mal, pero entre géneros es algo normal, ya que una mujer no puede ser igual a un hombre y su lugar es la cocina, cuidando de los pequeños de la casa. Para terminar el mensaje principal, es mejor ser un hombre que agacha la cabeza y sirve a los represores antes que uno que lucha por sus ideales en la calle. La revolución y la igualdad esta en servir a la raza opresora, buen mensaje. Y este es un pequeño resumen de los menajes equívocos que pueden malinterpretarse en la película, todo culpa de un mal planteamiento.

Como es obvio, “El Mayordomo” busca el sentimentalismo barato para poder ganarse al espectador. Pero entrando en apartados más técnicos de la película podemos encontrar una pésima utilización de la luz, intentando crear una luz natural que quema la imagen o la oscurece en exceso. Los actores no destacan en su papel, tienen un guión bastante ridículo como para poder tener un momento de actuación. Pero sí que es cierto, la película funciona mucho mejor por Set pieces que como un conjunto. Por ejemplo, dos escenas que me parecieron muy interesantes, el enfrentamiento entre padre e hijo y un montaje que intercalaba las manifestaciones contra el racismo con sus sentadas en cafeterías y el mayordomo sirviendo en la casa blanca. Esas escenas funcionan por sí mismas porque cada una tiene un mensaje, en la primera la lucha de egos e ideales, las actuaciones son notables pero luego resulta que el pequeño estaba equivocado y el padre tenía toda la razón, el protagonista no da su brazo a torcer hasta el final que es para pedir perdón, nada más. En la escena de la manifestación, funciona como mensaje de, mientras ellos se manifiestan, él sirve a los blancos, un mensaje claro y una escena que me gusta, pero… rompe el mensaje y lo que pretende dar a entender la película.

Lee Daniels vuelve un melodrama barato un conflicto realmente duro. Puede ser que él no entienda los mensajes que crea su película, es el problema de no manejar por completo tu propio guión. Pero el tema del Oscar es curiosamente, el apartado mejor trabajado de toda la película. Como si un film fuera una lista de elementos que debe contener, Lee Daniels añade todos los tópicos que debe tener un producto para ganar la estatua. Incluyendo los cuatro ases que son: Patriótica, sentimental, clásica y sin riesgo. “El Mayordomo” sirve como estudio de cómo no manejar tu producto en su totalidad, puede hacer que des a entender mensajes bastante dañinos que no pretendías, pero los das.

En la mayoría de la selección EFA me he encontrado películas muy interesantes como Borgman o Le Congrès, que se han convertido en lo mejorcito del festival para un servidor. Con la llegada de Alabama Monroe al público español parece que viene para quedarse. El largometraje de Felix Van Groeningen se basa en una idea tan simple como la historia de amor pasional entre dos personas: ella tatuadora y él bajista de un grupo de bluegrass.

La obra se divide en tres partes gracias a un montaje que salta desde el origen de la relación amorosa entre los dos protagonistas y el desarrollo pasional posterior de la misma hasta el terrible presente y el desolador futuro de su hija y de la pareja. El montaje funciona a la perfección como conductor a nivel narrativo para desarrollar los personajes y explicar la historia al espectador, siendo los flashbacks un perfecto recurso para mostrar lo que llegaron a ser los personajes, lo que ayuda a empatizar con ellos, y para dotar de mayor relieve a las personalidades melancólicas de la pareja en el presente que relata, funcionando tal y como recuerdos. Con y por todo ello resulta normal e incluso lógica la comparación con su pariente cercana estadounidense Blue Valentine pero rompiendo una lanza por el filme belga, hay que destacar que mientras que la película de Derek Cianfrance buscaba la complicidad del público con los personajes, creando unos personajes de cero, casi sin moldear y que funcionasen como espejos para que el espectador reflejase en ellos sus miedos, anhelos y traumas, Alabama Monroe no necesita ni hace algo así sino que opta por crear unos personajes que se sienten reales y que esconden una personalidad propia, logrando también captar y empatizar con el público sin trucos ni artimañas de guión.

La película no se limita a tratar superficialmente la historia de amor sino que, además de ahondar en ella, trata también temas como la música o la fe. La música funciona como acompañante a la historia, con una banda sonora que contiene canciones realmente buenas, y también funciona a nivel narrativo como una luminosa voz interna de los personajes. Todo ello compuesto de una manera estupenda sin que nada chirríe. En cambio la fe resulta un arma, un recurso, de doble filo, puede chirriar el discurso de las dos personajes que se desarrolla de manera bastante contundente y explícita, mostrando los dos extremos de la fe y criticando, o más bien poniendo en duda ambas partes. Pero éstas reflexiones parecen algo puestas con calzador a fin de dirigir la atención hacia un grandilocuente final, función, la de detonante argumental, que no cumplen. Pese a ésto, en conjunto Alabama Monroe funciona y muy bien alzándose como una verdadera joya. Como una maravilla que conquistará los corazones del público.

Crítica original en: http://www.lallaveazul.com/2013/12/conexion-seff-venganza-y-pasion-al.html
Entrevista a Felix Van Groeningen: http://www.lallaveazul.com/2013/12/entrevista-felix-van-groeningen-alabama.html