Interesante revisión del mundo ALIEN con estos cortos conmemorativos del 40 aniversario del Octavo Pasajero. Volvemos a tener la característica imaginería visual espacial, la utilización de la cámara en espacios cerrados o una iluminación potente más inclinada al terror, como siempre fue en su concepto de género la primera ALIEN. Utiliza de nuevo la fórmula vista en toda la saga, pero no deja de ser, un buen entretenimiento esta revisión del fenómeno xenomorfo.

Brillante reflexión sobre la mente humana. Y en especial la relación entre los miembros de una pareja, casi tan críptica como la que haría Gillian Flynn en su novela Gone Girl, llevada al cine por Fincher en 2014.
Kaufman pone sobre la mesa la complicada relación de una pareja, la distancia de pareceres, compromiso, y mucha carga filosófica. Cobran vital importancia los diálogos de la pareja protagonista que repasan distintos momentos personales trascendentes y otros muy culturales y banales para el devenir de la narración.
Lo que a priori sería una rutinaria visita a la casa de los suegros se convierte para Lucy en una laberíntica pesadilla.de la mano del genial guión de Charlie Kaufman.
El personaje de ella (Lucy) refljeja la imposbilidad y lo inevitable de las elecciones en nuestro sino vital.
Mientras que el personaje de Jesse hace más marcado la desilusión del sino vital y la profunda derrota del artista.
Me ha gustado bastante el detalle de la voz en off que se produce a través de las reflexiones de ella, y aporta una complejidad e inquietud al asunto. Efectiva elección que funciona a la hora de enmarañar más nuestra perspectiva frente a la película.
En cuanto a los actores, brillan en sus papeles los dos principales, Jesse Plemons y Jessie Buckley, y por supuesto, dejan su marca personal los siempre destacables, Toni Collete y David Thewlis, con sus personajes taciturnos y marcianos.

Definitivamente un relato sincero y muy honesto que repasa el imaginario de inquietudes de su creador, sus filias artísticas y su profundo análisis filosófico como en sus anteriores trabajos.

Vuelta a la gran pantalla de David Fincher trás más de seis años y lo hace, en muy buena forma. A día de hoy, una de las películas del año.

Mank es la historia de un guionista (Herman Mankiewickz) a principios de los años 40 en el Hollywood de la edad de oro del cine americano. Nos cuenta a través de 2 líneas de tiempo el devenir de este hombre dentro de la industria y durante el proceso de gestación de uno de los guiones más reconocidos de la historia, el de Ciudadano Kane.

H. Mankiewicz es un tipo genuino, con facilidad y naturalidad para con la palabra, y que se gana la vida en la industria del cine entre ampulosas fiestas, reuniones con magnates empresariales, apuestas de todo tipo y amoríos platónicos tras jornadas etílicas. Un auténtico y adorable perdedor que descuida bastante su vida marital y aún más su salud a prueba de autenticas bombas. Pasa por ser un peón mas dentro de la maquinaria piramidal de la industria. Cuando repartieron las cartas de la baraja "Mank" no salió muy bien parado, pero es sin duda el jugador más listo y no dejara que el mejor guión probablemente escrito en su vida caiga en el olvido.

Pasa por ser la película más sobria en cuanto ritmo y reposada en la filmografía del gran David Fincher.
El ritmo de la trama no decae pese a esto en ningún momento, es un festín visual en todos los sentidos. Tiene además, unos diálogos finísimos, ácidos y, muy ingeniosos por momentos, que te mantienen con atención la mayor parte del tiempo. Pasa de un comienzo un cierto lánguido y sosegado a un crecimiento del interés y la emoción considerable.

Fincher se rodea de un gran equipo para facturar la película, donde caben destacar el elenco de actores que esta perfectamente escogido en su casting. Desde el último de los secundarios hasta el soberbio Gary Oldman en el papel principal, bordan sus papeles.
Mención especial para mí el papel de Marion Davis interpretado por Amanda Seyfried (Chloe, Mama Mía)
El lujo de la puesta en escena y la recreación de cada detalle de la época es excelente. Todo y cada uno de los apartados técnicos del film, como cabía esperar tratandose de Fincher en la dirección, son casi perfectos.

En el aspecto del guión David Fincher cuenta con el trabajo realizado por su padre allá por los años 90 que se encarga de guiarnos por el proceso de gestación de la historia detrás de la mítica Ciudadano Kane (1941) por parte del cínico y brillante Herman Mankiewickz.

La película acaba siendo toda una declaración de intenciones en contra de esos farsantes que viven en la burbuja de la industria "creadora de Sueños". Desmitificadora y sin tapujos parece una prístina fotografía de un tiempo dorado.
Y es el propio "Mank" reflejo de la persona cargada de un talento natural, que pocos o ninguno valoran gran observadora del alma de las personas, amigo de sus amigos y feroz defensor de sus ideas pese a quien les pese, pero nunca, jamás, traicionando sus principios. Lo que aporta a toda la película un valor intrínseco especial

Takeshi Kitano esta vez nos sorprende con una de sus películas más calmadas y emotivas, aparentemente sencilla en su concepto y relización, sigue la vida de un aspirante a pintor llamado Machisu, desde sus inicios siendo un crio en el seno de una familia bien posicionada hasta sus días de madurez.
En su vida se cruzaran toda clase de amistades artísticas, musas, falsos profetas, mecenas y vendedores de arte, todos ellos cortados por el patrón más hierático y caricaturesco propio del director japonés. Comprobaremos todos sus esfuerzos y baches que tendra que afrontar para poder alcanzar su objetivo en la vida, una vida sacrificada al arte.

Aquiles y la Tortuga, recoge en mi opinión un compendio de las señas de identidad del genuino artista, salvo en esta ocasión, su faceta violenta o criminal, mostrándonos un Kitano más pausado y reflexivo.
Cuenta con un diseño de producción muy cuidado, que aporta elegancia y detalle a la ambientación, Kitano opta por una fotografía limpia, en tonos frios y que contrasta con las llamativas y locas pinturas repletas de color que pueblan el relato de Machisu.
En su estilo intimista y contenido, "Aquiles y La Tortuga" me remite al cine de otro alienigena y genial director, Aki Kaurismaki, padre de la más reciente y mejor filmografía finesa.

Una película muy interesante, de fuerte calado emocional, ya sea en su vis más cómica y ligera como en su emotivo desenlace cargado de emotividad. Las fallidas representaciones artísticas de Machisu se muestran reveladoras declaraciones del propio Kitano en sus procesos de creación en el medio audiovisual, donde siempre se las ingenia para resultar fresco e innovador.

Finalmente como todo en la vida Aquiles y todos conseguimos alcanzar esa tortuga.

La nueva película de Sam Mendes aterriza en medio de la 1° Guerra Mundial, la conocida como Guerra de las Trincheras, muy ad hoc el término militar escogido para este conflicto bélico,  con lo que nos van a ofrecer con 1917, sin más dilación adentrarnos al espectador, y ser uno más de los miles de soldados que poblaron estas lindes subterráneas durante la contienda. Y nos lo plasman de una manera atrevida y muy lógica para acometer esta trama, con un largo y "unico" plano secuencia. De una forma muy dinámica y tremendamente efectiva para regalarnos esa sensación de cercania y de tensión con su manejo de la cámara.
Durante toda la trama Mendes y su equipo muestran una destreza con los movimientos de cámara que me tenía encantado, muy hipnótica. Cuenta con sus trucos en los cortes para que evitemos la presencia de las distintas tomas que se solapan, y crear así la ilusión y la sensación de que es una única toma durante todo el metraje, pero lo hacen de una forma muy ingeniosa y sobre todo muy práctica.
En la dirección de fotografia cuenta ademas con uno de los operadores de cámara mas capaces de la industria como es Roger Deakins, sin palabras su trabajo, es uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.
Para el reparto cuentan entre sus actores ilustres del cine británico y de hollywood com son Mark Strong, Benedict Cumberbatch o Colin Firth entre otros para los papeles más secundarios y es sin duda en el de los dos protagonistas de la misma donde recae el peso de la película, los jovenes y bastante prometedores George Mackay y Dean C. Chapman. Sobre todo el primero, ofrece una caracterización y un nivel de entrega en su papel más que correcto.
Otro aspecto muy a señalar en "1917" es que pese a contar con un equipo inmenso de producción y un presupuesto de 90 millones no cuenta con ningun tipo de montaje o edición en sus imágenes puesto que está toda la realización enfocada en sus largas tomas "sin aparentes" cortes. En ese aspecto la película se desmarca mucho de grandes titulos belicos recientes como Hasta El Último Hombre de Mel Gibson o el Soldado Ryan de Spielberg, donde su montaje ejerce un papel fundamental para confeccionar sus poderosas escenas de guerra y batalla entre soldados, aquí mas que eso, Sam Mendes se centra en una perfecta planificación para elaborar las secuencia y cuenta para ello con muchas cámaras móviles, de todo tipo, para seguir en todo momento a los protagonistas de la trama y ofrecer al espectador la experiencia digamos "survivor" en primera persona, moviendonos en todo momento con ellos.
Experimentaremos junto a estos dos jovenenes y pobres designados el horror que deja atras el paso de la guerra, sea en un lado o en el otro, el desenlace es siempre aciago y devastador para todos.
En el mezclaje ds sonido y su edicion tiene otro de sus grandes baluartes la película, junto a su banda sonora que corre a cargo del muy reconocido Thomas Newman. Dentro de la sala de cine se puede vivir esa experiencia sonora con un nivel cualitativo sobresaliente y sin querer apabullar, los momentos sonoros están muy bien escogidos y entran para reforzar las secuencias, con lo que la película consigue la mezcla perfecfa entre poderío visual y de decibelios que ofrecer al espectador, todo un espectáculo para los sentidos.