Puede resultar tedioso y arriesgado pensar que ver tan pronto otra reinterpretación del archienemigo más famoso de Batman es sinónimo de fracaso, tal y como ocurrió con Escuadrón Suicida, allá por 2016.

La sombra de Heath Ledger es muy alargada, el director Todd Phillips lo sabía, por ello la mejor fórmula era pasar absolutamente del “qué dirán” y dar una vuelta de 360 grados al proyecto. Presentando una antropología del personaje y su entorno desde sus inicios, en la que la ciudad de Gotham se encuentra sumergida en un agujero de podredumbre del cual parece difícil salir. Aquí es donde entra Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un ciudadano más de la ciudad, condenado y sin futuro pero que busca como encajar en una sociedad que no le tiene en consideración. Con unas ambiciones y deseos que se ven machacados por una clase política (liderada por Thomas Wayne) que promete constantemente una regeneración y un cambio que no tiene en estima a la clase media-pobre.

Una serie de lastres (su madre, trabajo, relaciones, etc.) de los que llegado un momento determinado, se librará de ellos desembocando inconscientemente una revolución que encabezará y que concluirá con lo que todos ya sabemos, siendo el payaso del crimen o lo que es lo mismo: Joker.

Es curioso ver como se logra empatizar con el personaje que interpreta Phoenix en muchos momentos. El cómo su risa involuntaria puede decirnos mucho de lo que le sucede en momentos determinados. Su forma coreografiarse en cada escena es magistral.

El film se empeña en mostrarnos una paleta de colores muy viva y escenas bellas que gracias al director de fotografía Lawrence Sher cobran especial interés, quedándose algunas de ellas en la memoria del espectador.

A la pregunta de si nos encontramos ante un film de terror o de extrema violencia, cabe decir que lo primero queda descartado. Todd Phillips se ha encargado de hacer una película sin tener que pensar en lo políticamente correcto que pueda parecer para el público, ofreciendo un producto distinto. Por lo que es obvio que para empezar a comprender los inicios de uno de los personajes más emblemáticos del universo DC coexista violencia para poder entender sus propósitos.

Sin duda, el camino experimental que se ha tomado a la hora de realizar los orígenes del Joker ha sido todo un éxito, vulnerando todo tipo de barreras en la que la plena libertad creativa predomina en una cinta llamada a ser de culto con el paso de los años. Bravo por los riesgos y por ofrecernos una visión distinta de uno de los personajes más queridos del universo DC.

Quizás, lo que más pena me da es saber que El Reino va a pasar sin pena ni gloria por las salas de cine españolas. El motivo es simple: la corrupción es el plato diario de los informativos de nuestro país desde hace ya bastantes años. Se ha hecho casi inocuo a nuestros ojos. Y es una lástima porque quizás la obra de Rodrigo Sorogoyen (“Que Dios nos perdone”, 2016) es la más completa a la hora de compactar todo el entramado político que se cuece en ciertos partidos sin hacer uso de siglas ni ideologías. Porque el que roba puede ser tanto de izquierda, centro o derecha. Eso sí, hay ciertos personajes que ineludiblemente nos recordaran al ex-tesorero del Partido Popular, Luis Bárcenas o la periodista Ana Pastor.

La historia gira en torno a Manuel (Antonio de la Torre), un vicepresidente autonómico de un partido político cualquiera que durante largos años se ha estado enriqueciendo de dinero público para mantener un alto nivel de vida. En ello, no escaseaban las fiestas en yates, comilonas y compadreo con compañeros del partido. Una corrupción política que empezará a hacerse pública a raíz de filtrarse documentos y pruebas que harán que Manuel sea el cabeza de turco, algo que no estará dispuesto a permitir.

¿Qué decir de Antonio de la Torre? Una vez más, hace una interpretación de diez. No me cabe ninguna duda de que estamos ante un actor sin parangón alguno. A la hora de dar vida al personaje, Manuel, nos encontramos ante un individuo despreciable en un principio y que no dudará en pisotear a quien haga falta para sobrevivir y salir adelante. Sin principios morales políticos y siendo consciente que forma parte del engranaje corrupto político que hay creado (si yo caigo, vosotros también), su personaje va más allá, ofreciéndonos un retrato vil de lo cobarde que puede ser chantajeando, amenazando o incluso grabando a propios amigos de confianza de dentro del partido por tal de salir “limpio”. El resto del elenco están igual de impecables. Sublime esta Josep Maria Pou (“Oh, quina joia!”, 2016) dando vida a Frias, uno de los “barones” del partido político, cauto, intimidante y posiblemente el que mueve los hilos en la sombra. También es meritoria la actuación de Luis Zahela (“Vivir sin perdón”, 2018) siendo Cabrera, siendo el que realiza el “trabajo sucio” dentro del partido blanqueando dinero.

Al film de Sorogoyen no le falta nada. Su música compuesta por Olivier Arson aporta ese ritmo frenético que lleva el protagonista y de constante tensión. Un sin parar que se te mete en la cabeza y del cual cuesta desprenderse tras acabar la película.

Desde luego, “El Reino” que nos muestra Sorogoyen concluye de un modo bastante aterrador. En donde se borra del mapa al que está “manchado” o “salpicado” por la corrupción como si fuera un parias que directamente ya no pertenece a esa élite. Posiblemente lo que da más miedo es ver que el entramado corrupto que se nos presenta, abarca mucho más que partidos políticos. Los medios de comunicación en la que los propios periodistas que vemos a diario en televisión, están como meros subordinados, formando también parte de ese entramado.

El doce de mayo de 2014 fallecio H.R. Giger, siendo el documental que realiza Belinda Sallin la mejor despedida posible que se le puede hacer a un gran artista y padre del género de terror, por haber dado vida a criaturas en el cine tan formidables. Sin él, Alien, el octavo pasajero (1979) no existiría o no sería lo que todos conocemos. Tampoco sería lo mismo el film Species (1995) y no me quiero ni imaginar lo que hubiera sido la Dune de Alejandro Jodorowsky de haberse realizado, ya que estaba implicado junto a Moebius. Su implicación en el cine, le valió ganar un Oscar al mejor diseño escénico en 1980 por su colaboración con Ridley Scott.

No obstante si algo fascina de Dark Star: H.R. Giger’s World es adentrarse en la vida del artista a través de este magnífico documental que nos enseña muy de cerca quien era H.R. Giger’s, mostrándonos su día a día con su editor, su manager, etc. Todo muy familiar, trabajando a su vez en el propio hogar del artista. Un lugar que al adentrarse da la sensación de que hayas accedido a otro mundo, repleto de todas las obras hechas, tanto dentro como fuera de la casa. Además, descubriremos el significado de muchas de sus obras para las cuales el propio Giger no dudará en explicarnos. La simbología de la vida y la muerte, los diversos fetichismos que le han inspirado, la simbología sexual que también tiene predominancia o las representaciones de humanos mezclados con máquinas descritas como biomecanoides.

Dark Star: H.R. Giger’s World consigue que aquel espectador que únicamente conocía al artista por Alien descubra que lo que sabía era una porción muy pequeña de las magnas obras del suizo. Además también nos enseña el H.R. Giger’s Museum ubicado en Suiza donde hay gran parte de sus obras. En el documental, podemos ver al propio Giger firmando libros y realizando actos promocionales varios.

No obstante, el documental también hace hincapié en el Giger más personal e intimo, el que es cercano, agradable y simpático. El trabajador y constante con su pasión que es la creación de nuevas formas. Sin desprenderse de su lápiz y hoja de papel en algunos momentos, somos testigos de cómo crea y en qué se inspira.

Personalmente, este documental ha calado hondo en mi, teniendo la sensación de que a raíz de ver la cinta, muchas personas perderán la oportunidad de ver a uno de los hombres más creativos e imaginativos que han existido, sabiendo plasmar todas esas fantasía en obras de gran importancia que muchos conocen, pero que no saben por quién ha sido creada.

La verdad que nunca he llegado a comprender porque Hollywood o los propios medios de comunicación se empeñan en construir estrellas mediáticas de la nada. Eso me sucede con Cara Delevingne, una actriz que me he encontrado hasta en la sopa sin saber siquiera quien es o el hecho de porque tanto supuesto interés en que aparezca por todos lados. Con Ciudades de Papel mi duda sigue en el aire, ya que al fin y al cabo, su protagonismo acaba siendo eclipsado por el otro joven protagonista, Nat Wolff. Imagino que todo ello (o quiero pensar), formará parte de la campaña promocional que siempre se suele realizar previa al estreno.

Más allá de los focos, nos encontramos ante una historia bastante interesante. Quentin (Nat Wolff) y Margo (Cara Delevingne) son vecinos desde la infancia, pero debido a que cada uno decidió seguir caminos distintos, su relación fue menguando. Esto no hace que el propio Quentin haya olvidado lo que siente por la misteriosa vecina. Una noche de repente, aparece la propia Margot en la ventana de su habitación para pedirle ayuda y acompañarla para vengarse de su ex-novio y amigos. El plan sale bien, pero al día siguiente, Margot desaparece, teniendo Quentin el dilema de seguir con su vida o bien aprovechar esta oportunidad para buscarla a traves de las pistas que ha ido dejando.

La historia que presenta Paper Towns me ha acabado gustando, además del buen rollo que transmite en todo momento el personaje de Quentin, fácilmente identificable con cualquier chaval que ha estado enamorado pero por unas causas u otras, nunca ha podido revelar ese “secreto de confesión”. La desaparición de su vecina se convertirá en una especie de redención tanto para él como para sus amigos, que siempre estarán ahí para ayudarle a encontrar a su “preciado milagro”.

Quizás lo más bonito de la historia es su última media hora, en la que evita de un acertado modo caer en la previsibilidad. No obstante, hay ciertas partes que no me terminan de convencer porque podrían haber sido mejor, tales como el ambiente escolar que se contempla en donde quedan bien definidos los “guaperas”, los “marginados” y todo ese ambiente de fornicación “adolescentoide” que me cansa.

Tras ver quinta entrega de la saga de Misión Imposible hay dos cosas que ya saco en claro: la primera es que a día de hoy, la segunda parte sigue siendo la peor que se ha hecho hasta el momento, siendo un despropósito absoluto. Creo que Tom Cruise lo tiene que hacer muy mal para volver a hacer semejante birria, cosa que dudo que vuelva a ocurrir ya que desde MI:III (2006) en adelante se nota que ha aprendió del error y los siguientes films se han mantenido en la misma linea ascendente pero no brillante. El segundo punto en claro que extraigo es que quien haya visto todas las entregas, se verá ante más de lo mismo, disfrutando de una buena película pero sin grandes sorpresas. Y digo esto porque está muy bien ver a Tom Cruise realizando escenas peligrosas en las que hay cierta espectacularidad, pero llegados a un punto, ya no hay espectacularidad que disimule un guion flojo. Esto se traduce en que desde Misión Imposible III no nos encontramos ante un villano de nivel (Philip Seymor Hoffman era mucho Philip Seymor Hoffman) o que se las haga pasar canutas a Ethan Hunt y su equipo. Además de que en cada entrega (exceptuando estas dos últimas), siempre ha tenido un equipo distinto. No obstante parece que este último asunto se esta perfilando y no es descartable la presencia ya fija en las siguientes entregas de Simon Pegg y Jeremy Renner, además del ya fijo Ving Rhames como Luther Stickell.

En Misión Imposible: Nación Secreta nos encontramos con la FMI en plena fase de descomposición al tomar el FBI el control bajo el mando de Alan Hunley (Alec Baldwin). El enemigo esta vez al que deberá enfrentarse el agente Hunt será el Sindicato, un grupo de ex-agentes formados en el FMI con la única misión de realizar sucesivos ataques terroristas alrededor del mundo.

En esta nueva entrega, nos encontramos con mucha más acción y menos florituras que en las dos anteriores, siendo más directa y espectacular. Ofreciendo pocos momentos de respiro al espectador, logra conseguir un entretenimiento bastante efectivo, pero insuficiente a la hora de ponernos a pensar si verdaderamente hemos disfrutado de un film que es digno para el recuerdo o más bien un “blockbuster” veraniego. Imagino que de las dos opciones, la segunda es la que mejor encaja con lo que es MI: Rogue Nation.

Tom Cruise se encarga como siempre de ofrecernos lo mejor de sí mismo escena tras escena en las que estará acompañado de su equipo y la espectacular Rebecca Ferguson, quien dará vida a la enigmática Ilsa Faust. La espectacularidad está servida y pese a que llegados a un punto, se hace monótona si hemos visto anteriores entregas, no quita que haya emoción, pues ver a Tom Cruise agarrado a un avión en pleno despegue entre otras cosas o buceando más de tres minutos en un circuito cerrado sin posibilidad de escape, siempre son garantías de entretenimiento asegurado.

En definitiva, MI: Rogue Nation se mantiene fiel a la saga con paso firme y consolidándose poco a poco como una gran franquicia de éxito. Todo apunta a que en un futuro volveremos a disfrutar de las peripecias de Ethan Hunt en un futuro.