Cuando Robert E. Howard creó en 1932 en la revista Weird Tales a Conan, poco pudo imaginar que su personaje, décadas después, iba a convertirse en un fenómeno mundial gracias sobre todo a los cómics de los 70 de la Marvel y por supuesto, a la película.

Tras convertirse en una de las colecciones de cómics más vendidas de la época, gracias a la labor al guión de Roy Thomas y de excelsos dibujantes como Barry Windsor-Smith, John Buscema o Gil Kane, el cine por fin se decidió a lanzar una película de "Espada y Brujería".

Es en el año 1982, de la mano de John Milius (guionista de Apocalypse Now, recuerden) a la dirección y protagonizada por un escultural Arnold Schwarzenegger (nadie se adaptará mejor al Conan dibujado por John Buscema), que alcanzó la fama gracias a su recreación del personaje, cuando llega a los cines esta adaptación, y revienta las mentes de toda una generación, que descubren el género de "Espada y Brujería" gracias a esta película.

John Milius está acertadísimo en la dirección y respaldado por el gran Duke Callaghan a la fotografía, Oliver Stone al guión y una banda sonora irrepetible del fallecido Basil Poledouris.

La puesta en escena poderosa, sucia, nos lleva de la mano a la Cimmeria natal de Conan, donde somos testigos de su esclavización desde muy pequeño (Jorge Sanz, si alguien todavía no lo sabe, es el que interpreta a Conan de pequeño) y de su transformación en la edad adulta en una máquina de matar. Aún así, Conan demuestra destellos de bondad a lo largo de toda la película, que confirman su personalidad.

El concepto "héroe a su pesar" está presente a lo largo de toda la película, donde, al igual que en las novelas de Howard o en los cómics de Thomas, Conan debe salvar el mundo, o acabar con el villano, porque le pilla enmedio de la situación, y si no acaba con la amenaza, él será el asesinado.

El villano principal, Thulsa Doom, está interpretado con gran austeridad por James Earl Jones, con esa voz tan maravillosa que podréis apreciar si véis la película en versión original. Thulsa Doom es mago, y la magia es lo único que teme Conan, con lo que ahí tenemos el conflicto principal de toda la vida del personaje.

Sangre, sudor, sexo, magia... todo acontece en esta película de una manera que no te da lugar a respirar, y Schwarzenegger aquí es más grande que la vida misma, rezumando esas características del superhombre nietszcheano.

Las batallas están muy bien coreografiadas, el guión es sólido, todos los personajes son carismáticos (mención especial a la bellísima valkyria Sandahl Bergman), la escenografía es espectacular (la película fue rodada íntegramente en España, sobre todo en Almería, excepto el inicio en los bosques nevados, que se rodó en Segovia) y la música acaba de rematar un todo que forma para mí, una de las mejores películas de aventuras de la historia del cine.

La mejor palabra que tengo para definir esta película es fascinante.

Película a reivindicar desde ya. Dirigida por Stephen Frears (director también de la reciente The Queen, por la que Helen Mirren ganó un oscar a la mejor interpretación) y basada en una novela del cada vez más en boga Nick Hornby (escritor tambien de About a boy, adaptada al cine también llamándose en nuestras tierras Un niño grande, con un excepcional Hugh Grant).

La película, que derrocha encanto por todos sus poros, en gran medida por la excelente interpretación de John Cusack y por un reparto de secundarios simpatiquísimo (a saber: Jack Black, Joan Cusack, y Todd Louiso entre otros, además de un Tim Robbins pasado de rosca), nos introduce en lo que a primera vista parece ser una comedia romántica. Pero no, conforme avanza la película hay un elemento que se torna clave para entender porqué esta película es tan endiabladamente buena.

Y ese elemento clave no es otro que la música, y es que toda la historia gira en torno a vinilos, discos y canciones, con esas escenas impagables de elegir un top 5 de canciones según el sentimiento o la situación en que estés en ese momento (magnífico el top 5 de canciones para un funeral). Rob, el personaje de Cusack, es propietario junto a dos amigos de una tienda de discos, copada en su mayoría por vinilos y que se ha quedado estancada al cerrarse a vender la odiosa "música basura". Efectivamente, uno de los mayores encantos es el acompañamiento musical de muchas de las escenas, canciones de las grandes de la historia de la música , tanto de un estilo como de otro, y vemos como la difícil situación de Rob evoluciona a la vez que nos cuenta sus grandes decepciones en la vida, siempre asociándolas con alguna canción o disco subconscientemente.

Así que entramos de lleno en la vida de Rob, y seremos testigos de varios sucesos claves y de algunas de las mejores escenas con la música de contexto que se han visto en un cine, sin ir más lejos, de mis favoritas es la escena en que el protagonista nos habla de “el arte de grabar una cinta” o cómo se dedica a reordenar su colección de vinilos.

Con un guión maravilloso (rompiendo las 3 dimensiones, puesto que el personaje de Cusack habla con nosotros directamente), una puesta en escena sobria pero efectiva, unas interpretaciones ajustadísimas (es imposible no simpatizar con Cusack y sus amigos perdedores) y una banda sonora que armoniza todo el conjunto, Alta Fidelidad se descubre como una de esas raras películas que no obtienen mucha atención al principio, pero que gracias a los comentarios de los que la amamos, cada vez es más reconocida. Y vaya si lo merece.

El cine de acción de calidad hoy día escasea de manera alarmante. La edad dorada de este género (finales de los 80 y de los 90, con clásicos como las sagas Harry, Arma Letal o Jungla de Cristal) queda muy atrás y hay pocas excepciones en esta década, como pueden ser 16 Calles (dirigida por el gran Richard Donner), la saga Bourne o la primera película de Joe Carnahan, Narc, una película oscura sobre la corrupción en el departamento de policía, filmada con gran pulso y visualmente espectacular, además de contar con unos espectaculares Ray Liotta y Jason Patric. Narc no fue un éxito comercial, pero la crítica se dió cuenta enseguida que Carnahan podía ser el impulso que necesitaba el cine de acción

Tras abandonar el proyecto de dirigir Mission Impossible 3 debido a diferencias creativas con Tom Cruise (su principal valedor y productor en Narc, curiosamente), y que ya sabemos que acabó dándole las riendas de la tercera parte de la saga a J.J. Abrahams (oportunidad perdida totalmente, Carnahan hubiera hecho algo infinitamente más interesante, respetando por lo menos la gran primera parte dirigida por Brian De Palma). El caso es que Carnahan escribió Smokin’ Aces y consiguió dinero para financiarla.

¿Y qué nos encontramos en esta película? Pues una grandísima película de acción, con un reparto muy interesante y una historia que va al grano sin ser insultante para el espectador como las lamentables películas de acción de estos años (XxX, A Todo Gas y demás basura). Atención a los personajes, sobre todo a los tres hermanos neonazis, dignos de salir de un videojuego y de la mente más perturbada (las referencias a la Matanza de Texas son obvias en estos tres personajes). El argumento a grandes rasgos gira sobre la protección que el FBI brinda a un tal Buddy “Aces” Israel (es un mote debido a su habilidad con las cartas) que puede ser un testigo clave para acabar con la mafia. Así que por un lado tenemos a los agentes del FBI (un felizmente recuperado Ray Liotta, Andy García y el emergente Ryan Reynolds) y por otro un montón de cazarrecompensas enviados por la mafia para acabar con él antes de que declare ante el juez. La acción se sitúa en un rascacielos de Las Vegas.

Y lo que viene a continuación es una orgía visual de cómo planificar tiroteos, y peleas, baños de sangre (no se omite nada), hasta hay sierras mecánicas de por medio (ahora no le veréis sentido, pero cuando veáis la película seguro que sí) y todo con una estética inmaculada, Carnahan sabe lo que hace, y se ha creado una gran personalidad filmando en su todavía breve carrera. Mucho humor negro, personajes extremos y sobre todo, como insisto desde el principio, acción de la buena.

Que Mel Gibson es una fuerza de la naturaleza, un animal dirigiendo, no lo voy a descubrir ahora. Que como director hace las películas cuando y sobre lo que le da la gana, tampoco.

Pero es que para colmo, el tío, en su faceta de director, ha parido 4 obras magistrales visualmente y dirigidas con mano maestra: la excelente “El Hombre Sin Rostro”, la oscarizada “Braveheart”, la controvertida y gore “La Pasión de Cristo” (para rodar esta película hay que tener dos cojones) y ahora su última joya “Apocalypto”.

En esta película no váis a encontrar una enorme profundidad argumental (ni falta que hace), sino una peli de acción como hace años que no se lleva al celuloide. Partiendo de una persecución, Gibson nos deslumbra con varios de los planos más espectaculares de la última década, maneja la cámara a su antojo, nos mete en tensión durante toda la película, el tiempo está perfectamente contado (la historia tiene lugar durante un solo día) y la belleza visual te tira de espaldas.

Gibson lo vuelve a hacer, financia con su propio dinero una película rodada en una lengua muerta, con un contexto anticomercial, y para colmo, logra otro éxito de crítica y público. Qué grande eres.

PD: Si a Woody Allen le perdonan el que se acueste con una hija, y a Polansky que violara analmente a una niña pequeña… ¿Alguien pensaba seriamente que la carrera de Gibson iba a acabarse por una borrachera? Pues la respuesta es rotunda: NO, y está mejor que nunca.

Que Scorsese es una bestia del cine no hace falta que yo lo diga. Aún con una serie de títulos recientes a sus espaldas donde había perdido un poco el toque (excepto en la independiente y muy dura Al Límite con los excelentes Nicolas Cage y John Goodman), su poderosa forma de mover la cámara, su retrato crudo de la violencia y unos personajes siempre torturados de una u otra manera nunca dejan indiferente a nadie.

Y aquí tenemos su última obra, la que a bombo y platillo se ha ido anunciando como su mejor película desde la maravillosa Uno de los nuestros, y es que se nota que la crítica tenía ganas de que Scorsese volviera por sus fueros, la verdad es que la comparación con aquella obra maestra era arriesgada, sobre todo teniendo en cuenta que The Departed (Infiltrados en la versión española, en otro caso de traducciones estúpidas) es un remake de la oriental Infernal Affairs, pero Scorsese ha reunido un plantel de lujo, con Nicholson comandándolo todo y demostrando porqué es un dios de la interpretación, y con un DiCaprio sorprendente (aunque ya lleva unos años haciendo buenos papeles, algo que nos sorprendió a todos creo yo), un Damon perfecto y unos secundarios acojonantes (Baldwin, Martin Sheen y Mark Whalberg en el papelón de su vida) y el director ha demostrado por qué la mayoría de los directores orientales han mamado mucho de él.

Magistrales movimientos de cámara, una música genial (atención a ese principio donde se nos presenta al personaje de Nicholson todavía joven y haciéndose paso en la mafia con la genial Gimme Shelter de los Rolling Stones de fondo, o una escena romántica con el Comfortably Numb de Pink Floyd cantada por Van Morrison) y sobre todo, un argumento y unos diálogos que tocan el cielo.

Junto a Los hijos de los hombres (maravilla de obligado visionado del gran Alfonso Cuarón), El laberinto del fauno, y a la espera de ver la seguro impresionante Banderas de nuestros padres del tito Clint Eastwood, las películas a seguir este año.