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Críticas de chobrein
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Críticas 10
Críticas ordenadas por utilidad
4
10 de enero de 2009
60 de 96 usuarios han encontrado esta crítica útil
Con el paso de los años, uno se va dando cuenta de cuánto ha madurado como espectador. Hace un puñado de años esta película me hubiese parecido buena, pero el tiempo me ha concedido frivolidad, y eso contribuye a que la lucidez haga a uno más crítico.
He premiado el entretenimiento que aporta el filme, cierto vigor narrativo se complementa con el habitual vigor efectista de Danny Boyle. Pero estas características sólo son puntuables positivamente si las aplicamos a la habitual conclusión reduccionista que suelen generar egoístamente los espectadores: qué tal lo pasó viendo la película.
Pero hay que ir más allá pera empezar a ver la anemia que gobierna esta película.
Atendiendo a la historia empieza el problema de la credibilidad. Un chaval va respondiendo positivamente a las preguntas en un concurso televisivo, y cada una de ellas se corresponde con flashbacks que nos demuestran la sensacional y trepidante biografía del joven, quien responde a cada pregunta sometido por el peso de su pasado (esto se traduce en imágenes de la siguiente manera: poniendo cara de retrasado mental ante el presentador del programa). Y en vez de ofrecernos un camino hacia un estadio dialéctico al trazar semejante sendero biográfico/televisivo resulta que la auténtica motivación de este jovenzuelo no es una mirada crítica a su pasado (la situación política, los problemas sociales, su unidad familiar... todo eso son meras anécdotas) sino que se resume en un ridículo sometimiento hacia la pasión que siente ante un amor infantil. Esta historia amorosa que resulta ser el armazón central de la película no es dramática, aunque lo pretende, es sencillamente simple y ridícula.
Miro mi puntuación al pensar en todo esto que escribo (motivos para darle un 2) y me convulsiono pero como realmente disfruté viendo esta tontería, y como el visionado está reciente, abro la mano. Pero puedo cerrarla en cualquier momento.
Al parecer esta película está cosechando premios y candidaturas, está bien posicionada de cara a los Oscar, etc. Esta es una de esas típicas películas con falso espíritu independiente a la que la gente en época de premios se agarra con locura para creerse cool y no mediatizada por el cine de Hollywood y similares. Pero realmente, si va a gustar y gusta tanto es porque este filme es, en extremo, dependiente de los convencionalismos a los que cree evitar.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
chobrein
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9
20 de noviembre de 2008
26 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
En pleno 2008 no creo que nadie hubiese podido esperar un aporte cinematográfico digno de interés viniendo de Jonathan Demme salvo, posiblemente, algún lúcido retorno al documental musical rockero. Sin embargo, algunas críticas muy positivas hacia esta película pesaron en la balanza y me desplacé a una sala de cine para verla. Y ha sido una experiencia emocionante. De hecho, anuncio, dado que se trata de algo excepcional, que esta crítica es la primera que hago en esta web para alabar positivamente un film (la de Barridos por la marea era el intento de defensa de un subproducto despreciable).

Retomando el comienzo del párrafo anterior, no sólo no me esperaba esto de Jonathan Demme, tampoco me lo esperaba de un gran estudio como Sony Pictures ni de una película encabezada por la emergente Anne Hathaway.

Con este cartel de presentación jamás me hubiese esperado una película tan valiente, tan provista de profundidad humana y de exhibiciones emocionales de altura. No me esperaba que al calor de Hollywood se hablase sin tapujos sobre temas que suelen estar vilmente sedados, no me esperaba ciertas escenas que resultarían prohibitivas en otras películas "hermanas", no me esperaba esas interpretaciones tan despiadadas y desprovistas de manidos clichés. Bueno, seré sincero, una vez leídas ciertas críticas sí que me esperaba bastantes de estos elementos, pero de entrada ni se me hubiesen pasado por la cabeza.

Nunca me hubiese esperado que Hollywood pariese una película que podría haber estado rodada por un Cassavetes viejísimo y ya acomodado en su propia fórmula.

Sólo dos apuntes negativos. Lo último que vi de Demme fue una tontería llamada El mensajero del miedo. No puedo calibrar un estilo Demme salvo el del artesano hollywoodiense, el que escupió productos como Philadelphia o Beloved, por lo tanto esta película de cámara nerviosa estilísticamente me choca porque no es coherente con el discurso anterior del cineasta. Pero de todas maneras bienvenida sea esta cinta, donde el milagro no viene sólo del guión sino también de la magistral puesta en escena. Y el otro elemento negativo, el ambiente interracial que se respira, especialmente en el final, es lo único impostado en una espléndida película.
chobrein
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3
8 de noviembre de 2007
18 de 26 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ay, Julio. Querido amigo, ¿qué has hecho? Te tomaba por uno de los escasísimos cinestas españoles con unas neuronas, con una voluntad estética clara, con una capacidad de transmitir historias (no esas estupideces de guerra civil, de treintañeros desencantados, de marginados periféricos, de comedias garrulas, de terror teenager con espíritu USA que pueblan nuestra cinematografía). Julio, tú le dabas sentido a las imágenes, creabas un universo personal, eras (eres...) un autor, un autor. Julio...
Pero bueno, todos tenemos derecho a equivocarnos, a pesar de ser Caótica Ana una mierda descomunal (luego explicaré el porqué) debería perdonarte, tu pasado cinematográfico te respalda, y se supone que tienes mucho futuro por delante. Una pena sería que la última película de Bergman hubiese sido Transporter 3 o que el testamento cinematográfico de Rohmer hubiese sido Las 13 Rosas, pero no, a pesar de que todavía no he visto sus últimas películas al parecer estos señores han sido fieles a su espíritu.
Julio, has cometido un tropezón moral, has rodado algo tan patético que me siento indignado porque nunca me hubiese esperado que me hubieses ofrecido una cinta repleta de infantilismo, de estereotipos, de lugares comunes ridículos y de personajes planos. No me sirve la coartada familiar que has ofrecido a la prensa para justificar esta historia tan irritante.
En primer lugar, los diálogos, en cuanto Manuela Vellés y Bebe hablan me da la sensación de que estamos ante diálogos típicos de cuando éramos adolescentes y comenzábamos a ver cine patrio de los noventa y decíamos: ostia! acojonante! qué peliculón!. Pero oigo a Vellés y a Bebe con sus espiritualismos y enigmas fáciles y me dan ganas de vomitar el bocadillo de tortilla que tomé antes de entrar el cine.
Y la hecatombe: comienza en cuanto Vellés mira el cuadro y comienza a levitar y se enamora de esa especie hombre del desierto que se parece muchísimo al propio Medem. En cuanto comienza la indagación sobre los misterios de Vellés aparecen subtramas y chorradas con el hedor del cine comercial más simple que sencillamente en Medem parecían intolerables.
Todas las críticas alaban a Charlotte Rampling por sostenerse dignamente en un producto inferior a su labor, somera estupidez, el personaje de Rampling aparte de ser simplísimo está recreado ridículamente por la actriz. Por cierto, la cara del hipnotizador es patética.
Nunca me esperé esto de Julio.
El episodio indio roza el desastre absoluto.
El epílogo en Manhattan busca dar coherencia pero lo único que logra es el estupor supremo.
Vale, Medem rueda planos preciosos, pero ¿para qué los queremos cuando el guión en lugar de haber sido rodado debería haber sido quemado en una papelera?
Me gustaría sobreponerme a este horror pero claro, Julio, me has plantado el escepticismo.
Me encantaría que tu siguiente película fuese formidable, pero ahora mismo sólo deseo que el Mago te choque las cinco.
chobrein
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3
19 de noviembre de 2008
44 de 83 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hay una cosa que me ha gustado de esta película: es una cinta agitadora de conciencias, es cine hecho para debatir en el acto, cine para hacer críticas repletas de farragosas reflexiones políticas, históricas y sociales. Eso está bien, me gusta que el cine tenga la capacidad de que afilemos las uñas cuando un hombre agarrado a una cámara nos abofetea para que hablemos.

Hay muchas cosas que no me han gustado de esta película: cuando entra uno en una sala de cine sabiendo que la película está concebida para reflexionar y polemizar me pongo un casco de obra, porque a veces este tipo de películas interactúan con el espectador a garrotazos, con las líneas marcadas, sin dar lugar a una reflexión más libre. Esa peligrosa sensación se apoderó de mí mientras veía este filme, y no fue placentera.

Esta película no busca la reflexión desde dentro, no deja que surja, al contrario, está concebida a raíz de ella, cada elemento está cuidosamente calculado, generando un aparatoso mecano hecho de piezas endebles. De una estructura endeble, con cimientos endebles, no podrá surgir nada sólido.
Todo en esta cinta está prefabricado, al director no le gusta la pureza; el convencionalismo y el efectismo son la via empleada para subrayar argumentos. Los personajes se pueden resumir en escasas palabras, son tan convencionales como podrían serlo los de Lost (pero claro, estaría mal para mucha gente comparar al sufrido profesor de esta película con el férreo héroe Jack que encabeza el reparto de la isla, pero tienen mucho en común en cuanto a seres simples y previsibles).
Los planteamientos políticos, históricos, antropológicos, sociales, etc. de los que hablaba antes se tratan de manera simplona y superficial, parece ser que se sigue una guía de iniciación vulgar a la problemática de la humanidad.
Se asiste al empleo de una iconografía fácil y cómoda para que nos identifiquemos con las marionetas que pueblan el film. La presentación del profesor con la música a todo volumen, con sus camisetas de The Ramones y The Clash y con su pasado antisistema en el fondo es tan simple como cuando se nos presenta a Steven Seagal entrando en un bar y liándose a ostias con todo el mundo sin que su rostro cambie. Parece ser que esta película tiene un target juvenil impresionable, de esos que erigirán a esta película como una Biblia cinematográfica como pasó con la también simple y previsible American History X.
La reflexión final ante esta historia, que es la quiere subrayarnos el director a toda costa, es demasiado fácil. Parece ser que Dennis Gansel nos dice: mirad lo que acaba de pasar, os exijo reflexionar sobre ello, pero sin desviaros de mi tesis, que es la buena, eso sí, os permito diversificar el debate pero yendo por donde iban los alumnos de mi pobre profesor protagonista.

A mí no me gusta que como espectador me digan cómo y sobre qué debo reflexionar; en ocasiones el francotirador cultural que nos ofrece el producto puede caer en una contradicción consigo mismo.
chobrein
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7
25 de agosto de 2010
4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Con qué facilidad se le da una buena nota a una película de Bresson, de Bergman o de Ford. Pero cuántos prejuicios aparecen para darle una nota positiva a una película como The Expendables, o si se le da, repentinamente, aparece la catarata de justificaciones como "ya sé que el guión podía estar mejor", "ya sólo por juntar a tantos titanes del cine acción merece la pena"... Lo peor son comentarios del estilo "a ver, Los mercenarios está bien, pero eso no es buen cine, el buen cine es otro cine, Ford, Wyler, Hawks, oh, grandes, grandes".

Después de un trailer horrible este filme ha superado mis malas expectativas. Todo el mundo cita una y otra vez el carácter crepuscular de esta cinta por reunir a muchos viejos iconos del cine acción de los ochenta (además de los pegotes de Statham, Li y algún que otro mercenario secundario), pero para mí eso es sólo el punto de partida. A partir de ahí Stallone nos entrega un tratado sobre el cine de acción propio de los años ochenta, nostálgico e hiperviolento, por lo tanto, una obra audaz en una época en la que Hollywood está mortalmente amordazado por la corrección política.

The Expendables es la pieza angular que el género necesitaba para demostrar que una forma concreta de concebir el cine de acción no vive sólo de la nostalgia, sino que a partir de ella el género puede prolongarse y perpetuarse en el futuro con plena coherencia. Elementos como la virilidad desenfrenada, los tipos duros (durísimos) o la acción hiperviolenta son puntos desde los que se puede atacar la cinta, pero no olvidemos que las películas más icónicas del género están construidas con esos mismos elementos. Evidentemente hay alguna concesión a las audiencias del nuevo milenio como un montaje demasiado atropellado en ciertas secuencias de acción, pero no son más que pequeñas flaquezas que obviaremos.

Stallone no se limita solamente a perpetrar un actioner pseudo-ochentero en pleno 2010, sino que va más allá. Sus habilidades estéticas demostradas en Rocky Balboa y John Rambo tienen una prolongación, en este caso, psicológica. La cámara cobra vida y status y se zambulle en los rostros de estos viejos leones. A través de primerísimos planos nos impregnamos con la presencia de estos hombres, dejados de lado por el sistema y que, como es habitual, sólo pueden recurrir a la violencia. Esto sería algo tópico si estos rostros gigantescos no nos mostrasen sus heridas y su dolor, es entonces cuando sobreviene una pequeña catarsis estética y moral para el espectador. Convertir a Jet Li es un sucedáneo de Kitano pensativo es algo muy meritorio.

Por último, un detalle de la escena del bombardeo sobre el muelle. Me refiero a la camiseta de Statham mecida violentamente por el viento. Ese pequeño detalle, esa camiseta, demuestra una fisicidad que, en plena era post-Avatar, hace que nos reencontremos con el cinematógrafo como un elemento anclado ontológicamente en la realidad.

Stallone, eres muy buen chico.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
chobrein
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