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Críticas de Luke_Cage
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91 críticas
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10
24 de enero de 2015
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿La mejor serie de la historia? Puede apostar su dinero a que sí.

Con esta rotundidad podemos afirmar que la miniserie (o maxi según se mire, son 10 episodios más un documental) entró directamente en el panteón de las series inolvidables para el agradecido espectador medio (junto a “Yo Claudio”, “Arriba y Abajo” y tantas otras como las recientes “The Wire”, “Roma” y “Los Soprano”, curiosamente estas últimas bajo el sello HBO, una auténtica bendición para cinéfilos reconvertidos y paladares fílmicos selectos).

Con la producción, asesoramiento y padrinazgo de Steven Spielberg y Tom Hanks, la historia nos desgrana la vida, vicisitudes y problemas de la compañía Easy (del 2.º Batallón, quinta compañía del 506.º Regimiento de Infantería de Paracaidistas de la 101.ª División Aerotransportada del Ejército de los Estados Unidos) desde sus duros entrenamientos en Currahee (preciso episodio de presentación con un David Schwimmer en las antípodas del encantador Ross de “Friends”) hasta su participación en combate y sus campañas bélicas: Normandía, Operación Market Garden, Bastogne (donde asistimos casi de primera mano a la visión de un paramédico en un conflicto armado en el que es uno de los mejores capítulos de la serie), la batalla de las Ardenas, la invasión aliada a Alemania… un trozo vivo de la historia reciente de la humanidad.

La serie es absolutamente coral y aunque el peso lo llevan los personajes encarnados por Damian Lewis y Ron Livingston en cada entrega contamos con el protagonismo de alguno de los soldados que formaron parte de este grupo de valientes.

Uno de los grandes ejercicios que puede realizar es intentar identificar a los actores famosos que tuvieron participación (o meros cameos), la cifra abruma: Scott Grimes (“Urgencias”), Donnie Wahlberg (“Saw”), Kirk Acevedo (“Fringe”), Neal McDonough (“Capitán América: El primer vengador”), Michael Fassbender (el nuevo Magneto en la saga X-Men), Colin Hanks, Tom Hardy, Simon Pegg, Jimmy, Fallon Dominic Cooper…

Una inmensa serie, de lo mejor que ha salido de la productora HBO, lo que automáticamente la coloca como una de las cabezas de lanza de esta nueva edad de oro de la televisión.

Obra maestra, aunque no apta para alérgicos a las americanadas.
Luke_Cage
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8
23 de febrero de 2013
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Trajes de Gianni Versace, un juez sin casco con el rostro descubierto el 90% del metraje, dos actores de fanfarria y pandereta impostados como Armand Assante o Jürgen Prochnow, ¿¿¿Rob Schneider???...

Todos estos elementos confeccionaron una de las peores adaptaciones del comic de la historia en 1995 con la primera versión del Juez Dredd para la gran pantalla… tanto es así que ni un Sly Stallone en plena forma pudo darle interés (y eso que a priori pintaba muy bien como intérprete del personaje).

Pasados 17 años parece que se ha retomado el proyecto otorgándole la importancia que se merece y nos encontramos con un film en el que la simple presentación de la ciudad donde transcurre (Mega-City 1) ya acongoja al espectador. Si a eso le sumamos la presencia de los jueces tal y como se veía en la mítica cabecera británica, es decir, juez, jurado y verdugo en un mundo sin esperanzas, nos encontramos con una primera aproximación que desprende buenas sintonías.

Sumémosle una interpretación de Karl Urban muy acertada (a quien diga que podría ser cualquiera, le animo a que se repase ciertas imágenes del cómic, por momentos son calcos), el acertado uso de Olivia Thirlby como la (en esta ocasión) novata Psi-Juez Anderson, y a la siempre agradecida presencia de los televisivos Lena Headey (“Juego de Tronos”) y Wood Harris (“The Wire”) y nos encontramos con un cóctel con la ultraviolencia, acción y macarrería como principales ingredientes.

Como en el cómic que adapta, sin ir más lejos.

Y sí, quien opine que Dredd puede tacharse de fascista y violento es que no se ha acercado nunca al personaje.

Cinta adrenalínica, sombría, austera y ciertamente diverida, pero ante todo fiel adaptación.
Luke_Cage
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7
2 de febrero de 2013
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
"Serenata Nostálgica" narra la historia de una pareja desde sus inicios, románticos, dubitativos, inciertos… pero siempre con el amor como bandera, hasta sus momentos más oscuros, cerca de la ruptura y con todo lo construido echado a perder.

Contamos con la sólida realización del gran George Stevens (director entre otras joyas de Un Lugar en el Sol, Raíces Profundas, Gigante, Gunga Din o el Diario de Ana Frank) y un papel protagonista para una de las bellezas clásicas más atractivas de Hollywood, Irene Dunne que lleva el peso de la película con una tremenda solvencia y saber hacer, luciendo elegancia y una preciosa melena pelirroja.

Su contrapeso en el film y parte masculina de la relación, recae sobre Cary Grant a quien no vamos a descubrir a estas alturas, uno de los más grandes actores de la historia del cine y el tipo que mejor sabía llevar trajes de cualquier film rodado o por rodar. Aquí, además, hace gala de su repertorio característico de registros para pasar de la comedia al melodrama en cuestión de segundos, genial trabajo, tanto es así que estuvo nominado a los Oscars de 1942 como mejor actor (junto a otros colosales genios del séptimo arte como Orson Welles por "Ciudadano Kane" y Gary Cooper por "El Sargento York" que finalmente se alzó con el premio).

Film que pasa constantemente y de manera casi imperceptible de la risa al llanto, con momentos de comedia clásica deliciosos y otros de melodrama acongojantes, que en queda deslucido en su recta final por tener un final feliz marca de la época que no hace sino tirar por tierra gran parte del efecto conseguido en el metraje anterior.

No obstante es una película muy recomendable para amantes del cine clásico, pero mejor abstraerse modernillos y personas que busquen otro tipo de vivencias y sensaciones cuando se sientan frente a una pantalla.
Luke_Cage
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9
11 de noviembre de 2016
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hay que ser valiente, valiente como Louis C.K., obstinado, perseverante y arriesgado hasta el paroxismo.

Esta serie desnuda sus inquietudes como artista más que como comediante (yo le conocía en su faceta stand-up comedian y desde luego no tiene nada que ver) apostándolo todo ya que autoproduce y gestiona la distribución sin intermediarios, en vía directa creador-espectador.

De “Horace and Pete” podemos decir múltiples cualidades: es divertida, genialmente escrita (con momentos de verdadera intensidad), teatral, honesta, pretenciosa, ambiciosa, literaria, dramática, hilarante, genuina… pero desde luego si algo la define ante el resto de ofertas televisivas (o de internet ya que se puede acceder a ella únicamente a través de la web de Louis) es que es una serie auténtica.

El reparto es de campanillas, no obstante lograr juntar en un mismo escenario a actores del calibre de Steve Buscemi, Edie Falco (la inolvidable Carmela de “Los Soprano”), Jessica Lange (estupenda como siempre últimamente) o Alan Alda (en la que es una de sus interpretaciones más excesivas pero memorables), no es tarea simple. Más aún si contamos que todo sale del bolsillo del propio Louis C.K.

Los secundarios brillan a gran altura: Rebecca Hall, Burt Young (Paulie en la saga “Rocky”), Laurie Metcalf (cuyo rostro reconocerás como madre de Sheldon Cooper en “Big Bang” y quien se apropia de uno de los episodios con un monólogo que merece nominación directa a los Emmy) y Kurt Metzger a quien deberían dar un espacio propio ya mismo.

¡Ah! Y la música está compuesta por todo un Paul Simon (quien por cierto tiene un cameo en el último episodio) expresamente para la serie, casi nada.

La puesta en escena es simple, los escenarios son 100% puro teatro y los personajes se debaten entre lo cotidiano y lo absurdo pasado por un tamiz de realidad que en ocasiones hiere al espectador. Como punto negativo podemos achacar ciertos momentos excesivos que no consiguen calan pero en términos generales el conjunto no se resiente.

Una apuesta arriesgada y única como pocas se han visto. Una actitud punk que casi casi se podría decir que roza el comportamiento suicida respecto a la audiencia clásica de este tipo de productos.

Hay que ser valiente.
Luke_Cage
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7
11 de abril de 2016
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hal Ashby, uno de los más personales directores de la década de los 70, nos regala una verdadera joyita con alma de road movie, un tratado sobre amistad y un profundo estudio de caracteres que aparentemente queda disfrazado bajo un ambiente cómico e iniciático. Entregó “El Último Deber” justo después de esa obra maestra (incomprendida y vilipendiada a partes iguales pero grandiosa) que fue “Harold y Maude” y antes de otras perlas como “Esta Tierra es mi Tierra”, “El Regreso” y sobre todo “Bienvenido Mr. Chance”.

El guion del colosal Robert Towne es sencillo pero directo, presenta tres caracteres dispares y va desarrollando sus personalidades a través del viaje que ocupa el metraje íntegro del film.

En la faceta interpretativa tenemos a un más que correcto Otis Young, a un jovencísimo y casi irreconocible Randy Quaid (nominación a los Oscar incluida) y un actor que es el verdadero faro de la película, esa auténtica bestia de la interpretación que parece deambular por cada minuto de metraje devorando con su mera presencia cualquier atisbo de aburrimiento, estoy hablando como no puede ser de otra forma del grandísimo Jack Nicholson en la que es desde luego una de sus mejores interpretaciones (y una de las menos reconocidas).

Solo por ver a Nicholson derrochando carisma escénico y presencia a raudales merece la pena darle una oportunidad, pero además el film cuenta con más alicientes que hacen que su visionado se convierta en una experiencia más que recomendable.
Luke_Cage
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