La película gira en torno a algunas de las problemáticas económicas y sociales a las que se enfrenta gran parte de la clase obrera francesa en la actualidad. La trama y el conflicto principal quedan fragmentados y poco definidos, lo que acompañado de un ritmo y una dirección que va perdiendo fuerza a medida que avanza la película, hace que en ocasiones se pierda también el interés en la historia. Además, el guión de algunas escenas está sobrecargado de información a través de diálogos que, a pesar de evidenciar el mensaje que quieren dar, termina saturando la idea y empobreciendo los recursos audiovisuales. El movimiento de cámara y el desenfoque de la imagen me parecen un acierto ya que trasmiten el agobio del protagonista. Por su parte, la carencia de música ayuda a crear una atmósfera más cruda.

En definitiva, a pesar de contar con un guión y un ritmo flojos, me parece una película interesante ya que trata un tema necesario (incluso con una trama que no termina de convencer) y cuenta con puntos fuertes como la recreación de algunas buenas escenas con una gran crítica social y una muy buena actuación por parte de Vincent Lindon.

En su última película, Iñárritu nos deleita con unos increíbles paisajes que son plasmados majestuosamente por una dirección fotográfica de 10 (aquí Lubezki se lleva todo el mérito). También destaca el manejo de la cámara, la cercanía de la acción gracias a diversos efectos y los planos secuencia que, a pesar de ser utilizados quizá de forma abusiva, presentan una notable destreza. La película destaca a nivel técnico, de eso no hay duda -especialmente en fotografía y cámara-, pero 2 horas y media de todo lo demás, con su planicie argumental y la previsibilidad que destila, es demasiado.

Se trata de una película aburrida, larga, con un guión mediocre y unos diálogos demasiado explicativos. El desarrollo de personajes es casi nulo. Iñárritu pretende que éstos se auto-representen a través de valores sociales anacrónicos para la época en la que se ambienta. También busca desarrollar la acción en base a preceptos morales de lo que supone un sentido común universal. Durante la primera media hora la trama tiene algo de interés pero luego el ritmo decae y la historia se vuelve soporífera. Su carácter predecible e inverosímil también avanza a grandes zancadas tras el derrape argumentativo que se produce después de una de las pocas escenas remarcables de la película (también sobre el minuto 30). La excelente actuación de Dicaprio queda eclipsada al interpretar un personaje superficial que no trasmite nada en el plano emocional: en definitiva, un buen actor representando un personaje limitado desde el propio guión. Por último, la música me parece forzada y en ocasiones abusiva, como intentando suplir la poca conmoción que produce lo visual con un exceso de audio emotivo.

Hace más de 40 años un jovencísimo Bellocchio se estrenaba en la gran pantalla con esta película. Una obra que, desde luego, ha envejecido mucho mejor que su director.

A través de un guion sencillo, original e impactante se logra una sagaz crítica social con la que se refleja la decadencia material y mental de una familia de la burguesía rural italiana. Un retrato intimista capaz de condensar, en esencia, el declive de toda una clase social. La película pone en entredicho uno de los pilares de la moralidad burguesa: la familia. Cuestiona sus cimientos y las relaciones que se dan en su interior, desnudando así la falsa armonía con la que frecuentemente es idealizada. A través de un magnífico guion, Bellocchio hace saltar por los aires una situación ya de por sí extrema. Pareciera que la intención sea incomodar al espectador, revolverlo frente a los contradictorios valores que asume como propios.

La construcción y el desarrollo de los personajes son la piedra angular de su perturbadora trama. Las actuaciones son de diez, sobresaliendo en especial un imponente Lou Castel en su primer papel protagónico. Los cambios de registro son sutiles y magistrales: sus expresiones frías y violentas contrastan con gestos de dulce inocencia que le dan un carácter mucho más impredecible al personaje. Por último, destacar el bajo presupuesto que tuvo la película y la colaboración de dos grandes del cine como Silvano Agosti -montaje- y Ennio Morricone -música-.

Es difícil retomar el lirismo del gran Lorca sin emborronarlo. Casi tan difícil como pretender llegar a buen puerto con una trilladísima trama sobre pasión y muerte sin naufragar en el intento. Y sin embargo Paula Ortiz lo consigue, imprimiendo su sello personal en una obra que nace de las entrañas del poeta pero que brilla con luz propia.

La narración trasciende principalmente a través del plano sensitivo. Desde lo más visual hasta lo más sonoro, la película se sumerge en un armónico ritmo que profundiza en el desarrollo emocional de cada personaje y cada escena. Por un lado, destaca su majestuosa fotografía, el contraste de luces y colores, los vestuarios, sus largos primeros planos y las escenas de cámara lenta. Por el otro, su música, la fuerza de las palabras en cada susurro y en cada canción, la lírica de sus lorquianos diálogos. El lenguaje cinematográfico envuelve al espectador y logra compensar una trama demasiado superflua por lo desgastada que resulta su temática. A ello se le suma la presencia de unas buenas actuaciones y de una regia dirección que logra plasmar la simbología y la poesía de "bodas de sangre".

En cualquier caso -y sin ninguna pretensión de estancar esta crítica en estériles e inevitables comparaciones con el texto teatral-, "la novia" es un trabajo que, más allá de ser una adaptación y un homenaje del séptimo arte a la obra del granadino, sobresale por méritos propios.

Película flojita. Trata cuestiones relevantes pero lo hace desde una superficialidad abochornante. Ni el conflicto ni los personajes están bien desarrollados. Narra una historia edulcorada, poco arriesgada y políticamente correcta con la que se intenta no incomodar a nadie (especialmente a los que podrían haberse sentido cuestionados, junto a su doble moral, si se hubiera profundizado mínimamente en la temática propuesta).

Parece que Taylor intenta dar el taquillazo utilizando una trama atractiva con la que provocar sentimientos de indignación rápida y lagrima fácil, pero pretendiendo que nadie -más que algún que otro personaje estereotipado y caricaturesco- salga mal parado. La mirada del director (desde el guión hasta la cámara) está posicionada en un presente superador, como si en la actualidad el racismo, el machismo y la explotación laboral fueran algo del pasado. Se pone el punto en el trato personal y en anécdotas de carácter coyuntural más que en la opresión de raza, clase y género que estructura nuestra sociedad y que, aunque sea de una forma contextual, debiera haber atravesado también la configuración de los personajes. La trama no cuestiona la explotación sino solamente algunas de sus formas, ensalzando -más o menos sutilmente- a los que oprimen con una sonrisa en la boca y a los que te dan la palmadita piadosa en la espalda mientras sujetan el látigo con la otra mano.

Desgraciadamente, limpiar conciencias vende. De ahí esta oda a la compasión caritativa, regada de emoción y vacía de contenido: una compasión vertical que, por si acaso, deja bien en claro quién es el dominador y quien el dominado.