Cercano en calidad y ámbito deportivo al pasado ganador Icaro (Bryan Fogel, 2017) y producido por National Geographic, es muy pertinente señalar a la pareja de directores Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin pero, sobre todo, este último destaca en su papel como director de fotografía logrando imágenes sublimes de paisajes naturales (de las primeras tomas con el protagonista de frente ante la inmensidad rocosa) además de lo arriesgado de cada movimiento corporal junto a un drama de pareja. Cada toma es una gota de sudor derramada por mis manos como la expresión de angustia y necesidad de ver más. Asimismo, existe una perfecta edición con el aparente (y perturbador) fin del documental que demuestra, con gran atino, la desesperación por un fracaso.

Cumpliendo su tarea como documental, va más allá de una ‘simple escalada’, no intenta demostrar la inseguridad de Alex Honnold (ya de por sí difícil por el tipo de personalidad y características neurológicas reveladas) y que sería muy fácil seguir ese hilo narrativo, sino que profundiza en la importancia de la perseverancia que se aleja de las motivaciones mundanas (como lo demuestra con los ideales de su pareja) pero que también equilibra el mensaje con ‘pequeña’ aportación humanista. Además, explora los distintos tropiezos que pueden llegar a alterar el camino metafórico hacia el inicio de su meta, como lo son problemas familiares y físicos como fracturas vertebrales, donde nuestras pequeñas limitaciones parecen fútiles ante hechos que no permitirían cumplir el sueño y el fin de una vida, recordándonos que debemos alejarnos de aquel ‘pozo infinito de autodesprecio’.

Innegablemente, los niños son considerados un grupo especial. Vulnerable a maltrato, violencia y abuso que, incluso, puede discurrir normal para ellos como parte del trato familiar del día a día y traer consigo consecuencias a corto y largo plazo en su desarrollo. Los castigos corporales siguen siendo una realidad que, afortunadamente, cada vez más se integra una visión punitiva al mismo, sin embargo, el umbral sigue siendo turbio. El daño emocional puede llegar a ser más impactante que incluso la aparición de un gran hematoma o la consolidación de una fractura (Kliegman, 2016). Los médicos deben ser perspicaces en esta búsqueda de signos que no concuerden con el estado del paciente, que hasta podría ser parte de un síndrome de Munchausen por poder. Es el caso de Yuri, una pequeña niña que es recogida por una singular familia en Manbiki Kazoku.

En Tokio, Osamu es el patriarca de una familia en situación de extrema pobreza que tiene que hacer pequeños trabajos y robar para subsistir, junto a Nobuyo (esposa y empleada en una lavanderìa), Aki (una adolescente que trabaja de manera exótica), Shota (su joven aprendiz) y la anciana Hatsue (quien recibe cierta pensión para el sustento del hogar). Alrededor del hurto y el robo se crea un lazo de humildad y fraternidad que comparten con la recién llegada Yuri, víctima de violencia familiar y, aún así, buscada por sus padres y la policía local.

Con gran maestría, Hirokazu Kore-eda logra reflejar la armonía familiar de una manera tan sublime en la primera mitad del largometraje para después convertir el resto de la película en un intenso drama que cuestiona lo artificial y lo natural de las relaciones familiares (no dejen de ver el penetrante interrogatorio contra Nobuyo (Sakura Ando con un excelso discurso en un encuadre casi bergmaniano). Sobra mencionar la integridad de cada personaje que no permite dejar caer en la condescendencia a pesar de la situación, como Aki (magnìfica Mayu Matsuoka) en aquellas escenas que buscan reconfortar tras sus movimientos corporales. Que más les puedo decir si le valió la Palma de Oro (después de esa impactante escena final abierta, no habría cabida para alguna otra declaración ni eminencia).

A partir de un famoso guion para obra de teatro, “The Father” es la ópera prima como director de Florian Zeller quien, de forma conjunta con Christopher Hampton, desarrollaron el guion homónimo que relata la vejez de Anthony (Hopkins) a partir del hito que marca particularmente el inicio del final de su vida: el deterioro cognitivo que altera su funcionamiento, la adquisición y la capacidad de recordar información además de trastornar su razonamiento, juicio y comportamiento. La ruta más sencilla se podría establecer a partir de la visión de un tercero centrado en un drama dirigido por la lástima y la conmoción. Afortunadamente, el director esta consciente de esta salida fácil y opta por mostrarnos la visión de Anthony que se descompone de acuerdo con la limitada capacidad de su mente, logrando fusionar con maestría el desorden de sus pensamientos con la edición de los espacios cerrados que encierran a los personajes. Dicho desorden esta tan bien establecido que somos capaces de empatizar con la confusión de Anthony al no reconocer los personajes ni los espacios, capacidad solo lograda por la magnífica actuación de Anthony Hopkins, merecedor de cualquier galardón.
El síndrome del cuidador quemado es además reflejado por Anne, hija de Anthony, caracterizada por Olivia Colman. Los planos siempre son delimitados por marcos, ventanas y cortinas que denotan lo claustrofóbico de la situación: mientras uno teme descuidar al otro al salir, otro no reconoce la salida de su mente lo cual puede ser tan agobiante como se demuestra al final de la historia. El guion no trastabilla en recurrir a la empatía como lo puede lograr una muestra de afecto al recordar un simple nombre o una muestra de agradecimiento sabiendo reconocer su valor sentimental.

El papel de las parteras y el parto en casa han recobrado especial notoriedad en las últimas décadas por distintas circunstancias: entre violencia obstétrica, intervenciones innecesarias, malas experiencias en la particularidad del irónico ingreso de pacientes sanas a un hospital y, finalmente, durante la pandemia COVID-19 el miedo al contagio en establecimientos dedicados a la atención de esta gente enferma limita por miedo o por prevención la visita de la embarazada en un nosocomio. No se trata de una “cacería de brujas” ni exponer “limitaciones” técnicas en la atención del parto en casa sino en reconocer el cambio que se esta suscitando basado en las circunstancias antes mencionadas.
Pieces of a woman (2020) es una película dirigida por el director húngaro Kornél Mundruczó basado en el guion de Kata Weber. Vanessa Kirby juega el papel de Martha, una mujer seria y retraída quien, junto a su esposo Sean (Shia LaBeouf), esperan la llegada de su hija. Sin embargo, durante el parto en casa, la partera nota alteraciones en la frecuencia cardiaca fetal que culmina con la muerte del recién nacido en los brazos de su madre. Durante los primeros y desgarradores 30 minutos ocurre lo resumido en los párrafos anteriores en un plano secuencia magistral dominado totalmente por Vanessa Kirby quien con muecas, bruscos movimientos y contorsiones, maldiciones, delirios, náuseas y eructos se encuentran en la parte final del trabajo de parto retratado por la cámara que se sube, baja y se desdobla entre el cambios de iluminación de los pasillos y cuartos de la casa y que somete al final a una gran tensión mostrada por la partera, quien al principio sostiene que es raro cuando los planes cambian haciendo referencia a su tarea como partera suplente sin contemplar que sus palabras vociferaban el ominoso desenlace. De aquí todo parte a un proceso de duelo entre la protagonista y su familia mientras se desarrolla una penuria legal en la búsqueda de justicia, consuelo y/o aflicción. Efectivamente, como lo notan, la maestría del filme se resume en la secuencia inicial de acuerdo con la longitud de la explicación previa en comparación con el resto del largometraje.

En algún momento de la vida todos nos sentimos vacíos. Es innegable y esencial. La frustración marcará la pauta hacia el éxito o el fracaso, la felicidad o el vacío. En el campo laboral, familiar o espiritual los pequeños objetivos implícitos definirán el día a día de nuestra existencia; cumplirlos o no, se vuelve decisivo y agobiante.

Se acerca la última mitad de la retrospectiva de Ingmar Bergman, hecho que reúne 10 de los mejores filmes de este histórico director y solo pienso decir que ‘Luz de Invierno’ es imperdible. Un helado paisaje inunda la iglesia en donde se profesa la eucarística y se muestra (con una sensibilidad fotográfica alucinante) cada uno de los habitantes y feligreses de la pequeña comunidad dominada por el sacerdote, donde todo nos remite al arrepentimiento y la deuda espiritual: aquella que nace de lo más profundo de nuestro ser y nos inquieta constantemente a conocer nuestro destino, como si el solo hecho de estar de pie no fuera suficiente para llenar nuestro ego anímico.

La profundidad del mensaje continúa con la depresión que soporta un pescador de nombre Jonas Persson (inmortal Max Von Sydow) quien, en un intento mudo de auxilio, busca la ayuda del sacerdote que, a pesar de la inmaculada profesión, no parece inmune a las inclemencias de la vida que lo agobian, perdiendo también el camino y con ello la capacidad de otorgarle un adecuado consejo a un desesperado oyente. Siguiendo la fórmula que hace inmortal a Bergman, los diálogos y monólogos que retratan las relaciones humanas nutren un filme encaminado a la angustia espiritual; sin banda sonora que lo complementa, solo queda el repique de las campanas y un estruendoso órgano como potentes instrumentos musicales.

¿Qué será capaz de convertir a un hombre bondadoso en cruel? ¿Un mal día, el estado de ánimo, el estado de salud? Si se considera la hipótesis habría cabida para la idea que somos una bomba de tiempo repleta de odio, donde las ilusiones y sueños nublan la realidad. Una vida sin sentido, el abandono, la incomprensión y el silencio de Dios debe ser lo más parecido al verdadero sufrimiento (recita el largometraje) con solo una esperanza al final en forma de luz de invierno.